By Maria Rosa Ventimiglia

Icastica is not an exhibit or a museum: Icastica is a true artistic event hosted by the city of Arezzo from June 8^th to September 1^st, 2013. Conceived and directed by the art critic Fabio Migliorati, Icastica exposes more than 20 international female artists along a 4 kilometer path that begins from Piazza Guido Monaco and finishes in the legendary Piazza Grande, where the historical reenactment of the Giostra del Saracino (or the Saracen Joust) takes place every year. As the title suggests, the event attempts to show the various modes of artistic expression through an evocative itinerary of indoor and outdoor works, able to communicate not only with the viewer but also with the precious historic sites where they are located. An all-female art, a femininity also expressed on the façade of a building in the Piazza of San Francesco with the neon words ART HAS NO SEX, really highlights not only the theme of the entire event but also  introduces us to the visit of the Municipal Galley of Contemporary Art in the same square.

The museum hosts a substantial part of the works intended for the indoor exposition, a choice probably dictated by the possibility for better organization offered by a recent construction. In fact, the building, designed in the 60’s and renovated in the 90’s, has most of the requirements of a good museum, like an elevator for disabled access and a good division of interior spaces. The visit appears pleasant – as, indeed, it is – thanks to its conciseness and organization: lighting filtered by white cloth in front of the windows and a comfortable temperature that, however, from a conservation stand-point, could be too high.

The exposition of the works begins on the second floor, following a geographic organization: each wall, in fact, focuses on female artists all from the same country. We find Russian, Peruvian, and Palestinian artists who, through their works, tell us their realities and their ways to approach them, reflecting on a society that changes and becomes increasingly more multimedial and multiethnic.

Yet already from the first paintings, one notices right away a fundamental lack: the total absence of explanative panels, essential to describe and understand such complex contemporary artworks. The only source of information given is a small label that, in addition to the name in the original language, documents the materials and components but only in English, limiting its comprehension to a small portion of visitors. Continuing along the visit, one discovers another absence, that of benches, meant to provide rest for a patient and reflective visitor who may desire to stop and think about the displayed works. This happens also when there are many videos, which evidently requires a longer stay inside a room, with the obvious consequence of a quick and passive view by the observer.

The upper floor follows the same principle of display: this time the works presented are related to China, America, and South Africa. In addition, there is a canvas created by a Cuban artist, Tania Bruguera, who prompts an interesting association. The work is shown in the same way as that of Luca Bertolo in the contemporary exhibit in Pisa, “Inevitable Figuration.” Also in the case of Bruguera, a completely white canvas is not hanging on the wall, but lies on the floor with the writing, “Libertad o Muerte” (“Liberty or Death”). It is a battle for a freedom that cannot yet be represented. Unfortunately, also in this case, we do not find any explanative panels and the labels often disappear or even become simply written in pen on the wall.

Among the international female artists leading the exhibition, the Italian performers cannot be ignored: Carla Mattii, Tamara Ferioli, and Maddalena Ambrosio, a Neapolitan artist who moved to Milan and presents at Icastica a reflection on the complicated relationship between man and nature. An entire room is dedicated to her, hosting her installation, an expanse of soil and lichens on the floor from which two seats separated by a desk emerge. Once the visit of the Gallery ends, the visitor can continue the journey among the different artistic languages presented, video art and installations, land art and body art, all different ways to question – and to question oneself about – the true reality of the human being.

In conclusion, the event, well publicized and with a great web site (www.icastica.it), is unique in its genre thanks to the participation of international artists like Marina Abramovic and Yoko Ono, some of whose works are presented, respectively,  in the house of Giorgio Vasari and in the Palazzo Chianini Vicenti. The contemporary challenge faced by the city of Arezzo, known as the city of Piero della Francesca, is interesting and exciting, a feeling that sheds a new and more contemporary light on the city.

The visiting hours of the different exhibit locations vary according to the schedules of each museum. On the other hand, the outdoor works may be freely accessed.

 

 

“Icastica”: Galleria comunale d’Arte Contemporanea

di Maria Rosa Ventimiglia

Icastica non è una mostra e neanche un museo: Icastica è un vero e proprio evento artistico ospitato dalla città di Arezzo dall’8 giugno al 1 settembre 2013. Ideato e diretto dal critico d’arte Fabio Migliorati, Icastica prevede l’esposizione di più di 20 artiste internazionali lungo un percorso di 4 kilometri che parte da Piazza Guido Monaco per arrivare alla leggendaria Piazza Grande, dove ogni anno si svolge la rievocazione storica della Giostra del Saracino. Come sottolineato dal significato del titolo, l’evento ha l’obiettivo di mostrare le varie modalità dell’espressione artistica attraverso un suggestivo itinerario che prevede opere outdoor e indoor, capaci di comunicare non solo con lo spettatore ma anche con i preziosi siti storici dove sono collocati. Un’arte tutta al femminile, una femminilità espressa anche nella facciata di un edificio di Piazza di San Francesco, che esibisce la scritta al neon ART HAS NO SEX, l’arte non ha sesso, proprio per sottolineare non solo la tematica dell’intero evento ma anche per introdurci alla visita della Galleria comunale d’Arte Contemporanea presente nella stessa piazza.

Il museo ospita una parte consistente delle opere previste per le esposizioni indoor, una scelta  probabilmente dettata dalle migliori possibilità organizzative offerte da una struttura di recente costruzione. Infatti l’edificio, progettato negli anni ‘60 e ristrutturato negli anni ‘90, possiede la maggior parte dei requisiti di un buon museo, come la presenza di un ascensore per consentire l’accesso ai disabili e  una buona divisione degli spazi interni. La visita si prevede piacevole – come del resto è – grazie ad un percorso conciso e ordinato, allietato da una luce schermata da teli bianchi davanti le aperture delle finestre e da una gradevole temperatura che però, dal punto di vista conservativo, potrebbe risultare eccessivamente alta.

L’esposizione delle opere comincia dal primo piano seguendo un ordinamento topografico: ogni parete, infatti, concentra l’attenzione su artiste appartenenti ad uno stesso Paese. Troviamo artiste russe, peruviane e palestinesi che, attraverso i loro lavori, ci raccontano la loro realtà e il loro modo di affrontarla, con ampie riflessioni su una società che cambia e che diventa sempre più multimediale e multietnica.

Ma già dai primi quadri si nota subito una mancanza fondamentale: la totale assenza di pannelli esplicativi, essenziali per descrivere e comprendere delle opere d’arte contemporanea così complesse. L’unica fonte di informazione che ci è concessa è una piccola didascalia  che, oltre al nome in lingua originale, ci documenta circa i materiali e le componenti della realizzazione ma solo in lingua inglese, limitando la comprensione a una parte minima di visitatori. Proseguendo nella visita  si rileva un’altra assenza, quella delle panchine, adatte alla sosta di un visitatore paziente e riflessivo che magari desidera soffermarsi per meditare sui lavori esposti. Questo anche quando ci sono dei video, che evidentemente necessitano di una permanenza più lunga all’interno di una stanza, con l’ovvia conseguenza di una rapida e passiva visione da parte dello spettatore.

Il secondo piano segue lo stesso principio di esposizione: questa volta le opere presentate appartengo alla Cina, all’America e al Sud Africa. Vi è inoltre una tela realizzata da un’artista cubana, Tania Bruguera, la quale ci fornisce lo spunto per un’interessante associazione. L’opera è esposta analogamente a quella di Luca Bertolo presente nella coeva mostra di Pisa “La Figurazione Inevitabile”: anche qui si ripropone una tela completamente bianca, non appesa al muro e appoggiata sul pavimento, con la scritta “Libertad o Muerte “. Una battaglia per una libertà che non può essere ancora rappresentata. Purtroppo, anche in questo caso, non troviamo i pannelli esplicativi e le didascalie spesso scompaiono o addirittura si trasformano in una semplice scritta a penna sul muro.

Tra le artiste internazionali protagoniste dell’esposizione, non possono mancare le performer italiane come Carla Mattii, Tamara Ferioli e infine Maddalena Ambrosio, artista napoletana trapiantata a Milano che ad Icastica propone una riflessione sul complicato rapporto tra l’uomo e la natura. A lei è dedicata un’intera sala che ospita la sua installazione: una distesa di terriccio e licheni sul pavimento da dove emergono due sedie separate da una scrivania. Una volta terminata la visita alla Galleria, il visitatore può proseguire il suo viaggio tra i diversi linguaggi artistici presentati, tra video arte e installazioni, tra land art e body art, tutti modi diversi di interrogare e interrogarsi sulla vera realtà dell’essere umano.

Concludendo, l’evento, ben pubblicizzato e con un ottimo sito internet (www.icastica.it), si presenta unico nel suo genere grazie alla partecipazione di artiste internazionali come Marina Abramovic e Yoko Ono, alcune opere delle quali sono rispettivamente presentate nella casa di Giorgio Vasari e in Palazzo Chianini Vicenti.  La sfida del contemporaneo lanciata alla città di Arezzo, da sempre riconosciuta come città di Piero della Francesca, è interessante ed emozionante, un’emozione che investe la città di una luce nuova e sicuramente più contemporanea. 

Gli orari per le visite nelle diverse sedi espositive variano a seconda dei giorni di apertura dei singoli musei. Diversamente, le opere outdoor, sono di libero accesso.

By MaryBeth Wagner (Lorenzo de’ Medici)

Throughout the city of Florence, visitors can easily recognize one of the most popular forms of transportation locals utilize to maneuver the streets: the bicycle.  A temporary exhibition at Museo Galileo titled Cycling through the Past: Stories of Men and Trades, which will be running until November 2013, illustrates the evolution of the two-wheeled vehicle through both its permanent collection of historical bicycles and a private collector’s trade vehicles.  Though a smaller exhibition located in the didactic area of the museum in the basement level, it still conveys accessibility, organization, and an innovative use of technology to appeal to the public.

The exhibition is designed to allow visitors to walk among the bicycles on display.  The museum’s collection of historic bicycles that were destroyed in the flood of 1966 and recently restored are shown in the first room of the exhibition, starting with the first two-wheeled vehicle called the “draisine,” up through the more modern “bicicletto.”  This setup then provides an up-close view of Marco Paoletti’s collection “biciclette dei mestieri,” or working bicycles that were once used by tradesmen, such as the fireman’s bicycle and the painter’s bicycle.  Instead of placing the bicycles in display cases, visitors have free reign to assess the pieces from a closer perspective, as they are placed on the ground to emulate their natural positions. Three rooms of the basement area hold the actual objects, as well as large posters and text panels with information on various related topics, such as how women were perceived in using this form of transportation.  Visitors are free to explore this temporary exhibition with a ticket purchase to the museum’s permanent collection.

In each display, panels are provided in both English and Italian with in-depth information about the differing vehicles.  To appeal to younger visitors, the panels also provide a few “Fun Facts” about the history and development of the two-wheeled transportation.  Because many English-speaking visitors frequent the museum in the summer, the language accessibility allows foreign viewers the opportunity to learn more from the exhibition and better appreciate the display.  Unlike the permanent collection in the museum that often lacks information on the labels, this exhibition is successful in terms of presenting the facts of the vehicles and displaying them in a manner for visitors to truly get a sense of the history and importance of the development of bicycles.

The show incorporates technology to reflect the bicycle’s history, not solely in its evolution but also in its appearances in film and music from both Italian and American popular culture.  Projected on a wall, a movie continuously streams clips from well-known films, such as The Wizard of Oz, that depict the different uses of bicycles in the past.  In that room, songs about bicycles, including Queen’s Bicycle Race, play through speakers as the video is projected.  Instead of focusing solely on the displayed vehicles, the exhibition offers an alternative view of their development through a technological and cross-cultural perspective.

As well as technology in the display itself, Museo Galileo utilizes its website to offer a view into the exhibition online, in English and Italian.  The site implements the show’s information about bicycles as well as pictures of each object for viewers living abroad.  While the video clip is not shown in the digital version of the exhibit, online visitors still have a connection to the pieces and an understanding of the historical background of the bicycle through the detailed explanations and images. By promoting the exhibition on the website, the museum may generate more interest from visitors outside of Italy.

The temporary exhibition at Museo Galileo, Cycling through the Past, examines the evolution of this means of transportation, from the first two-wheeled vehicles to the bicycle as it is known today.  This unique exposition succeeds in public accessibility and organization by offering dual language panels, allowing visitors to walk among the pieces, and incorporating technology into the display.  The importance of bicycles is still manifested throughout the city of Florence at present, and this exhibition effectively communicates that message to its visitors.

 

L’evoluzione della bicicletta a Firenze

di MaryBeth Wagner (Lorenzo de’ Medici)

Attraversando Firenze i visitatori possono facilmente riconoscere uno dei più popolari mezzi di trasporto che i suoi cittadini usano per far manovra tra le strade: la bicicletta. Una mostra temporanea al Museo Galileo intitolata Pedalando nel passato: storie di uomini e di mestieri, che resterà aperta fino a Novembre 2013, illustra l’evoluzione del veicolo a due ruote tramite sia la sua collezione permanente di biciclette storiche, sia le “biciclette dei mestieri” di un collezionista privato. Sebbene si tratti di una piccola esposizione, collocata nell’area dedicata alla didattica del museo al piano inferiore, essa si presenta con criteri di accessibilità, ordinamento ed uso innovativo della tecnologia in grado di affascinare il pubblico.

La mostra è pensata proprio per permettere ai visitatori di camminare tra le biciclette. La collezione di biciclette storiche, distrutte durante l’alluvione del 1966 e recentemente restaurate, è esposta nella prima stanza, a cominciare dal primo veicolo a due ruote chiamato la “draisina” fino al più moderno “bicicletto”. Questo allestimento comporta dunque una visione a tu per tu della raccolta di Marco Paoletti di “biciclette dei mestieri”, antichi mezzi di trasporto che venivano una volta, per esempio, usati dal pompiere o dal pittore. Invece che all’interno di vetrine, i visitatori troveranno le biciclette nella loro naturale posizione, appoggiate al suolo, potendo così avere campo libero nell’osservazione dei pezzi da una prospettiva ravvicinata. Tre stanze dell’area sotterranea ospitano gli oggetti insieme a grandi poster e pannelli esplicativi contenenti informazioni su vari temi ad essi collegati, come l’opinione intorno alla donna che usava questo mezzo di trasporto. I visitatori sono liberi di esplorare la mostra temporanea acquistando il biglietto d’ingresso per la collezione permanente del museo.

Durante tutta la visita si possono consultare pannelli, in inglese ed italiano, che riportano informazioni approfondite sui differenti veicoli. Per attrarre i visitatori più piccoli, comunque, essi contengono anche alcune curiosità sulla storia e sullo sviluppo del trasporto a due ruote. Siccome il museo nell’estate è frequentato da molte persone che parlano inglese, il fatto di poter comprendere immediatamente la lingua rende gli stranieri in grado di imparare molto dalla mostra ed apprezzarne al meglio l’allestimento. Diversamente dalla collezione permanente del museo, che spesso è carente di informazioni sui cartellini, questa esposizione presenta con successo ciò che riguarda i veicoli e la loro disposizione, in modo che i visitatori possano veramente ottenere un senso della storia e dell’importanza dello sviluppo delle biciclette.

La mostra ingloba la tecnologia per descrivere la storia della bicicletta, non solo nella sua evoluzione, ma anche nella sua apparizione in film o nella musica, con rimandi alla cultura popolare italiana ed americana. Proiettati su una parete, vengono proposti in continuazione brani tratti da film molto noti, come Il Mago di Oz, che illustrano i differenti usi delle biciclette in passato. In questa stessa stanza, mentre il video viene proiettato, risuonano canzoni sulle biciclette, inclusa Bicyle Race dei Queen. Invece che soffermarsi soltanto sui veicoli in mostra, l’esposizione offre una visione alternativa del loro sviluppo attraverso una prospettiva tecnologica e multiculturale.

Allo stesso modo in cui la tecnologia viene usata nell’allestimento, il Museo Galileo utilizza il suo sito web per offrire, online, uno sguardo alla mostra in italiano ed inglese: questo ne implementa le informazioni che riguardano le biciclette e le immagini di ogni oggetto, utili anche per chi vive all’estero. Mentre il filmato video non è visibile nella versione digitale della mostra, i visitatori online possono entrare in contatto con i pezzi ed apprendere il contesto storico della bicicletta attraverso dettagliate spiegazioni ed immagini. Promuovendo l’esposizione sul sito web, il museo può generare più interesse da parte degli utenti fuori dall’Italia.

La mostra temporanea al Museo Galileo, Pedalando nel passato, esamina l’evoluzione di questo mezzo di trasporto, dai primi veicoli a due ruote alla bicicletta così come è conosciuta oggi. Questa unica esposizione ha successo in quanto accessibile da parte del pubblico, organizzata in modo da offrire sempre due lingue, capace di far camminare i visitatori tra gli oggetti e di incorporare la tecnologia nell’allestimento. L’importanza delle biciclette è ancora oggi visibile per le strade di Firenze e questa mostra comunica efficacemente tale messaggio ai suoi visitatori.

By Marta Gelli (University of Florence)

In Pistoia, facing one side of the Piazza del Duomo, the town hall is home to the Civic Museum, nowadays a common situation in this type of building. Here, many works – sculpture pieces, paintings on panels or canvas, and so-called minor arts – retrace the art history of the Pistoia. The intent is to illustrate its evolution and to tell of the connections between this city and Florence, both from the point of view of art patronage and that of art production. All this is done while respecting the historicity of the 14^th century palace, also because the visitor could not possibly confuse the late 20^th century display with the preexisting architecture…for better or for worse. The exhibition choice, at one time maybe Avant-Garde, in fact proves to be not so well adapted today for hosting foreign tourists or even Italians who are not from Pistoia.

One accesses it by a grand stone staircase which, invisible from the front of the building, winds upward next to the interior courtyard of the palace. It is brief ascent during which one may note the typical and numerous family crests on the walls or sculptural or architectural fragments – clearly medieval – spread here and there, all acting as a sort of introduction to what one will encounter later. In fact, only two flights connect the ground floor with that above, where one finds the ticket office and the rooms dedicated to the 13^th, 14^th, and 15^th centuries. The organization of the Civic Museum is, from the beginning, clearly chronological, but for those who do not notice, this is reiterated in the brochure with a map provided at the entrance and immediately when reading the first text panel, rightly in two languages (Italian and English). The choice of works, it also explains, included selecting key pieces to represent sculptural and pictorial evolution starting from the 13^th century. It further involved making helpful comparisons between the art of Pistoia and Florence (surely more famous) and considering objects which came to the museum either through donations by Pistoian families or to reunite and show again what remained as “orphaned” following the suppression of the religious groups and churches of the 18^th and 19^th centuries.

But as soon as one crosses the threshold of that first room, one may be overcome with a somewhat unpleasant sensation, as if having stumbled upon a construction site: metallic grates line the white walls while, in the center of the room, stand imposing grey panels topped by iron beams with screws and bolts which are hard to miss. Well, these objects, really clashing with the brick floor and wooden ceiling of the old palace, are nothing more than supports for the works of art. This is seen in the first rooms where natural light does not exist (the large windows are closed and darkened) and the lighting consists of spotlight on metallic tracks which, in any case, allow for the observation without too much reflection on the objects. The same type of display is found also on the top floor, in the grand hall dedicated to the 17^th and 18^th centuries – so again metallic grids, sad grey panels and their beams… but with decidedly worse lighting. Likely due to the high trussed ceiling, here there are no modern spotlights. In their place (and this time the feeling is of being in an office) are several neon tubes hanging on the grey supports, sometimes with warm light and others with cool, so influencing the perception of colors – aside from being inside fluorescent (red!) tubes, certainly more fitting for a workplace. It could take some time for the eyes to adjust to this situation, until one may (if possible) overcome the discomfort and be able to appreciate the single objects on display.

In reality, there are neither any works known to the greater public nor any renowned among the artists one finds during the visit, so that a tourist not well versed in art could become bored in reading so often, on the labels, unheard of names or especially the overused words “Artist Unknown”. Anyway, what will strike the visitor is the possibility to get closer (also physically) to the works: no blaring alarm, velvet ropes, or glass will impede one’s proximity, even up to a few centimeters from paintings and sculptures, and ability to appreciate the objects in their physical sense. The silver lining of those grids and those tiresome supports is sometimes having made different pieces accessible and viewable from unusual positions. For example, the painting The Marriage at Cana by Gregorio Pagani and Matteo Rosselli hangs very high up and is visible also from the back side, with the mounting system making up the panels. In addition, the information provided by the labels is interesting: along with the artists, title of the work, and date, is the provenance, if known. This is a good idea, but not so useful unless, for example, it is accompanied by a small map of the city showing the location of the suppressed monastery or convent. Sure, the Civic Museum targets its own citizens, but it could be fruitful to venture out.

The visitor may find more satisfaction entering the rooms dedicated to the collection of the Puccini, a historical family from Pistoia connected to the Medici grand ducal sphere that succeeded in amassing a prestigious assembly. In two spaces, the display at first proposes again the by now noted metallic grids lining the walls, but in the second ample area, finally it changes: the works with historical subjects from the 19^th century stand out, free from the metallic nightmare, on red walls. One’s eye will be very happy, also because here rays of sun burst in. The visit concludes, this time descending, in the small mezzanine: next to the area of the Michelucci Foundation, also visit-able, 19^th century art objects have been relegated. Sculptures and paintings by artists from Pistoia line a narrow corridor, hanging on still different supports – light wooden panels placed horizontally.

This display, often tiresome, that could perhaps be more appropriate for a temporary exhibit, with its “work in progress” feeling, ends up being so apparent that it overpowers the history of art of Pistoia which is presented with some positive points. So apparent that, in the end, the paying public could leave with the feeling of having browsed some great works of art, but while walking through a construction site, office, or… why not, a mountain cabin.

 

Il Museo Civico di Pistoia

di Marta Gelli (Università di Firenze)

A Pistoia, proprio affacciandosi su un lato della piazza del duomo, il palazzo comunale ospita, come oramai accade in diversi, altri, edifici dalla simile destinazione, il Museo Civico. Qui varie opere – pezzi di scultura, dipinti su tavola o tela e le arti cosiddette minori – ripercorrono la storia artistica della città pistoiese con l’intento di illustrarne l’evoluzione e narrare i legami tra questa e Firenze, sia dal punto di vista della committenza, che da quello della produzione di oggetti d’arte. Il tutto accade rispettando la storicità dell’antico palazzo trecentesco, anche perché il visitatore non potrà certamente confondere l’allestimento di seconda metà Novecento con l’architettura preesistente: nel bene e nel male… La scelta espositiva, un tempo forse all’avanguardia, si rivela infatti, oggigiorno, poco adatta ad una fruizione da parte di turisti stranieri o anche di italiani non residenti a Pistoia.

L’accesso avviene da uno scalone in pietra che, invisibile dal prospetto dell’edificio, si snoda accanto al cortile interno del palazzo, una (breve) salita durante la quale si potranno notare i numerosi e tipici stemmi familiari affissi alle pareti o i frammenti scultorei o architettonici, evidentemente medievali, sparsi qua e là, costituendo una sorta di preambolo a quanto si incontrerà successivamente. Solo due rampe collegano infatti il piano terreno a quello superiore, dove si trovano la biglietteria e le sale dedicate ai secoli XIII, XIV e XV: l’ordinamento del Museo Civico si dichiara, dunque, sin da subito di tipo cronologico, ma, per coloro ai quali non fosse chiaro, questo è anche ribadito nel depliant con mappa fornito all’ingresso e, subito, alla lettura del primo pannello esplicativo redatto, giustamente, in doppia lingua (italiano e inglese). La scelta delle opere, è ancora spiegato, è avvenuta selezionando pezzi-chiave per rappresentare l’evoluzione della pittura e della scultura a partire dal Duecento, tentando utili confronti fra l’arte pistoiese e quella fiorentina, sicuramente più nota, prendendo in considerazione oggetti che giunsero al museo o per donazione di famiglie pistoiesi o per riunire e rendere di nuovo visibile ciò che rimase “orfano” in seguito alla soppressione di compagnie o chiese nel Sette e Ottocento.

Ma forse ciò che accade non appena si oltrepassa la soglia di quella prima sala è l’essere investiti da una sensazione abbastanza sgradevole, come se si fosse piombati all’interno di un cantiere: grate metalliche sono allineate lungo le pareti intonacate di bianco, mentre, al centro della stanza, si impongono con forza pannelli grigi sormontati da longarine di ferro con viti e bulloni che non passano certo inosservati. Ebbene, questi oggetti, che stridono assai con il pavimento in cotto ed il soffitto ligneo dell’antico palazzo, non sono altro che i supporti delle opere d’arte. Ciò ha luogo nelle prime sale, dove la luce naturale è inesistente (i finestroni sono chiusi e oscurati) e l’illuminazione è affidata a faretti appesi a binari metallici, ma che comunque consentono di osservare senza troppi riflessi ogni oggetto. Lo stesso tipo di allestimento si ritrova anche all’ultimo piano, nel grande salone dedicato ai secoli XVII e XVIII, dunque ancora griglie metalliche,  tristi pannelli grigi e loro longarine… ma con un’illuminazione decisamente peggiore. Probabilmente per via dell’altissimo soffitto a capriate, qui i moderni faretti non sono stati collocati: al loro posto (e stavolta la sensazione è quella di trovarsi in un ufficio) sono ancorati ai supporti grigi alcuni tubi di neon, talvolta a luce calda, altre a luce fredda, influendo, così, sulla percezione dei colori, oltre ad essere inseriti all’interno di plafoniere cilindriche (rosse!), certamente più consone ad un luogo di lavoro. Servirà un po’ di tempo perché l’occhio si abitui a tale situazione, finché non si potrà (se ci si riesce) superare il disagio e passare ad apprezzare i singoli oggetti in esposizione.

Non sono, in realtà, presenti opere note al grande pubblico, come del resto poco conosciuti sono diversi tra gli artisti che si incontrano durante il percorso tra le varie epoche, dunque un turista poco ferrato nella storia dell’arte potrebbe infastidirsi nel leggere così spesso, sui cartellini, nomi e cognomi mai sentiti o, soprattutto, le gettonate parole “Autore ignoto”. Quel che colpirà, tuttavia, chiunque, sarà piuttosto la possibilità di avvicinarsi (anche concretamente) alle opere: nessun seccante allarme, cordone o vetro impedirà di farsi prossimi anche di pochi centimetri a quadri e sculture, riuscendo ad apprezzare gli oggetti pure nella loro essenza fisica. Se un lato positivo si vuol trovare, infatti, a quelle griglie e a quei fastidiosi supporti, è l’aver reso, talvolta, fruibili ed ammirabili diversi pezzi anche da posizioni più inusuali, come nel caso del dipinto Le nozze di Cana di Gregorio Pagani e Matteo Rosselli, appeso molto in alto e visibile anche dal lato posteriore, con il sistema di montaggio delle tavole che lo compongono. Interessanti sono, poi, le informazioni fornite dai cartellini, che insieme all’autore e al titolo dell’opera, con la sua datazione, ne indicano, se nota, la provenienza, idea intelligente ma che non trova utilità se non viene, per esempio, affiancata da una piccola piantina della città che possa indicare l’ubicazione del convento soppresso: certo, il Museo Civico si rivolge principalmente ai suoi cittadini, ma sarebbe proficuo osare di più.

Maggiori soddisfazioni, forse, il visitatore potrebbe avere nell’entrare nelle stanze dedicate alla collezione Puccini, storica famiglia di Pistoia legata all’ambiente mediceo granducale che riuscì ad assemblare una pregiata raccolta. Sviluppandosi in due ambienti, l’esposizione dapprima ripropone le ormai note griglie metalliche lungo le pareti, ma nel secondo, una sala ben ampia, finalmente cambia aspetto: le opere di soggetto storico dell’Ottocento si stagliano, libere dall’incubo metallico, su pareti colorate di rosso. L’occhio ne sarà ben felice, anche perché a questo si aggiunge, inoltre, l’irruzione di qualche raggio di sole. Il percorso si conclude, stavolta scendendo, nel piccolo mezzanino: accanto all’ambiente della Fondazione Michelucci, pure visitabile, sono stati relegati oggetti d’arte risalenti al Novecento. Sculture e pitture di artisti pistoiesi sono allineate lungo uno stretto corridoio, appese a supporti ancora differenti – tavole di legno chiaro disposte in orizzontale.

Questo allestimento, spesso fastidioso, che potrebbe forse essere più appropriato ad una esposizione temporanea, con la sua aria da “lavori in corso”, finisce per essere così evidente da prevaricare sulla storia dell’arte di Pistoia che si tenta, seppur con spunti positivi, di presentare. Così evidente, insomma, che, alla fine, il pubblico pagante potrebbe uscire con la sensazione di aver passato in rassegna delle belle opere d’arte, ma attraversando un cantiere, un ufficio, o… perché no, una baita di montagna.

By Nora Yang (Lorenzo de’ Medici)

To many fashion-oriented people around the globe, conjuring the name of Salvatore Ferragamo is equivalent to the significance of finding the Holy Grail. In the basement of a Renaissance palace that is now the headquarters of the much-celebrated designer, one finds the temporary exhibition, The Amazing Shoemaker: Fairy Tales about Shoes and Shoemakers Without prior knowledge, it may sound like a retrospective on the life of Ferragamo; however, only after visiting will viewers realize that it is much more complicated and fantastical. Overall, this is a great exhibition due to exceptional usage of technology and lighting. Despite the inclusion of a broad variety of objects, it captures the audience and brings them into the magical world of shoes.

Each room is set up to represent a different fairytale based on those that inspired Ferragamo, presenting him not just as a shoemaker, but also as a dreamer. Italian and English explanations explicitly draw parallels between iconic shoes and their stories, like the ruby slippers from the Wizard of Oz, and the morals or virtues they stand for – in this case, vanity. Many other references are also included: from art and literature, like Grimm and Anderson, to artists, like Giambologna, and even to the philosophical teachings of Socrates.

In the first room, clips of famous movie starlets who were fans and clients of Salvatore Ferragamo, are projected onto the arched ceilings accompanied by music. This introduction sets the tone of the whole exhibition, one that gives a sense of wonder, fantasy, imagination, and artistry through the technology and design.

Throughout the show, some of the items that are featured are not actual tangible objects, but rather clips of mainstream movies or art house films that support the overarching theme of how shoes are seen both in fictional fairytales and in their relationship with reality. Showing these on mini touch pads, the museum embraces the incorporation of electronics – a trend that is well received in the museology world at the moment. A perfect example is the story of Puss in Boots. This tale is showcased by displaying rare books, borrowed from the National Library in Florence, along with clips of the recent animated film Shrek. Actual boots, made by a contemporary artist, are on display as well, in order to reflect on the room’s theme of courage. Again, technology is used to make apparent the lines of shoes’ relationship with reality.

The lighting of this show could go easily unnoticed if it were not for the dramatics; and what makes this exhibition a success is the attention paid to lighting. In half of the exhibit rooms, the lights are dimmed much like a theater stage, while movies or video installations are played on large screens. Usually, one spotlight shines on the main object, a pair of shoes, to emphasize its beauty and significance. The other half of the rooms host actual artifacts or artworks in a soft yellow lighting, adding to the magical atmosphere.

The only weakness of this temporary exhibit is the inclusion of every type of media, both historical and artistic, taken from institutions around Florence. From film clips to rare books to sculptures from the Bargello, the attempt to encompass too great a variety and scope may actually be over-ambitious. However, one redeeming fact is that the text panels explain very well the reasoning for choosing to include each object.

The most successful aspect of the show is the intense attention to detail that was paid to the exhibition design. The unconventional way of displaying items, like creating a case shaped like a treasure chest and decorated with fake jewelry in order to highlight shoes with jeweled heels, heightens the fantasy that Ferragamo’s shoes can create. The quality of his shoes is exceptional and they have the power to evoke the joys and beauty of life. Yet, not only his shoes are displayed: historical ones, like Renaissance Venetian heels and Chinese shoes for bound feet, are encased in terrariums or lanterns. In addition, many contemporary art pieces were commissioned specifically for this exhibition.

The best way to describe this show is like that of a Disney theme park ride, where the experience is more important than the things on display. Those who are expecting to see a whole collection of Salvatore’s handcrafted shoes would be disappointed.  But for those who know that shoes are much more than everyday necessary objects and realize the fantastical power they are capable of, it is a must-see show.

 

Il magico regno delle scarpe

di Nora Yang (Lorenzo de’ Medici)

Per molte persone sensibili alla moda in tutto il mondo, evocare il nome di Salvatore Ferragamo equivale, per importanza, all’aver scoperto il Sacro Graal. Al piano inferiore di un palazzo rinascimentale che adesso è il quartier generale del tanto celebrato designer, si trova la mostra temporanea Il calzolaio prodigioso. Fiabe e leggende di scarpe e calzolai. Senza conoscenze pregresse potrebbe sembrare una retrospettiva sulla vita di Ferragamo; invece, solo dopo la visita, gli osservatori si accorgeranno che si tratta di qualcosa di più complicato e fantastico. Tutto sommato questa si rivela una bella esposizione grazie all’uso eccezionale di tecnologia ed illuminazione. Nonostante l’inclusione di un’ampia varietà di oggetti essa cattura il pubblico e lo conduce all’interno del magico mondo delle scarpe.

Ogni stanza è allestita in modo da raffigurare una differente favola fra quelle che ispirarono Ferragamo, presentandolo non soltanto come un calzolaio, ma anche come un sognatore. Le spiegazioni in italiano ed inglese fanno esplicitamente paralleli tra calzature famose e loro storie, come  le scarpette rosse de Il Mago di Oz e le virtù morali che rappresentano – in questo caso la vanità. Ma vi sono anche altri riferimenti: dall’arte e dalla letteratura, come i fratelli Grimm e Anderson, agli artisti, come Giambologna e addirittura agli insegnamenti filosofici di Socrate.

Nella prima stanza immagini di famose dive del cinema, ammiratrici e clienti di Salvatore Ferragamo, vengono proiettate sulle volte con un accompagnamento musicale. Questa introduzione  imposta il tono di tutta la mostra, conferendo un senso di meraviglia, fantasia, immaginazione ed artigianato attraverso la tecnologia ed il design.

Lungo il percorso alcuni degli oggetti esposti non sono propriamente tangibili o concreti, ma piuttosto brani tratti da film famosissimi oppure dal cinema d’essai a supportare il tema generale di come le scarpe sono viste sia nelle favole che nella realtà. Mostrando questi corti su piccoli touch pads, il museo abbraccia anche l’elettronica – una tendenza che viene positivamente apprezzata nel mondo della museologia attuale.  Un esempio perfetto è la storia de Il gatto con gli stivali, illustrata tramite l’esposizione di rari libri, prestati dalla Biblioteca Nazionale di Firenze, insieme a qualche video tratto dal recente film di animazione Shrek. Veri stivali, realizzati da un artista contemporaneo, sono pure in mostra, proprio per  rispecchiare il coraggio, tema della stanza. Ancora una volta, la tecnologia è usata per rendere evidenti le linee di interazione tra le scarpe e la realtà.

L’illuminazione potrebbe facilmente passare inosservata se non fosse per la sua teatralità: eppure la cura che vi è stata prestata rende l’esposizione un vero successo. In metà degli spazi espositivi le luci sono oscurate come se fossero quelle di un palcoscenico, mentre film o installazioni video sono proiettate su grandi schermi. Di solito un faretto brilla puntato sull’oggetto principale, un paio di scarpe, per enfatizzarne bellezza e significato. L’altra metà delle sale ospita reali manufatti o oggetti d’arte in una soffusa luce gialla, aggiungendosi all’atmosfera magica.

L’unica debolezza di questa mostra temporanea è l’inclusione di qualsiasi tipo di materiale, sia storico che artistico, preso dalle istituzioni intorno a Firenze: da brani video a rari libri e sculture dal Bargello, il tentativo di amalgamare una così ampia varietà potrebbe essere stata un’ambizione troppo grande. In compenso, un fatto positivo è che i pannelli esplicativi illustrano molto chiaramente il ragionamento che sta dietro alla scelta di ogni oggetto.

L’aspetto più interessante della mostra è l’intensa attenzione al dettaglio nei confronti del suo allestimento: il modo non convenzionale di disporre i pezzi, come la creazione di una teca dalla forma di un forziere decorata con bigiotteria per evidenziare le scarpe dai tacchi ingioiellati, intensifica la fantasia che le calzature di Ferragamo possono creare. La loro qualità è eccezionale ed hanno il potere di evocare le gioie e le bellezze della vita. Ora, non ci sono solo le scarpe di Ferragamo in mostra, perché le accompagnano quelle storiche, come i tacchi del Rinascimento veneziano e le calzature cinesi per i piedi fasciati, rinchiuse in terrari o lanterne. In aggiunta, molti oggetti di arte contemporanea sono stati commissionati appositamente per l’esposizione.

Il modo migliore per descrivere questa mostra è paragonabile alle parole che si userebbero nei confronti di un parco a tema della Disney, dove l’esperienza è più importante delle cose esposte. Coloro che si aspettano di vedere una intera collezione delle scarpe fatte a mano di Salvatore Ferragamo resteranno delusi. Ma per chi sa che le scarpe sono più che necessari oggetti quotidiani e riesce a comprendere il fantastico potere di cui esse sono capaci questo è un evento da non perdere.