By Giulia Bagni (University of Florence)

Until October 6, in the Medici Chapel museum, there will be a temporary exhibit about Pope Leo X, the first pope from the Medici family. The son of Lorenzo the Magnificent, he rose to become the bishop of Rome in 1513, exactly five hundred years ago. The exhibition takes place in the crypt of the museum, extending into the Chapel of the Princes and the New Sacristy of Michelangelo before finishing back in the crypt. The path through the show, however, presents some difficulties, as it is not immediately clear how one should move throughout the space.

The exhibit starts in a sort of enclosure in the center of the crypt, where one is introduced to the figure of the future pope, Giovanni de’ Medici, beginning with his Humanistic education. This instruction was gained through his relationship with intellectuals such as Agnolo Poliziano, to whom the curators pay too little attention, as is seen in the whole show, leaving it to the visitors’ imagination to understand what this education consisted of. Once outside this section, which tells also of Giovanni’s election to cardinal at only fourteen years old, the exhibition continues in two niches along the outer walls of the crypt. Here, the event of the expulsion of the Medici from Florence in 1494 is illustrated. One may not understand why there is a video projection in this area showing the virtual reconstruction of the decorative ephemera that accompanied Pope Leo X’s triumphal entrance into Florence in 1515. Furthermore, this same video – but this time with audio – may be seen again in a later section that focuses on this topic.

At this point, the display continues to the upper floor, in the Chapel of the Princes, but if a group of rowdy students abandoned by their teacher covers up the signage, which happened to me, one may accidentally circle the entire crypt, missing the stairs, and notice a strange jump in time. Perhaps, in addition to the indications on the walls, it would be better to also use a red velvet rope to block people from following the circular path of the crypt and, instead, direct them to ascend the steps up to the chapel. In this area, where again we are faced with a circular space, the visitor is supposed to proceed in a counter-clockwise direction but, without any sort of guidance, one could take any course he or she prefers. Here, the intent was to highlight the role of Leo X as pontificate, both in Rome and in Florence. Yet again, the topic in question is addressed too quickly and the few exhibited works, let alone their relevance, do not help the visitor to create a correct vision of the political, historical, and artistic climates of the time. Already mentioned, the most interesting thing is the virtual reconstruction of the temporary structures made during the triumphal entrance of Leo X into Florence.

Exiting the Chapel of the Princes, one continues into the New Sacristy of Michelangelo, where the phases leading up to the creation of the sacristy, commissioned by Leo X, are displayed in a small adjacent room. From here, one returns finally to the crypt, where it is instead intended to illustrate each of the stages of the (unfinished) project of creating the facade of the church of San Lorenzo, also commissioned by the pope to Michelangelo. The narration of this episode is told by a helpful video with sound where, in addition to illustrating the development of the commission and the creation, the façade is virtually reconstructed, giving the visitor an understanding of the monumentality that Michelangelo’s project would have signified for the church and for the surrounding square.

Really, in this last part of the exhibit, another critical point makes it clear the degree to which the Medici Chapels are probably not the best place to organize a show that attempts to present to the greater public such an important personality of the Medici family. In fact, the last section is displayed in the bookshop space.

In conclusion, despite the surely interesting idea of investigating such an important character perhaps somewhat unknown to many, the exhibition does not fully succeed in its intention as, given such a poorly suited museum space, it ends up creating a superficial and vague approach to the figure of Leo X.

All of the texts are translated also into English, while the videos have subtitles.

For more information, visit the website: http://unannoadarte.it/leonex/eng/index.html

 

Nello splendore mediceo. Papa Leone X a Firenze

di Giulia Bagni (Università di Firenze)

Fino al 6 ottobre, all’interno del museo delle Cappelle Medicee, è in corso una mostra temporanea dedicata alla figura di Leone X, primo papa della famiglia Medici, nonché figlio di Lorenzo il Magnifico, il quale salì al soglio di Pietro nel 1513, esattamente cinquecento anni fa.

L’esposizione si sviluppa all’interno della cripta del museo, per poi proseguire nella Cappella dei Principi, nella Sagrestia Nuova di Michelangelo e terminare nuovamente nella cripta. Il percorso, però, presenta molta criticità poiché non è immediatamente percepibile come ci si debba muovere all’interno dello spazio.

La mostra comincia in un “recinto” al centro della cripta dove viene presentata la figura di Giovanni de’ Medici, futuro papa, a partire dalla sua formazione umanistica; formazione ricevuta tramite la frequentazione di intellettuali quali Agnolo Poliziano a cui i curatori, come si riscontra in tutta la mostra, hanno accennato in modo troppo frettoloso, lasciando all’immaginazione del visitatore capire in cosa consistesse questa educazione.

Una volta fuori da questa sezione, in cui si dà conto anche dell’elezione di Giovanni a cardinale avvenuta a soli quattordici anni, l’esposizione continua in due nicchie dei muri perimetrali della cripta, dove si illustra l’evento della cacciata dei Medici da Firenze nel 1494; non si capisce perché in questa area venga proiettato il video con la ricostruzione virtuale degli apparati decorativi che accompagnarono l’ingresso trionfale di Leone X nel 1515 a Firenze. Fra l’altro lo stesso video, questa volta corredato di audio, può essere visto anche in una sezione successiva in cui si parla proprio di tale episodio.

A questo punto il percorso prosegue al piano superiore, nella Cappella dei Principi, ma se una scolaresca vociante e abbandonata a se stessa vi coprirà la segnaletica, come è successo a me, sarete portati a completare il giro della cripta, salvo poi accorgervi dell’avvenuto salto temporale; forse oltre alle indicazioni sarebbe stato opportuno mettere anche un cordone che impedisse alle persone di seguire il percorso circolare della cripta, e le costringesse a salire le scale per accedere alla cappella. In quest’ultima, dove ancora una volta ci troviamo di fronte a un ambiente circolare, il visitatore dovrebbe compiere il giro della visita in senso antiorario ma, non essendoci nessuna guida, ognuno segue l’andamento che preferisce. Qui l’intento era quello di evidenziare il ruolo svolto da Leone X in qualità di pontefice, sia Roma che a Firenze. Ancora una volta però la questione è trattata in modo troppo sbrigativo e le poche opere esposte, nonostante la loro rilevanza, non aiutano il visitatore a elaborare una visione corretta del clima politico, storico e artistico del tempo. Come si è detto, la cosa più interessante è la ricostruzione virtuale degli apparati effimeri per l’ingresso trionfale di Leone X a Firenze.

Usciti dalla Cappella dei Principi, si prosegue nella Sacrestia Nuova di Michelangelo, dove in una piccola stanza a essa contigua sono mostrati i passaggi che portarono alla realizzazione della sacrestia stessa, voluta da Leone X. Da qui si torna infine alla cripta, dove invece si intende illustrare in tutte le sue fasi il progetto, mai portato a termine, per la realizzazione della facciata della chiesa di San Lorenzo, altra commissione leonina affidata a Michelangelo. La narrazione della vicenda è affidata a un efficace video corredato di audio dove, oltre a illustrare i vari passaggi della commissione e del cantiere, la facciata è ricostruita virtualmente, dando al visitatore la consapevolezza della monumentalità che il progetto michelangiolesco avrebbe significato per la chiesa e la piazza circostante.

Proprio in questa ultima parte della mostra si evidenzia un altro punto critico, che forse fornisce la misura per capire come le Cappelle Medicee non siano probabilmente l’ambiente più adatto in cui organizzare una mostra che ha come mira quella di presentare al grande pubblico una personalità così importante della famiglia Medici: l’ultima sezione è infatti allestita nello spazio del bookshop.

In conclusione, nonostante l’idea sicuramente interessante di indagare un personaggio forse sconosciuto ai più, la mostra non riesce pienamente nel suo intento poiché, complice lo spazio poco adatto del museo, dà luogo a un approccio poco approfondito e sommario rispetto alla personalità di Leone X.

Tutti i testi sono tradotti anche in lingua inglese, mentre i video sono corredati di sottotitoli.

Per ulteriori informazioni visitate il sito http://unannoadarte.it/leonex/presentazione.html

By Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

Situated in the heart of Florence, between the Duomo and the Piazza della Signoria, is the Museum of Dante’s House. It is not difficult to find and, upon entering, is even easier to navigate: simply walk up the stairs directly ahead and one arrives immediately at the ticket desk. The home uses its interesting collection and display to tell the story of Dante Alighieri and the time period in which he lived. While some of the curatorial choices are somewhat disappointing, overall, the museum creates an atmosphere that introduces the visitor to the culture of Dante’s time.

Though there is some debate as to whether this building is truly the historical home of Dante, the museum has acknowledged this concern and presents a history of the house in an introductory text panel in the first room. Here, one is able to read about the project of locating the lost home of the poet and the research involved in its foundation and reconstruction. The text is well written and allows the reader to make his or her own judgments on the case.

It is relatively easy to orient oneself in the space – despite the three different levels of the museum – as there are signs above each doorway indicating the subject of the room and assigning each a number, giving the visitor a clear sequence to follow. Two of the rooms on the first floor provide a glimpse into the topics of political life in 13th- and 14th-century Florence and the division of the city into different sections. In the political room stands a single computer screen and keyboard, placed between the cases as if to complement the work on display, but it is not turned on or even functional. In the space dedicated to the city divisions of Florence, an interactive panel, that lights up as each section of the city is selected, accompanies the large model of the urban plan in the center of the room. Unfortunately, not all of the lights seem to be working, leaving the city (and the visitor) partially in the dark. While the content of the rooms  is quite interesting, the viewer could miss some of the more didactic information due to these interactive materials not functioning.

On the second floor, the foreign visitors might find themselves feeling somewhat forgotten, as the material is only in Italian. The text panels are all in Italian, as well as a voice that projects throughout the space, describing a battle between the Guelfs and Ghibellines. There is a stand in the corner of the room that looks as if it once was a holder for information cards in other languages; however, currently, it remains empty. It is a shame that non-Italian speakers will miss out on this display, as the voice describing the battle accompanies a miniature replica of the particular scene. The historical content of this area is quite interesting, though it is sadly not communicated well in other languages. Fortunately, the video room on this floor does include both Italian and English audio. The video shows engravings and other images of the Divine Comedy, with quotes from the work read in both languages. However, though the installation is interesting, one must sit in the room for at least fifteen minutes in order to watch the whole thing. As this is too much time for a single room, many visitors continue on to see the rest of the museum. Cutting the video down to perhaps five minutes would allow for observers to watch it in its entirety.

To proceed to the third – and last – floor, the visitor does not have the option of an elevator and must ascend the stairs. Here, one notices that the museum has continued its exhibition through the stairwell: family crests hang on the walls lining the steps, each with a short text and a reference to Dante’s mention of the family in his Divine Comedy. On arriving at the top section of the museum, one is greeted by copies of each of the three canticles of the poem, along with a large panel that shows the entirety of the work. While the display is visually pleasing, as it is also supplemented with illustrations of the Inferno, Purgatory, and Paradise, the position of the works is disappointing. The manuscripts are all placed along the wall opposite a very large window, allowing sun to shine directly onto the paper materials. It is only upon further inspection that one is able to read (again, only in Italian) that it is a modern copy of the Divine Comedy. However, some of the other books, such as the smallest edition of the poem legible to the human eye, are valuable not just for their age, but for their rarity. It is unfortunate that these have been allowed to remain in this position where they are exposed to potential damage. Also in this area is a display of costumes, which brings the visitor into the feeling of the medieval atmosphere, though it does not contain any labels to inform them.

Overall, the Museum of Dante’s House does a very nice job to use its collection and artworks to immerse the visitor in the time of Dante. Though some of the display choices should be updated or reworked, the museum provides an interesting historical look into the life and culture of Dante’s world.

 

Museo Casa di Dante

di Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

Situato nel cuore di Firenze, tra il Duomo e Piazza della Signoria, si trova il Museo Casa di Dante. Non è difficile da individuare e, entrando, è ancora più semplice capire come muoversi: basta solo salire le scale che si vedono subito per arrivare immediatamente alla biglietteria. La casa usa la sua interessante collezione e il proprio allestimento per raccontare la storia di Dante Alighieri e il periodo storico in cui visse. Sebbene alcune scelte curatoriali siano piuttosto criticabili, tutto sommato il museo crea un’atmosfera che introduce il visitatore alla cultura del tempo di Dante.

Anche se tuttora si dibatte sull’autenticità di questo edificio, se sia, cioè, la reale abitazione storica di Dante, il museo accenna a tale problematica e presenta una storia della casa in un pannello introduttivo nella prima stanza. Qui si può leggere del progetto di localizzare la perduta abitazione del poeta e della ricerca svolta per istituire, con alcune ricostruzioni, lo spazio museale. Il testo è ben redatto e permette al lettore di fare le proprie constatazioni sull’argomento.

È relativamente facile orientarsi nello spazio – nonostante i tre differenti piani del museo – poiché si trovano indicazioni sopra ogni porta, a specificare il soggetto della stanza e assegnando a ognuna un numero, fornendo così al visitatore un chiaro ordine da seguire. Due delle sale al primo piano offrono uno sguardo sui temi della vita politica nella Firenze del XIII e del XIV secolo e sulla divisione della città in differenti sezioni. Nella stanza sulla politica si trova un computer, posizionato tra le vetrine come se fosse un complemento alle opere esposte, ma tutt’altro che acceso o solo funzionante. Nell’area dedicata alle divisioni cittadine di Firenze, un pannello interattivo, che si accende ogni volta in cui si seleziona una parte della città, accompagna il grande modellino della pianta urbana al centro della stanza. Sfortunatamente non tutte le luci sembrano funzionare, lasciando la città (e il visitatore) parzialmente all’oscuro. Mentre i concetti espressi nelle stanze sono abbastanza interessanti, l’osservatore potrebbe trascurare alcune delle informazioni più didattiche proprio a causa di questi malfunzionamenti.

Al secondo piano i visitatori stranieri potrebbero sentirsi un po’ dimenticati, dato che il materiale è soltanto in italiano. Le didascalie sono in italiano, così come lo è una voce che si ode nell’ambiente, a descrivere una delle battaglie tra Guelfi e Ghibellini. Un porta-depliants nell’angolo della sala sembra ricordare la sua funzione di oggetto usato per contenere le cartoline informative in altre lingue; comunque, adesso, resta vuoto. È una vergogna che chi non parla italiano non riesca a comprendere totalmente cosa si espone, giacché la voce che descrive la battaglia accompagna una copia in miniatura di una di queste scene. Il contenuto storico di tale area è abbastanza interessante, sebbene non sia, tristemente, trasmesso al meglio in altre lingue. Fortunatamente la stanza video a questo stesso piano è dotata di audio sia italiano che inglese: il filmato mostra incisioni e altre immagini della Divina Commedia, con citazioni dall’opera, che è letta in entrambe le lingue. Comunque, sebbene l’installazione sia interessante, bisogna restare seduti nella stanza almeno per quindici minuti per poter guardare l’intero video. Siccome questo tempo diventa troppo per dedicarlo ad una singola sala, alcuni visitatori proseguono per vedere il resto del museo; tagliare il filmato, riducendolo magari a cinque minuti, permetterebbe agli osservatori di goderselo nella sua interezza.

Proseguendo al terzo – e ultimo – piano, il visitatore non ha la possibilità di usufruire di un ascensore e deve perciò salire per le scale. Qui, ci si accorge che il museo ha scelto di continuare con l’esposizione anche lungo le pareti della rampa: sono appesi infatti stemmi familiari, alcuni con un piccolo cartellino in cui sono riportati i passi della Divina Commedia che si riferiscono a tali famiglie. Arrivando in cima si è accolti da copie di ognuna delle tre cantiche del componimento, insieme a un grande pannello che mostra l’opera nella sua interezza. Mentre l’allestimento è visivamente piacevole, anche perché è corredato da illustrazioni dell’Inferno, del Purgatorio e del Paradiso, la posizione delle opere risulta infelice. I manoscritti sono tutti posti lungo una parete dirimpetto ad una finestra molto ampia, che consente al sole di riflettersi direttamente sui materiali cartacei. Soltanto dopo una lettura più specifica si è in grado di riconoscere (ancora una volta, solo in italiano) che si tratta di una copia moderna della Divina Commedia. Comunque, alcuni degli altri libri, come la più piccola edizione esistente del poema leggibile dall’occhio umano, sono apprezzabili non solo per la loro antichità, ma anche per la loro rarità. È triste che questi siano stati lasciati in tale posizione, dove sono esposti a un potenziale danneggiamento. Ancora, in questa area, sono mostrati alcuni costumi che portano il visitatore a percepire l’atmosfera medievale, anche se la teca in cui sono inseriti non contiene alcun cartellino illustrativo.

Nel complesso, il Museo Casa di Dante svolge un lavoro molto piacevole, usando la sua collezione e le sue opere per consentire l’immersione del visitatore nel tempo di Dante. Sebbene alcune delle scelte nell’allestimento possano essere riviste e migliorate, il museo offre un interessante sguardo storico nella vita e nella cultura del mondo di Dante.

By Silvia Zanella (University of Florence)

Until June 24, the MNAF, the Alinari National Museum of Photography, is home to the exhibition, Joel Peter Witkin: The Master of his Masters, curated by Baudoin Lebon. Joel Peter Witkin – who began his career during the Second World War, during which he documented the daily life of American soldiers – works with his hands creating and printing collages. His themes deal with subjects that today’s society tends to reject, such as the deformation of the body, death as the counterpart of life, and mysticism. These are not easy topics to relay to the public; however, the curator has succeeded in presenting a display that helps in this approach.

The show is organized in an extremely logical way, one which both assists in understanding the works and reflects the artist himself. He is an artist in all respects, as, in most cases, he takes famous paintings and remakes them with models whose bodily beauty is the opposite of the Renaissance ideas to which one is accustomed. To understand this, one is helped by the display created by a series of panels that divide the rectangular temporary exhibition space. One enters into a sort of hallway and is assaulted by these disturbing images. Unfortunately, the introductory text panel explaining the exhibit is located on the wall next to the entrance, which is behind the visitor’s back, making it difficult to see. One finds it, then, at the end of the visit, but only in English, with the sense that the curator has forgotten the Italian translation.

The space is characterized by a logic that pervades every detail. First, the colors: Witkin’s photographs are almost all in black-and-white (silver bromide prints) and the display reflects this choice, while also enhancing it, as the panels on which the works hang are white, their frames are black, and their mattes are also white. In addition, black is the color of MNAF, which one may enter with little sense of continuity at the end of the exhibit. The passage from this, which is an example of the potential of a work of art in the hands of an artist, to the history of how photography has evolved is nuanced and natural. Returning to the temporary exhibit, it is important to highlight the use of dim lighting, which creates a soft atmosphere. This induces concentration, prevents reflections on the glass and, above all, helps in this connection of colors, which is the stylistic signature of Witkin’s works.

The subtitle of the show, “The Master of his Masters,” refers to the fact that each image surprises the viewer, reminding one of paintings which are difficult to identify at first, as the subjects are deformed, gruesome, and expressing death. The sensation is a mix of the familiar and the repressed. This is accentuated by the way in which the photos are displayed: in most cases, they are displayed in an isometric way (that is, all placed at the same height, particularly that of a medium-height man), so that one may better appreciate the works. On some walls, they are hung like tapestries, as in the old picture galleries, suggesting a homey mood, which is opposite of the sensation of the works.

As for the order of the exposition, the choice was thematic: the first area is a sort of corridor, with an isometric display of photos that remind one of famous works like Raphael’s La Fornarina on one side, and a “tapestry” on the theme of myth on the other. Then, one continues into a more or less square space with still lifes of chopped body parts; a third zone presents larger photos with famous references, such as Botticelli’s Birth of Venus or Delacroix’s Raft of the Medusa. Finally, passing through a door, one enters another section that does not exactly replicate the paintings, but rather presents typologies, like triptychs, or subjects, like Saint Sebastian.

In conclusion, the exhibit proves interesting in that the display facilitates the understanding of a contemporary artist who works with the disturbing and arouses a sense of discomfort.

 

Joel Peter Witkin. Il maestro dei suoi maestri

di Silvia Zanella (Università di Firenze)

Fino al 24 giugno si tiene al MNAF, Museo Nazionale Alinari della Fotografia, la mostra Joel Peter Witkin, Il maestro dei suoi maestri, curata da Baudoin Lebon. Joel Peter Witkin, che ha incominciato la sua carriera durante la Seconda Guerra Mondiale documentando la vita quotidiana dell’esercito americano, lavora manualmente creando e stampando dei collage. I suoi temi sono all’insegna di valori che generalmente la società di oggi tende a rifiutare, come la deformità corporea, la morte come parte integrante della vita e il misticismo. Non sono temi semplici da presentare al pubblico, tuttavia il curatore vi è riuscito studiando un percorso espositivo che aiuta in questo avvicinamento.

La mostra è organizzata in modo estremamente logico, il che riflette e aiuta ad accostarsi all’opera dell’artista. Egli lo è a tutti gli effetti poiché nella maggior parte dei casi riprende dipinti famosi e li fa riperformare da modelli che hanno criteri di bellezza corporea opposti a quelli rinascimentali a cui siamo stati abituati. Per capire questo si viene aiutati da un percorso, creato da una serie di pannelli, che dividono lo spazio rettangolare dedicato alle esposizioni temporanee. Si entra in una sorta di corridoio e si è aggrediti da queste immagini perturbanti. Purtroppo il pannello con la presentazione della mostra (e un aiuto alla comprensione) è collocato sulla parete a fianco dell’entrata che risulta alle spalle del visitatore, il quale difficilmente lo vede. Lo incontra poi al termine del percorso, ma in inglese, con la sensazione che il curatore si sia dimenticato la traduzione in italiano.

Il percorso è caratterizzato da una grandissima logica che pervade ogni dettaglio. In primis i colori: le fotografie di Witkin sono quasi tutte in bianco e nero (stampe al bromuro d’argento) e l’allestimento rispecchia questa scelta, anzi la amplifica poiché i pannelli su cui sono appese sono bianchi, le cornici nere e i passepartout nuovamente bianchi. Inoltre il nero è il colore dominante di tutto il MNAF, a cui si accede senza soluzione di continuità al termine della mostra. Il passaggio da questa, che rappresenta un’esemplificazione delle potenzialità di un’arte nelle mani di un artista, alla storia di come si è potuti giungere a questi risultati, si rivela sfumato e naturale.

Tornando a parlare dell’esposizione temporanea, bisogna sottolineare l’uso di una luce soffusa che crea un’atmosfera ovattata e che induce alla concentrazione, evita i riflessi dei vetri e soprattutto aiuta il gioco di rimandi dei colori che è anche la cifra stilistica dell’opera di Witkin.

Il sottotitolo della mostra, “Il maestro dei suoi maestri”, si riferisce al fatto che ogni immagine ci sorprende ricordandoci dipinti celebri, i quali però risultano difficili da identificare dal momento che i soggetti sono deformati, macabri, esprimenti la morte. La sensazione è mista di familiarità e rifiuto. Questa è valorizzata dalla maniera in cui le fotografie sono esposte: nella maggioranza dei casi in modo isometrico (cioè tutte alla stessa altezza, quella di un uomo medio) così da poter entrare bene nell’opera, mentre su alcuni pannelli sono disposte ad “arazzo” come nelle antiche quadrerie, suggerendo un’atmosfera casalinga che è opposta alle sensazioni che le opere suscitano.

Riguardo all’ordine di esposizione, la scelta è stata tematica: la prima area, che è una sorta di corridoio, vede fronteggiarsi un allestimento isometrico con fotografie che rimandano a opere famose come Raffaello e la Fornarina e uno ad “arazzo” sul tema del mito; poi si prosegue in uno spazio più o meno quadrangolare con nature morte realizzate con parti del corpo tagliate; una terza zona presenta fotografie più grandi, con riferimenti famosi, come la Venere di Botticelli o la Zattera della Medusa di Delacroix. Infine, varcando una porta, si giunge in un’altra sezione della mostra che non cita propriamente dei quadri, ma delle tipologie, come il trittico, o soggetti, come San Sebastiano.

Per concludere, la mostra si rivela interessante poiché l’allestimento facilita l’avvicinamento a un artista contemporaneo che lavora col perturbante e solleticando sensazioni di disagio.

By Carolyn Badalucco (Istituto Lorenzo de’ Medici)

Just a short two-minute walk from Piazza della Repubblica brings one to the Fondazione Palazzo Strozzi, which houses two temporary exhibition spaces.  Currently on display on the palace’s main floor is The Springtime of the Renaissance: Sculpture and the Arts in Florence 1400-1460, which was organized in conjunction with the Musée du Louvre and will also be shown there, beginning on September 26.  The show highlights the onset of the Renaissance in Florence through a display predominantly of sculpture.  During this period, Classical themes were adapted to reflect the spiritual and intellectual environment within Florence and the creativity it stimulated.  Both the display and the didactics make this exhibition stand out from the typical staid Florentine museum.

Each section of the large nine-room space presents the museum-goer with a new theme, which is explained by large, bilingual text panels (while French, Russian, and Chinese booklets are also available).  These informative, and occasionally more abstract, panels are supplemented by a handful of smaller captions which display quotations and illustrations relevant to the broader theme of touch.  In many areas, there are small pieces of different media (bronze, marble, terracotta, etc.) that are meant to be touched by the visitor.  This also emphasizes the overall tactile theme.

The dramatic lighting, reminiscent of theater design, provides an appropriate ambiance for the artwork on display.  Nothing is left in shadow.  Each piece is highlighted in a way that focuses attention on the details and splendor of the individual work and also the creative genius of the selected Renaissance artists.  The layout and design, by architect Luigi Cupellini, is to be commended.  The use of two shades of gray on the walls is reminiscent of the stone used specifically in Renaissance architecture.  The continuous projecting step or bench running along the wall also recalls the majestic palace facades found throughout Florence.  Every display decision has been made with the utmost attention to detail.  Even the elevator has been adorned with images from the show and the restrooms have been decorated with a photograph, along with Leon Battista Alberti’s description of Santa Maria del Fiore’s dome.

Perhaps even more important than the design are the interactive didactic components of The Springtime of the Renaissance, which include two spaces that are always available to the public.  One is a reading room, designed as a late Renaissance studiolo, which contains books relevant to the show and also small bronze statuettes that can be touched and held.  The second room, the Cast Court, invites visitors to explore plaster casts of sculptural masterworks.  Aside from these two areas, there are also interactive touch-tables at the end of the space.  Two of these document the important restorations that were carried out on Donatello’s Saint Louis of Toulouse and his Saint Jerome.  The other two tables present a selection of objects from the exhibition and encourage visitors to create an imaginary museum according to different categories, like Love, Courage, and Lightness.  Palazzo Strozzi’s regular family kits are also available, this time disguised as the Sculptor’s Satchel.  The bag contains explanatory cards and games that provide a tactile experience.  The only downside is that the Satchel must be reserved in advance and therefore some visitors might not be able to use it.  However, Drawing Kits are always available at the upper floor Info Point or can even downloaded from the Foundation’s webpage. The kit contains paper, a pencil and eraser, along with a set of cards that include sketching tips.

Museums are notorious for not allowing visitors to touch the items on display, but Palazzo Strozzi has found a number of successful solutions to give guests the tactile involvement that is traditionally lacking and often desired.  The visitor is able to have a more immersive sensory experience.  The Springtime of the Renaissance effortlessly blends sculptural masterpieces with humanist ideals and the beautiful Renaissance architecture that makes Florence such a special city.

 

“La Primavera del Rinascimento”. Niente lasciato in ombra.

di Carolyn Badalucco (Lorenzo de’ Medici)

Una breve camminata di soli due minuti da piazza della Repubblica ci porta alla Fondazione Palazzo Strozzi, che ospita due spazi dedicati alle esposizioni temporanee. Attualmente in corso al piano nobile del palazzo si trova La Primavera del Rinascimento. La Scultura a Firenze 1400-1460, organizzata in collaborazione con il Museo del Louvre, dove la mostra si sposterà dal 26 settembre. Questa evidenzia l’esordio del Rinascimento a Firenze attraverso un’esposizione in cui è la scultura a predominare. Durante quel periodo i temi della classicità venivano adattati affinché riflettessero l’ambiente spirituale e intellettuale di Firenze e la creatività che esso stimolava. Sia l’allestimento che la didattica fanno spiccare questa esposizione molto di più rispetto ai tipici, seriosi, musei fiorentini.

Ogni sezione dell’ampio ambiente di nove stanze si presenta al visitatore con un tema sempre nuovo, che viene spiegato da grandi pannelli dotati di testi in due lingue (mentre sono disponibili brochure anche in francese, russo e cinese). Questi pannelli informativi e, occasionalmente, più astratti, sono affiancati da qualche didascalia più piccola che riporta citazioni e illustrazioni legate al tema generale del tatto. In alcune aree sono presenti piccoli esemplari di differenti materiali (bronzo, marmo, terracotta, eccetera) che possono essere sfiorati dal visitatore: ciò enfatizza il senso tattile che pervade tutta la mostra.

L’illuminazione quasi scenica, che ricorda quella teatrale, fornisce un’atmosfera appropriata per le opere d’arte. Niente è lasciato in ombra. Ciascun pezzo è evidenziato in modo da attirare l’attenzione sui dettagli e sullo splendore delle singole opere ed anche sul genio creativo degli artisti rinascimentali selezionati. L’allestimento, dell’architetto Luigi Cupellini, è lodevole. L’uso di due toni di grigio sulle pareti ricorda la pietra usata specificamente nelle architetture del Rinascimento, e la panca di via, quel gradino che corre continuo lungo la parte inferiore delle pareti, fa ancora pensare all’esterno dei maestosi edifici che si trovano in tutta la città. Ogni decisione sull’allestimento è stata  presa con la massima attenzione per i dettagli, persino l’ascensore è stato ornato con immagini della mostra, mentre nei servizi igienici si può trovare una fotografia della cupola di Santa Maria del Fiore con la sua descrizione fatta da Leon Battista Alberti.

Forse ancora più importanti del design sono le componenti didattiche interattive de La Primavera del Rinascimento, che includono due ambienti sempre accessibili al pubblico. Il primo è la sala di lettura, arredata come se fosse uno studiolo del tardo rinascimento, che contiene libri sulla mostra ma pure piccole statuette di bronzo che possono essere toccate ed afferrate, mentre l’altra stanza, la Sala Gessi, invita i visitatori ad avvicinarsi alle riproduzioni in gesso di capolavori scultorei. A parte queste aree, ci sono anche tavoli dotati di dispositivi touch interattivi alla fine del percorso: un paio di essi documentano gli importanti restauri che sono stati portati avanti su due sculture di Donatello, cioè San Luigi di Tolosa e San Gerolamo. Gli altri invece presentano una selezione di oggetti dell’esposizione e invitano i visitatori a creare un museo immaginario basato su diverse categorie, come l’Amore, il Coraggio, la Luminosità. Gli usuali kit per famiglie di Palazzo Strozzi sono ancora disponibili, stavolta camuffati da Sacca dello Scultore: la borsa contiene cartoncini esplicativi e giochi che permettono loro di fare un’esperienza tattile. L’unica pecca è che deve essere prenotata in anticipo e per questo motivo alcuni visitatori rischiano di non poterne usufruire. Comunque i Kit Disegno si possono sempre ritirare al Punto Informazioni al primo piano, oppure sono scaricabili dalla pagina web della Fondazione. Comprendono carta, una matita e una gomma, insieme a una serie di carte che includono suggerimenti per gli schizzi.

I musei sono noti per il proibire ai visitatori di toccare gli oggetti in mostra, ma Palazzo Strozzi ha trovato molte soluzioni efficaci per dare al pubblico il coinvolgimento tattile che è tradizionalmente assente e spesso desiderato. Il visitatore è in grado di avere un’esperienza sensoriale immersiva. La Primavera del Rinascimento semplicemente fonde i capolavori scultorei con gli ideali umanistici e la splendida architettura rinascimentale che rende Firenze una città così speciale.