By Silvia Zanella (University of Florence)

The exhibition “From the Fleur de Lys to the David: Civic Art in Florence from the Middle Ages to the Renaissance” will be held at the Accademia Gallery from May 14^th to December 8^th. It is an interesting show that analyzes the history of the Tuscan capital from the mid-14^th century to the late 15^th century through various works which visually accompany the written materials. The display choices, from wall colors and lighting to the succession of themes, are the strong point which aids the viewer in understanding the message.

In a simple and thematic way, the main time periods are presented from Florence’s historical-political point of view with small sections of more in-depth study. Next to brief explanative texts, one finds panel paintings, sculptures, and codices which act as visual examples of what one reads. The objects presented are diverse and juxtaposed. Through the aforementioned choices, the curators succeed in making the illuminated manuscripts interesting. They are not simply displayed, as often happens, but are linked to a larger discourse, becoming fundamental to its comprehension. The sections concern the patron saints of Florence – present in effigy in the political circles on the walls, in arches above the doors, and in paintings – as well as in the political space referencing the Commune, the Populace, the Guelphs and the Ghibbelines, images of Justice, the Republic of the Priori (that is, government led by the Arti, or guilds), Virtue, and heroes like David and Dante. Finally, on the upper floor, are the old market and the Arti with their patrons. Even just from this list, one can understand the decision to address the chronological and interpretive discourses in a parallel way. This proves to be a good choice that continuously stimulates curiosity.

One’s attention is never lost thanks to several factors: firstly, the colors. A cardinal red is the common thread of the exhibit that, along with the contrasting blue-grey of the carpet, frames the works which stand out on their light backgrounds. Another well thought-out aspect is the lighting: the cases have LEDs that uniformly and softly diffuse the light on the displayed object. Worth pointing out is the curators’ attention to the heights and angles of the works. When it comes to lighting in general, the track lights provide an optimal view. The linearity of the exposition space has been altered with cases or angled walls that create movement as well as thematic areas.

One may find interesting the choice to begin the visit with two lions from the Loggia dei Priori (now the Loggia dei Lanzi) placed as gate guardians. Equally impressive is the exit into the “central nave” of the main room of the Accademia Gallery next to a captive by Michelangelo after having read about the myth of David. From here, the sight of this very figure by the same artist can be appreciated in all its glory and visually completes the theoretical content conveyed. Beside this, recognizable by the same red background, plaster copies of the two Davids by Donatello are presented. This way, a comparison may easily be made between the three sculptures. The only flaw is that, halfway through the visit, one is forced to turn left or right and there are not enough signs to guide the visitor.

The exhibit ends on the second floor with a new section on the Guilds and their patron saints and a research and educational room in which it is possible to deepen one’s understanding with touch screens. Through links, videos, and books, one may complete the conceptual framework provided by the texts and works of the show. This method, widespread for much time in Anglo-Saxon countries, is much appreciated also in Italy, as seen by the public participation.

“From the Fleur de Lys to the David” is a well-balanced exhibit of the topics provided and their visual supplements, through various works whose message is communicated well to the visitor without becoming boring.

 

 

“Dal Giglio al David” alla Galleria dell’Accademia

di Silvia Zanella (Università di Firenze)

Dal quattordici maggio all’otto dicembre alla Galleria dell’Accademia si tiene la mostra “Dal Giglio al David, Arte civica a Firenze fra Medioevo e Rinascimento”. È un interessante percorso che analizza la storia del capoluogo toscano da metà Trecento fino al Quattrocento inoltrato tramite opere di varia natura che corredano visivamente i contenuti scritti. Le scelte espositive, dai colori delle pareti all’illuminazione, alla successione delle tematiche, sono un punto di forza che facilita lo spettatore nella comprensione del messaggio.

In modo semplice e tematico vengono presentati i passaggi cronologici principali dal punto di vista storico-politico di Firenze con piccole sezioni di approfondimento. Accanto a pannelli esplicativi non troppo lunghi sono esposti sia tavole dipinte che sculture che codici, i quali risultano come esemplificazione visiva di quanto si è letto. Gli oggetti presentati sono di varia natura e vengono messi a confronto. Tramite le scelte appena descritte i curatori riescono a rendere piacevoli ed interessanti anche i codici miniati che non  vengono semplicemente mostrati, come spesso accade, ma vengono collegati a un discorso tanto da diventarne fondamentali per la comprensione.

Le sezioni riguardano i Santi patroni di Firenze presenti in effige nelle cerchie delle mura, nelle arcate delle porte ed in pittura; lo spazio politico con particolare riferimento al Comune; il Popolo; i Guelfi e i Ghibellini; le immagini della Giustizia; la Repubblica dei Priori, cioè il governo guidato dalle Arti; le Virtù e gli eroi tra cui Dante e David; infine al piano superiore il Mercato Vecchio e le Arti con i loro patroni. Già da questo elenco si comprende la decisione di portare avanti in parallelo un discorso cronologico e uno di approfondimento. Esso risulta una scelta vincente che stimola sempre la curiosità.

L’attenzione non scema mai grazie a molteplici fattori: in primis i colori. Un rosso cardinalizio è il filo conduttore della mostra che, assieme al contrastante blu grigio della moquette, fa da cornice per le opere che risaltano su fondi chiari. I vari temi sono annunciati da scritte rosse poste in verticale su un fondo con le immagini del giglio.

Altro aspetto ben studiato è l’illuminazione: le teche presentano dei leds che diffondono uniformemente e in modo soffuso la luce sull’oggetto ivi esposto. Da sottolineare l’attenzione dei curatori per le altezze e le inclinazioni delle opere. Per quanto riguarda l’illuminazione generale, i faretti direzionabili su guide scorrevoli consentono una visione ottimale.

La linearità dello spazio espositivo è stata corretta con teche o pareti angolari che lo movimentano e creano delle aree tematiche.

Interessante è la scelta di iniziare la visita con due leoni provenienti dalla Loggia dei Priori (attuale Loggia dei Lanzi) posti come guardiani della soglia. Altrettanto suggestiva è l’uscita nella “navata centrale” della sala grande della Galleria dell’Accademia accanto a uno Schiavo morente di Michelangelo dopo aver letto il mito del David. Da questa posizione la vista dell’omonima opera dell’artista appena citato si apprezza in tutta la sua magnificenza e corona visivamente il contenuto teorico veicolato. Accanto ad esso, riconoscibili dal solito fondo rosso, i due David di Donatello presentati in copie in gesso. Così si stabilisce facilmente un confronto tra le tre sculture. Unico neo, a metà percorso si è costretti a girare o a destra o a sinistra e non ci sono sufficienti indicazioni  che guidino lo spettatore.

Il percorso termina al primo piano con una sezione sulle Arti e i loro Santi patroni e una sala di documentazione e didattica in cui approfondire quanto visto su schermi touch screen. Mediante links, video e libri si può completare il quadro nozionistico fornito dalle didascalie e dalle opere in mostra. Questo metodo, diffuso da molto tempo nei paesi anglosassoni, risulta molto apprezzato anche in Italia vista la partecipazione del pubblico.

“Dal Giglio al David” è una mostra ben bilanciata dal punto di vista dei contenuti forniti e del loro corredo visivo, tramite opere di natura eterogenea, per cui riesce a comunicare bene il suo messaggio senza annoiare lo spettatore.

By Tara Prout (Lorenzo de’ Medici)

As Florence’s only current exhibition space devoted solely to the display and exploration of contemporary art and culture, the Centre for Contemporary Culture Strozzina (CCCS) does so through thematic shows and collateral events marked by a strong curatorial vision. This spring/summer, the CCCS presents An Idea of Beauty, a group show of eight international artists curated by the center’s director Franziska Nori, which successfully challenges its visitors to reflect upon and (re)define their own idea of beauty through its curatorial choices, overall design and layout, and written exhibition materials.

Immediately upon descending the staircase from the Palazzo Strozzi courtyard into the CCCS, one is confronted with the goals and tone of the space by means of the text displayed behind the admission counter. This statement, published in both Italian and English – as are all of the labels and panels found throughout the show – provides the public with a clear understanding of the curatorial concept and the questions she would like to raise throughout their journey of the different galleries. This wall text effectively communicates that viewers will be invited to think critically, reflect and actively engage during this experience, making them an active participant and not just a passive guest or casual observer. This dimension of audience involvement, on which the Fondazione Palazzo Strozzi has prided itself since its establishment in 2006, is evident in the CCCS’s show and allows the foundation to remain true to its mission.

With a focus on such a large and subjective topic as beauty, this show relies heavily on written texts throughout to provide visitors with explanatory information about each of the participating artists, the vision of the specific piece on display, and how it relates to the overall curatorial thesis of the display. These texts are found on mounted panels within each gallery and while one can appreciate the decision to keep the panels small so as not to distract viewers from the works on display in each room, the size and placement can cause bottlenecks and obstruct the flow of traffic if the galleries become crowded. Since the written materials are so important in guiding and informing those in the spaces, it may be wise to consider printing small informational pamphlets that can be carried throughout by the individual, or printing the information large on one wall in each gallery to prevent these types of issues. Of course, there is always a trade-off when making decisions such as panel placement and size, and in this institution it is clear that maintaining the impact of the actual artwork has been given precedence over the explanatory texts.

In addition to the information panels, each gallery includes a quote from different professionals in Florence, about their “idea of beauty.” Smaller than the explanatory panels and not clearly presented in the beginning of the exhibition, these quotations are not necessary elements in understanding the overall concept; however they provide an additional intellectual layer for those who would like to be pushed as they continue along the path. The inclusion of these brief texts from a Psychologist, Abbey Prior, Geneticist, Composer, Book Seller, Magistrate/Judge, Computer Programmer and Astrophysicist takes some of the authoritative power away from the curator, further opening the dialogue presented in the galleries. This element is crucial in designing shows with the aim of engaging viewers; varying the tone and perspective allows people from different backgrounds to access and relate to it. It also emphasizes the depth and breadth of the topic and underscores that the exhibit aims to merely present an idea of beauty, and not a universal concrete definition.

Finally, this concept of an “idea of beauty” can also be perceived visually through the display of various artistic mediums including painting, installation, photography, video and sculpture. While some forms of expression are more straightforward and traditional in their execution, others are more experimental and again invite the viewer to redefine beauty, on a visual as well as intellectual level. In this particular show, the curator has chosen to display these various mediums in a way that becomes increasingly challenging as the visitor continues along the path; just as one feels their conceptions are concrete, a new means of expression lies around the corner, throwing these ideas away, demanding that new ones take their place. Through the design and placement of artworks, one begins to understand how the exhibition itself can also become a vehicle in developing and working out different contemporary concepts, as experienced here with beauty.

As with all of the expositions at the Fondazione Palazzo Strozzi and the CCCS, An Idea of Beauty includes collateral events such as lectures, talks, and movie screenings that run throughout its duration to further engage the public on this topic. The CCCS continues to push its audience to reflect upon contemporary art and culture and this current show does not fail to deliver on its overall goal. Through savvy curatorial decisions, effective communication elements and various forms of public involvement, visitors leave feeling stimulated, engaged and inspired.

 

Un’idea di bellezza

di Tara Prout (Lorenzo de’ Medici)

Unico spazio espositivo che oggi, a Firenze, è dedicato totalmente all’esplorazione dell’arte contemporanea, il Centro di Cultura Contemporanea Strozzina (CCCS) propone mostre tematiche ed eventi collaterali contrassegnati da precise idee da parte dei curatori. Durante questa primavera/estate il CCCS presenta Un’idea di bellezza, un’esposizione di otto artisti internazionali curata dal direttore del centro Franziska Nori che invita, con successo, i suoi visitatori a (ri)definire e riflettere sulla loro propria idea di bellezza attraverso le sue scelte curatoriali, allestimento e layout generali e materiali scritti.

Subito dopo la discesa nel CCCS dalla scalinata dal cortile di Palazzo Strozzi si è subito messi a confronto con gli obiettivi e col tono della mostra grazie ad un pannello esplicativo posto dietro il bancone. Questo testo, pubblicato sia in italiano che in inglese – come lo sono tutti i cartellini ed i pannelli che si incontrano lungo il percorso – prepara i visitatori, con un apprendimento chiaro del pensiero della curatrice e delle domande che vorrebbe sollevare durante il loro tragitto per le diverse gallerie. Tale spiegazione comunica efficacemente che chi osserva sarà invitato a pensare criticamente, riflettere e partecipare attivamente all’esperienza, facendolo sentire coinvolto e non soltanto un ospite passivo oppure un semplice passante. Questo aspetto di partecipazione del pubblico, di cui la Fondazione Palazzo Strozzi si vanta sin dalla sua nascita nel 2006, è evidente nell’evento organizzato dal CCCS e consente alla fondazione di rimanere fedele alla sua missione.

Concentrandosi su un tema così ampio e soggettivo come la bellezza, questa mostra si basa molto sui testi scritti che vengono proposti ai visitatori e che contengono informazioni riguardo ad ognuno degli artisti partecipanti, l’interpretazione dello specifico pezzo e come esso si collega al generale argomento affrontato dalla curatrice nel corso dell’esposizione. I testi si trovano su pannelli montati in ciascuna galleria e mentre si può apprezzare la decisione di lasciarli piccoli, così da non distrarre gli osservatori dai lavori in mostra in ogni stanza, la dimensione e la loro posizione può provocare ingorghi ed ostruire il flusso di traffico se le gallerie diventano affollate. Siccome i materiali scritti sono così importanti nel guidare e nell’informare il pubblico potrebbe essere saggio prendere in considerazione dei piccoli depliants informativi da poter essere portati con sé durante la visita, oppure stampare le informazioni in caratteri grandi su una parete in ciascuna galleria per prevenire questo genere di situazioni. Certamente, prendere delle decisioni, come la disposizione dei pannelli e la loro dimensione, comporta sempre un compromesso, ed in questo caso è chiaro che mantenere l’impatto dell’opera stessa ha avuto la precedenza sui testi esplicativi.

In aggiunta ai pannelli informativi, ogni galleria include una citazione da differenti figure professionali di Firenze, riguardo la loro “idea di bellezza”. Più piccole rispetto ai pannelli esplicativi e non chiaramente presentate all’inizio della mostra, queste citazioni non sono elementi necessari alla comprensione del concetto generale; comunque essi aggiungono un livello intellettuale per coloro che vorrebbero essere sollecitati mentre continuano lungo il percorso. L’inclusione di queste brevi parole da parte di uno psicologo, un priore dell’abbazia, un genetista, un compositore, un libraio, un magistrato/giudice, un programmatore di computer ed un astrofisico, sottrae alla curatrice un po’ della sua autorità, aprendo di più al dialogo presentato nelle gallerie. Questo elemento è cruciale nel concepire le mostre con l’intento di coinvolgere gli osservatori; variare il tono e la prospettiva permette a persone dal background differente di accedere e relazionarsi all’esposizione. Ciò enfatizza anche la profondità e l’ampiezza dell’argomento e sottolinea che la mostra vuole solo presentare un’idea di bellezza, e non una definizione concreta universale.

Infine, questo concetto di una “idea di bellezza” può anche essere percepito visivamente attraverso l’esposizione di vari mezzi artistici che includono la pittura, l’installazione, la fotografia, il video e la scultura. Mentre alcune forme d’espressione sono più comprensibili e tradizionali nella loro esecuzione, altre sono più sperimentali e di nuovo invitano l’osservatore a ridefinire la bellezza, a livello sia visivo che intellettuale. In questo particolare evento, la curatrice ha scelto di mostrare questi vari mezzi in un modo che diventa sempre più stimolante come il visitatore procede lungo il percorso; non appena si percepisce che le loro idee diventano concrete, un nuovo mezzo di espressione si trova dietro l’angolo, spazzandole via ed esigendo che altre prendano il loro posto. Tramite il design e la disposizione delle opere d’arte si comincia a capire come la mostra stessa può divenire veicolo per lo sviluppo e l’apprendimento di diversi concetti contemporanei, come accade qui con la bellezza.

Come tutte le mostre alla Fondazione Palazzo Strozzi e al CCCS, Un’idea di bellezza include eventi collaterali come letture, conferenze e proiezioni di film che hanno luogo per tutta la sua durata per interessare maggiormente il pubblico a questo argomento. Il CCCS continua a spingere i suoi visitatori a riflettere sull’arte e sulla cultura contemporanea e l’esposizione in corso non manca di raggiungere il suo obiettivo. Attraverso sagge scelte curatoriali, elementi di comunicazione efficaci e varie forme di coinvolgimento del pubblico, i visitatori escono sentendosi stimolati, impegnati ed ispirati.

By Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

The recently opened exhibit on the life of Herbert Percy Horne will be running at the Horne Museum until December of this year. It focuses on the lesser known aspects of the life of the Englishman, known mostly as a collector of Renaissance art. Bringing out interesting archival pieces from the collection, some of which have not been exposed before, the show utilizes the writings and other works by Horne to illustrate his passion for preserving his adopted city. Though quite small, the display uses a nice combination of impressive technology and traditional methods to convey its theme to the visitor.

In fact, the exhibition consists of only an entrance hallway and one room of works. This corridor serves as an introduction to the theme of the show and briefly describes who Horne was. One also finds his painted portrait in this area, a work that is usually located upstairs in the permanent collection of the home. Though this first space does not incorporate any multimedia aspects and is more of a usual approach to explaining a theme, the concise wording of the text panel – with Horne’s portrait beside it – achieves just that.

In the main room, one’s attention is immediately drawn to a large monitor on the far wall surrounded by an ornate golden frame, making the images on the screen seem like moving paintings. This video functions as the primary method for engaging visitors in the subject of the exhibition – Horne and fellow foreigners living in Florence at the end of the 19th century, and their passion for preserving the historic city center. In the 15-minute video, Mr. Horne himself tells the visitor about his involvement not only in preserving and collecting Renaissance art, but in producing poetry, drawings, and paintings of his own. This moving and speaking “painting” of Horne also includes images projected onto the wall around it with which he interacts. For example, after reading the visitor a letter that he wrote to a colleague, he reaches out of the frame to place it on the wall, where it is enlarged for the observer to see better. This captivating technology is supplemented by the fact that the archival documents – such as letters, water color paintings, and drawings – that the video highlights are all found on display in the room.

While one is surely impressed by this interesting method of conveying the show’s theme, it does have certain disadvantages. The film plays in Italian and English successively, but its somewhat long run-time means that one must wait up to fifteen minutes for the previous video to finish before being able to see it in the desired language. The museum seems to have attempted to remedy this by providing each visitor with a free bilingual exhibition booklet (designed to look like the journals or periodicals Horne was involved with) with much of the same information one hears in the video. This would seem to be the perfect combination of technological and traditional paper methods of allowing the observer to understand the show. Unfortunately, however, the volume of the video plays so loudly that even those who do not understand the language will be distracted by it, as it booms through the entire exhibit space. In addition to this, one who prefers to read the labels and the booklet, rather than watch the video, will have trouble reading in the darkened space – an unavoidable necessity with all the precious paper and archival documents on display.

After visiting this intriguing, yet small, one-room exhibition, the ticket allows one entrance into the rest of the museum’s permanent collection, on view throughout the two upper floors of the home. There, it is possible to see many of the furniture pieces or paintings referenced in the temporary exhibition.

Overall, the exhibition succeeds in its attempt to introduce the public to a different side of Herbert Percy Horne. Through the use of impressive technology, along with the more common method of paper booklets and text panels, the show is able to better explain the collector’s involvement not only in producing art, but also in preserving and safeguarding it.

 

Horne & Friends. Firenze un sogno da salvare

di Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

La mostra recentemente inaugurata sulla vita di Herbert Percy Horne resterà aperta al Museo Horne fino a dicembre di quest’anno. Incentrandosi sugli aspetti meno noti della vita dell’inglese, conosciuto soprattutto come collezionista di arte del Rinascimento, la mostra porta alla luce interessanti pezzi d’archivio dalla raccolta, alcuni dei quali non sono mai stati esposti prima, il tutto utilizzando le scritture e gli altri lavori di Horne per illustrare il suo impegno nel preservare la sua città adottiva. Sebbene l’esposizione sia abbastanza piccola, l’allestimento usa una piacevole combinazione di tecnologia e metodi tradizionali per comunicare il suo tema al visitatore.

Infatti la mostra consiste di un solo corridoio di ingresso e di una stanza di opere. L’ambiente iniziale serve da introduzione al tema dell’evento espositivo e descrive brevemente chi era Horne, ma questa area contiene anche il suo ritratto, un dipinto che normalmente è collocato al piano superiore insieme alla collezione permanente della casa-museo. Anche se questo primo spazio non include supporti multimediali e rivela un approccio piuttosto usuale per la presentazione del tema,  i contenuti concisi del pannello esplicativo – col ritratto di Horne proprio accanto – riescono nel loro scopo.

Nella sala principale l’attenzione è immediatamente catturata da un grande monitor che, sulla parete opposta, è circondato da una cornice ornata e dorata, rendendo le immagini che scorrono sullo schermo tali da sembrare dipinti in movimento. Questo video funziona da metodo primario per accompagnare il visitatore nel vivo dell’argomento della mostra: Horne e gli altri stranieri presenti a Firenze alla fine del XIX secolo e la loro determinazione nel salvaguardare il centro storico della città. Attraverso il video, di 15 minuti, Horne in persona racconta al visitatore del suo ruolo non solo nel preservare e collezionare l’arte del Rinascimento, ma anche nella produzione di poesia, disegni e quadri. Questo “dipinto” di Horne, parlante e in movimento, include anche immagini proiettate sulla parete tutt’intorno, con cui egli interagisce. Per esempio, dopo aver letto al visitatore una lettera scritta da lui ad un collega, allunga il braccio fuori dalla cornice per porla sulla parete, dove essa viene ingrandita affinché lo spettatore possa osservarla meglio. Questa tecnologia così accattivante è supportata dal fatto che i documenti d’archivio – come lettere, dipinti ad acquerello e disegni – che il video ricorda e menziona sono tutti presenti e in esposizione nella stanza.

Mentre si resta sicuramente impressionati da questo interessante metodo di comunicazione del tema della mostra, esso presenta comunque alcuni svantaggi. Il filmato viene proposto continuamente prima in italiano e poi in inglese, ma la sua lunga durata significa dover aspettare quindici minuti perché il video precedente finisca e si possa vederlo nella lingua desiderata. Il museo sembra aver tentato di rimediare a questo problema con l’aver fornito ad ogni visitatore un booklet bilingue gratuito (dall’aspetto dei giornali o delle riviste con cui Horne collaborava) con molte delle informazioni che si possono ascoltare nel video. Questa sembra essere la perfetta combinazione di metodi tecnologici e tradizionali per permettere all’osservatore di comprendere la mostra. Sfortunatamente, però, il volume del video è così alto che anche coloro che non capiscono la lingua ne saranno distratti, poiché esso rimbomba per tutto l’intero spazio espositivo. In aggiunta a ciò, chi preferisce leggere i cartellini e il booklet piuttosto che guardare il filmato, avrà problemi di lettura in uno spazio così scuro – una necessità inevitabile visti tutti i preziosi fogli e documenti archivistici in mostra.

Dopo la visita di questa intrigante, anche se piccola, esposizione di una stanza, il biglietto permette di accedere al resto della collezione permanente del museo, visibile nei due piani superiori della casa-museo. Qui è possibile vedere molti dei mobili o dipinti ricordati nell’esposizione temporanea.

Tutto sommato, la mostra riesce nel suo intento di introdurre il pubblico verso un aspetto differente di Herbert Percy Horne: attraverso l’uso di una tecnologia coinvolgente e il più comune utilizzo di booklet di carta e pannelli esplicativi l’esposizione diventa capace di illustrare meglio la partecipazione del collezionista non solo nel produrre arte, ma anche nel preservarla e salvaguardarla.

By Chiara Lupo (University of Florence)

From April 20 to October 6, it is possible to visit the show, The Strength of Modernity: Art in Italy 1920-1950, at the Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ragghianti in Lucca. The exhibition, curated by Maria Flore Giubilei and Valerio Terraroli, proves to be a real artistic journey that illustrates clearly and completely the Italian production of decorative arts, design, painting, and sculpture, from the Twenties to the mid-Fifties. The exhibit is part of  a recent group of events inaugurated in the last few years, which are concerned with art of the 20th century in Italy. However, what stands out in this show is the attention paid to design, which correlates nicely with the expressions of pictorial and sculptural art by the great artists of the time. This article discusses how its successful organization could intrigue and educate a visitor who has no knowledge of art history.

The exhibit, developed thematically and chronologically, opens by diving right into Art Deco, an artistic taste that is clearly described in the explanative panels that introduce a new theme for each room. In fact, the visit starts with design objects by Giò Ponti, Francesco Nanni, Anselmo Bucci, and Guido Andovitz: a vast assembly of works of painting, sculpture, decoration, and design, some examples of which are a tapestry embroidered by Vittorio Zecchin from 1920 and some flower boxes from the same period. From the first room, one passes into the second. This one, completely dedicated to dreams, love, and exoticism, is clearly conveyed through the display of vases, bowls, and a sculpture of the Indian goddess, Kalì, in cases with enormous white bases. Continuing on, our attention is captured by the famous sculpture by Arturo Martini, La Pisana, placed in the middle of the room. Here, the theme is women, as interpreted by sculptors Arturo Martini, Libero Andreotti, and Marino Marini and by painters Felice Casorati and Felice Carena. Further on, attention is focused on the subjects of evasion, games, irony, and speed, arriving at the end of the Twenties with the themes of bourgeois décor and antique inspiration. The Bourgeoisie are represented by their taste for porcelain, by a painting of a woman at a window by Antonio Donghi and by a centerpiece of the Italian Embassies by Giò Ponti, who, at the time, worked for the Richard-Ginori factory.

From here, one’s gaze moves to nature: an explosion of materials, also fitting perfectly with the next room’s title, the Wunderkammer. A world of wonders that explodes in the colors of the glass, silver, and stones that make up the new objects of design. Rooms 7 and 8 are respectively dedicated to living nature and animals, and to immobile nature and still lives; also here, the connections and associations with the grand masters of painting and sculpture make it all the more suggestive.

Further on, attention is given to Archaic Classicism and to pure volumes, arriving at the abandonment of the figure, which concludes the exhibit, with a look at artists such as Carlo Fontana and Emilio Vedova who, thanks to the use of materials, anticipated a taste destined to be the focus of the following years.

On a positive note, worthy of mention, are the explanative panels, which are generally too long and so boring that they push the visitor, after the umpteenth yawn, to quit reading halfway; on the contrary, here, though not translated into English, they intrigue and accompany the path of the visit through a more knowledgeable discourse of the exposed works.

It is quite an interesting exhibit, with a linear progression, which succeeds perfectly in its intentions. In fact, after having visited it, this slice of Italian art history from these thirty years of change and interesting personalities—of which we often know only the paintings—is much clearer.

The Fondazione Ragghianti, part of the complex of San Micheletto, is on Via San Micheletto 3, in Lucca.

Exhibit hours:

April, May, June, September, and October, the complex is open Tuesday to Sunday, from 10 am to 1 pm and 4 pm to 7 pm. July and August, from Tuesday to Sunday, from 4 pm to 8 pm. Closed Mondays.

Entrance is free for University students.

 

“La forza della modernità, arti in Italia 1920-1950”. Fondazione Ragghianti, Lucca.

di Chiara Lupo (Università di Firenze)

Dal 20 aprile al 6 ottobre è possibile visitare, presso la Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ragghianti di Lucca, la mostra La forza della modernità, arti in Italia 1920-1950. L’esposizione, curata da Maria Flora Giubilei e Valerio Terraroli, risulta essere un vero e proprio itinerario artistico che illustra, in maniera chiara e completa, la produzione italiana di arti decorative, design, pittura e scultura partendo dagli anni Venti fino ad arrivare alla metà degli anni Cinquanta. La mostra si inserisce all’interno del grande circuito di eventi inaugurati negli ultimi anni, il cui interesse si è concentrato sull’arte del Novecento italiano. Ma ciò che colpisce in questa esposizione è l’attenzione rivolta verso il design, ponendolo in stretta correlazione con espressioni d’arte pittorica e scultorea dei grandi artisti del tempo. Il presente articolo intende far notare come un ordinamento ben fatto possa incuriosire e formare un visitatore asciutto di conoscenze storico-artistiche.

L’esposizione, sviluppata secondo un ordine tematico e cronologico, si apre con un tuffo nell’arte Decò, gusto artistico che è chiaramente descritto nei pannelli esplicativi che per ogni sala introducono a una tematica diversa. Il percorso infatti prende avvio da oggetti di design di Giò Ponti, Francesco Nanni, Anselmo Bucci e Guido Andovitz attraverso un’ampia carrellata di opere di pittura, scultura, decorazione e design di cui alcuni esempi sono un arazzo ricamato da Vittorio Zecchin del 1920 e delle fioriere dello stesso periodo. Dalla prima sala si passa alla seconda. Quest’ultima, interamente dedicata al sogno, all’eros e all’esotismo, è resa chiara attraverso  l’esposizione di vasi, ciotole e una scultura che rappresenta la Dea Kalì, messi in vista all’interno di vetrine dalle enormi basi bianche. Proseguendo, la nostra attenzione viene catturata dalla celebre scultura di  Arturo Martini La Pisana, posizionata al centro. Qui il tema è la donna, interpretata dagli scultori Arturo Martini, Libero Andreotti e Marino Marini e dai pittori Felice Casorati e Felice Carena. Più avanti l’attenzione si focalizza sui soggetti d’evasione, il gioco, l’ironia e la velocità per arrivare, alla fine degli anni Venti, al decoro borghese e all’ispirazione all’antico. La  borghesia è rappresentata attraverso il gusto rivolto alle porcellane, da un dipinto di donna alla finestra di Antonio Donghi e dal centrotavola delle Ambasciate d’Italia di Giò Ponti che per quell’occasione lavora per la Richard-Ginori.

Da qui lo sguardo si sposta verso la  natura, un’esplosione di materiali resa plausibile anche dal titolo della sala successiva, la Wunderkammer. Un mondo di meraviglie che esplode nel colore dei vetri, degli argenti e delle pietre con cui i nuovi oggetti di design vengono realizzati. Le sale 7 e 8 sono dedicate rispettivamente alla natura viva e agli animali e alla natura immobile e alle nature morte; anche qui i collegamenti e le associazioni con i grandi maestri di pittura e scultura rendono il tutto più suggestivo.

Più avanti l’attenzione è rivolta al classicismo arcaico e ai volumi puri fino ad arrivare all’abbandono della figura, che conclude la mostra, con uno sguardo ad artisti come Carlo Fontana ed Emilio Vedova che, anche grazie all’utilizzo dei materiali, preannunciano un gusto destinato a essere protagonista negli anni successivi.

Una nota positiva, inoltre, è bene sottolinearla nei confronti dei pannelli esplicativi, generalmente troppo prolissi e noiosi tanto da spingere il visitatore, dopo l’ennesimo sbadiglio, ad abbandonare la lettura a metà; al contrario qui, seppur non tradotti in inglese, incuriosiscono e accompagnano il percorso attraverso una lettura più consapevole delle opere esposte.

Una mostra molto interessante, dal percorso lineare, che riesce perfettamente nei suoi intenti.  Dopo averla visitata, infatti, lo spaccato di storia dell’arte italiana in quel trentennio di cambiamenti e personalità interessanti di cui spesso conosciamo solo le opere pittoriche, è molto più chiaro.

La Fondazione Ragghianti, appartenente al complesso di San Micheletto, si trova in Via San Micheletto 3, Lucca.

Orari mostra: in aprile, maggio, giugno, settembre e ottobre, il complesso è aperto dal martedì alla domenica dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 19. Luglio e agosto, dal martedì alla domenica dalle 16:00 alle 20:00. Giorno di chiusura: lunedì.

L’ingresso è gratuito per gli studenti universitari.