By Sarah Klein and Carolina Caverni

 

This exhibition entitled “Picasso and Spanish Modernity” presented by the Fondazione Palazzo Strozzi runs from 20 September 2014 until 25 January 2015.

Palazzo Strozzi is located just behind Piazza della Republica in Florence’s historic city center. The fifteenth century palace is a beautiful example of Florentine Renaissance architecture and is home to some of Florence’s most intriguing temporary exhibitions. The Fondazione Palazzo Strozzi reopened its doors in 2006 with a refreshed mission. The museum has strived to create an “international approach to making culture in Florence, to provide a platform for experimentation, to provide a place for debate and discussion, to create new synergies with other cultural players, [and] to be a catalyst for cultural change” as outlined in the Palazzo’s mission statement.

The new exhibition at Fondazione Palazzo Strozzi puts a fresh spin on Picasso. It looks at how Picasso’s art inspired a creative movement in Spain from which other Spanish artists adapted his ideas and made them their own. Picasso started the Spanish Modern Art Movement but under mounting cultural and political tensions from the fascist Franco regime in the 1930’s, Picasso left Spain never to return. But what happened to Spanish art in his absence? How did Spanish artists take what Picasso started and make it their own? How did Picasso’s own art change when he left his homeland?

The Picasso and Spanish Modernity exhibit attempts to answer all these questions. From room to room, this exhibit tells a story. Stating with the first room of the exhibit, elegantly designed displays and technologically savvy elements create an environment of sophistication and refinement. The whitewashed walls in the exhibit extenuate the vibrant paintings. The captions, written in both Italian and English, are bold, scholarly and easy to read. The didactic elements presented in the exhibition, such as the educational workspace featuring the different reactions of children during times of war, add yet another enlightening component to this exhibition.

Featuring works from Miró and Dalí, this exhibit has no shortage of Spanish masters on display. However, the most climatic part of the exhibit is the Guernica room. The walls in this room, located midway through the exhibit, have a dark charcoal hue distinguishing it from the crisp and bright white walls in the rest of the exhibit. This room contains not only the story of one of Picasso’s most famous pieces, Guernica, but also the evolution of the piece through his amazing sketches provided on loan from the Museo Renia Sofia in Madrid. As the viewer moves throughout the room, the sketches illustrate Picasso’s interest and early representations of the Minotaur. Each sketch show’s the artist’s raw talent while also depicting the evolution of his famous painting. Guernica, contracted by the Spanish Republican government in 1937, was made to represent the horrific bombing of Guernica in northern Spain.  This minimalist and sleek presentation of these remarkable sketches is absolutely stunning and truly moving.

The Picasso and Spanish Modernity exhibit raises interesting and thought provoking questions for scholars and museumgoers a like. It is a sophisticated exhibit featuring many well-known artists that the visitor is able to view through a new lens because of the innovative approach taken to one of the world’s most famous artists.

For more information on this exhibit, please visit the Fondazione Palazzo Strozzi’s website:

http://www.palazzostrozzi.org/SezionePicasso2014.jsp?idSezione=2947

 

Picasso e la Modernità Spagnola

La mostra, intitolata Picasso e la Modernità Spagnola, presentata dalla Fondazione Palazzo Strozzi si tiene dal 20 Settembre 2014 al 25 gennaio 2015.

Palazzo strozzi si trova proprio dietro Piazza della repubblica, nel centro storico di Firenze.

Il palazzo cinquecentesco è uno splendido esempio di architettura rinascimentale fiorentina ed è sede di alcune delle più interessanti mostre temporanee a Firenze.

La Fondazione Palazzo Strozzi ha riaperto le sue porte nel 2006 con una nuova missione, quella di creare “ un approccio internazionale per fare cultura a Firenze, di fornire una piattaforma per la sperimentazione, un luogo di dibattito e confronto, per creare una nuova sinergia con le altre istituzioni culturali e [di essere] un catalizzatore per le nuove forme culturali” come indicato nella “mission” contenuta nella dichiarazione del Palazzo.

La nuova esposizione presso la Fondazione Strozzi da una nuova fresca prospettiva su Picasso.

Mostra come l’arte di Picasso ispirò un movimento creativo in Spagna al quale gli altri artisti spagnoli adattarono le proprie idee e che fecero proprio.

Picasso diede inizio al Movimento Moderno dell’Arte Spagnola durante l’ascesa culturale e le tensioni politiche dovute al regime fascista di Franco, nel 1930 l’artista abbandonò la Spagna senza più farvi ritorno.

Ma cosa accadde all’arte spagnola durante la sua assenza?quanto gli artisti spagnoli presero di ciò  che Picasso aveva iniziato e quanta parte di questa eredità fecero propria? Quanto cambiò l’arte di Picasso una volta abbandonato il proprio paese?

La mostra Picasso e la Modernità Spagnola tenta di rispondere a tutte queste domande. Sala dopo sala questa mostra racconta una storia.

A partire dalla prima sala display dal design elegante e accorti elementi tecnologici creano un ambiente raffinato e ricercato. Le pareti bianche mitigano le pitture vibranti. I pannelli esplicativi, scritti sia in inglese che in italiano, sono chiari, scolastici e semplici da leggere. Gli apparati didattici, come in uno spazio di lavoro pedagogico, stimolano le diverse reazioni dei bambini su temi come la guerra, aggiungendo un ulteriore elemento illuminante alla mostra.

A questa esposizione, che presenta opere di Mirò e Dalì, non mancano le opere di maestri spagnoli.  Tuttavia, la parte più d’ambientazione della mostra è la sala con esposto il Guernica.

Le pareti di questa sala, situata a metà del percorso, sono dipinte con un tonalità carbone scuro che le distingue dal luminoso bianco delle pareti del resto della mostra. Questa stanza non contiene solo la storia della più importante opera di Picasso, Guernica, ma illustra anche l’evoluzione di quest’opera grazie a gli schizzi forniti in prestito dal Museo Renia Sofia di Madrid.

Mentre lo spettatore si muove nella stanza i bozzetti illustrano gli interessi di Picasso e le prime rappresentazioni del Minotauro. Ogni disegno mette in evidenza il vivace talento dell’artista e nello stesso tempo illustra l’evoluzione del suo famoso dipinto.

Guernica, comprato dal governo repubblicano spagnolo nel 1937, venne realizzato per rappresentare il terribile bombardamento subito dalla città di Guernica nel nord della Spagna.

Questa presentazione minimalista ed elegante degli straordinari schizzi è assolutamente incredibile e veramente commovente.

La mostra Picasso e la Modernità Spagnola solleva interessanti e stimolanti domande per studiosi e amanti dei musei. É una mostra sofisticata con molti artisti famosi che il visitatore è in grado di visualizzare attraverso una nuova lente grazie all’approccio innovativo adottato per uno degli artisti più famosi del mondo.

Per ulteriori informazioni su questa mostra, si prega di visitare il sito web della Fondazione Palazzo Strozzi:

 http://www.palazzostrozzi.org/SezionePicasso2014.jsp?idSezione=2947

By Mackenzie Constantinou and Carolina Caverni

 

The Museum of Natural History was founded in 1778 by the Grand Duke Leopold of Habsburg-Lorraine, and divided into six sections in 1878.  The six institutions are: Anthropology and Ethnology, Geology and Paleontology, Mineralogy and Lithology, Zoology, Botany, and the Botanical Gardens.  Paolo Mantegazza founded the Anthropology and Ethnography museum, which houses a large collection of material culture from Asia, Africa, and the Americas.  Throughout the museum, the curators have strived to preserve the historical displays of the 18^th century. Though, the use of historical displays is interesting, it is not clearly conveyed to the public and displays cultures in an outdated curatorial practice.

The museum was created with the intent of learning, for select academics to enhance their knowledge while being surrounded by differing cultures.  The collection is housed in Palazzo Nonfinto, whose ceilings are decorated with ornate Renaissance frescos; this creates a juxtaposition to the non-western cultures displayed within the rooms. The design makes the viewer think about the artifacts as well as how the display of these societies has changed in recent years.  Through the historical displays and organization of objects within the museum the institution actually is trying to include the public within their new spaces.  Within the museum artifacts are recurated and redisplayed within the space regularly, and the collections have expanded immensely in recent years.  The progress of the museum can be shown within the Native American room, which includes large labels for objects in both Italian and English.  This room is one of the only spaces that include clear labels for each object displayed, and explanations in English.  Also, the curators have included large explanatory posters within select rooms on either a certain object or a concept within the specific space, but yet again these are only in Italian.

The newly designed instillation, La Diversità é un Valore diverso…come te! greets the visitor upon entering the Asia room.  The piece includes numerous wax molds that were forcefully taken by anthropologists when they studied the other and several black and white photographs of primitives, which are placed on a blue background above a series of mirrors.  These images humanize the other, and place a face on the person and culture that was studied.  This exhibit is one of the few contemporary instillations within the museum, and the inclusion of mirrors brings the public into the work.  While the viewer analyzes the piece, they can see the faces of diversity staring out at them while their own face looks back at them.  The work incorporates present ideas of diversity and race, while containing the historical outlook on the other.

Overall it was an extremely interesting museum; it has artifacts from Thomas Cook in Hawaii, Inuit clothes, and a vast collection of African tools, art, and clothing.  The Italian or Western colonial influence on these areas is a noticeable theme throughout the collection. The museum intends to present itself as a cultural artifact, though by keeping 18^th century displays there is a disconnect between modernizing and preservation. Through clarity and transparency, the visitor could understand the museum’s intent to display objects as a historical view into past curatorial practices. Overall the strong collection, friendly staff, and historically significant exhibits and building make it an intriguing experience.

 

Museo di Storia Naturale

 

Il Museo di Storia naturale venne fondato da Leopoldo, Granduca di Asburgo e di Lorena, nel 1778 e diviso in sei sezioni nel 1878.

I sei settori in cui il museo si articola sono: Antropologia e Etnografia, Geologia e Paleontologia, Mineralogia e Litologia, Zoologia, Botanica e giardino Botanico.

Fu Paolo Mantegazza a fondare il museo Antropologico e Etnografico che conserva tutt’ora un’ampia collezione di manufatti provenienti da Asia, Africa e Americhe.

Attraverso questo museo i curatori hanno cercato di preservare le testimonianze storiche del XVIII secolo.

Anche se l’esposizione di queste testimonianze è interessante non è chiaramente illustrata al pubblico poiché è spiegata con un metodo curatoriale obsoleto.

Il museo fu creato con intenti pedagogici per un élite di accademici che, circondati dalle diverse culture, potevano incrementare la loro coscienza.

La collezione è conservata presso il Palazzo Nonfinito i cui soffitti sono affrescati con decorazioni rinascimentali; questo crea un paragone con le culture non-occidentali esposte nelle sale.

Il metodo espositivo porta il visitatore a riflettere su questi manufatti e su come e quanto le testimonianze di queste società siano cambiate nei tempi recenti.

La disposizione e l’organizzazione degli oggetti nel museo segue un criterio di tipo storico, attualmente l’istituzione sta pensando nuovi spazi dove includere il visitatore.

Gli artefatti conservati sono stati spostati e ridisposti nello spazio secondo un criterio di regolarità e la collezione è molto aumentata negli ultimi anni.

I progressi del museo si vedono nella sala dedicata ai nativi americani dove gli oggetti sono illustrati da cartellini con ampie informazioni sia in inglese che in italiano. Questa è una delle poche sale che ha spiegazioni chiare anche in inglese per ognuno degli oggetti esposti.

Inoltre i curatori in alcune sale hanno disposto ampi pannelli esplicativi che riportano ulteriori  informazioni su alcuni dei manufatti o su concetti specifici di quello spazio ma ancora solo in italiano.

La nuova istallazione intitolata La Diversità è un Valore diverso…come te! introduce lo spettatore nella sala dedicata all’Asia.

L’istallazione include, sopra una serie di specchi, numerosi stampi di cera che sono stati presi con forza dagli antropologi mentre studiavano altre culture e alcune fotografie in bianco e nero di uomini primitivi posizionate contro uno sfondo blu. Queste immagini umanizzano le altre esposte e danno un volto alle persone e alle culture studiate.

Questa è una delle poche istallazioni contemporanee del museo e gli specchi invitano lo spettatore ad analizzare i pezzi esposti guardando le diversità dei singoli volti e nello stesso tempo vedendo riflessa la propria immagine allo specchio.

Questa operazione, mantenendo la prospettiva storica su gli altri, simboleggia l’idea moderna di diversità e di razza.

In generale è un museo molto interessante che contiene manufatti di Thomas Cook provenienti dalle  Hawaii, abiti degli Inuit, e una vasta collezione di utensili, arte e abiti tradizionali africani.

Il tema dell’influenza coloniale italiana e occidentale è molto presente nella collezione.

Il museo, che vuole presentarsi come un artefatto culturale, pur mantenendo schemi espositivi del XVIII secolo, mostra una dicotomia tra moderno e spirito conservativo.

Attraverso la chiarezza e la trasparenza, il visitatore può comprendere l’obiettivo del museo di mostrare gli oggetti con uno sguardo storico sulle passate scelte curatoriali.

Infine l’importante collezione, il personale amichevole, l’esposizione storicamente significativa e il palazzo che ospita il museo rendono l’esperienza interessante.

 

By Mackenzie Constantinou and Carolina Caverni

 

18 June – 12 April 2014

The exhibition, curated by Stefania Ricci and Sergio Risalti, aims to develop the theme of balance, explored in all its forms, through the contributions of art, architecture, literature, and science.

The exhibit began with a practical problem; Salvatore Ferragamo wanted to design one type of shoe with respect to the anatomy of the foot.  Florentine footwear, a fashion icon, arrived as a solution of almost Renissance thought, by designing a product for the consumer. It is the history of humanity the protagonist of the first room in with they are exposed reproductions of two australopithecines, prehistoric humans, who first had the balance to walk on two feet.  The walls are covered with pictures from the nineteenth century, depicting photographic studies on the movement of Eadweard Muybridge and the moon landing of Apollo 11.

The walk of man continued with the chronological movement in the series of sculptures that went from the Etruscan and Roman periods finishing with contemporary.  There are creations by Auguste Rodin which act as a model for San Giovanni Battista.  Henri Marisse, Mario Cerlio, and Antony Gormley express the idea of walking in balance with contemporary times.

In the same room are also drawings by Raphael, Canova, and do not miss the video art movies with Bruce Nauman and Marina Abramović.  Art is also joined science, with anatomical traits of the sixteenth and seventeenth centuries.  Literature is included, with an edition of the Divine Comedy of 1481 with illustrated by Sandro Botticelli.  After this first room the visitor enter a dark environment, which exposes the viewer toEquilibrium, the work specially created for the exhibition by the artist Cecil Balmond. Following is a series of screens offering a “historical walk” or video of the great characters of the history of walking, from Gandhi to Mussolini. In the next room, entitled “acrobatics” there are exhibited sculptures by artists such as Roberto Barni, Marino Marini, Fausto Melotti, who seem to be in an unstable equilibrium.  The walls are covered with abstract designs of Kandinsky and Klee, and this introduces the theme of circus.  This theme is expanded with photos of Ugo Mulas Calder’s circus and the painting by Gino Severini the équilibriste.

This room opens into another, which shows a video of interviews with various personalities – the mountaineer Reinhold Messner, the tightrope walker Philippe Petit, the writer Will Self, the architect and artist Cecil Balmond, and the dancer Eleonora Abbagnato – who address the issue of balance from their point of view.

The last room is entitled, “equilibrium divine” which fits the overall theme of the dance.  The walls are covered with Pliny Nomellini’s study of dancers and Trisha Brown’s two large charcoal images.  Works of art by Marino Marini and Degas fill the center of the room.  Also, a display case with Mrio’s tapestry Ballerina Española, and a display case dedicated to several Etruscan objects are within this room.

The route finally ends with Salvatore Ferragamo and “the invention of balance” with a series of shoes on display.  The walls display how the designer has solved the problem of the balance in his creations.

 

Equilibrium, Museo Ferragamo

18 giugno – 12 aprile

La mostra, curata da Stefania Ricci e Sergio Risalti, ha l’obiettivo di sviluppare il tema dell’equilibrio, indagato in tutte le sue forme, attraverso il contributo di arte, architettura, letteratura e scienza.

L’esposizione ha inizio con il problema pratico, posto da Salvatore Ferragamo, di realizzare una calzatura che rispettasse l’anatomia del piede. Il calzolaio fiorentino, diventato poi icona della moda, tenta di arrivare alla soluzione ponendo, con un attitudine di pensiero quasi rinascimentale, l’uomo al centro della sua problematica.

É la storia dell’umanità la protagonista della prima sala in cui sono esposte le riproduzioni di due australopitechi, uomini preistorici che per primi hanno trovato l’equilibrio camminando su due piedi, sulle pareti sono appese le immagini degli studi fotografici ottocenteschi sul movimento di Eadweard Muybridge e quelle di un filmato con lo sbarco sulla Luna dell’Apollo 11.

Il cammino dell’uomo prosegue nella sala successiva con una serie di sculture che vanno dal periodo etrusco e romano fino alla contemporaneità, ci sono le creazioni di artisti come Auguste Rodin, del quale è esposto un modello per il San Giovanni Battista, Henri Matisse, Mario Ceroli, Antony Gormley, che esprimono l’idea del camminare in un equilibrio a volte precario.

Nello stesso ambiente troviamo anche disegni di Raffaello, Canova, e non manca la video art con  filmati di Bruce Nauman e di Marina Abramović, all’arte viene inoltre affiancata la scienza, con trattati anatomici del XVI e del XVII secolo, e la letteratura, con un’ edizione della Divina Commedia del 1481 con illustrata da Sandro Botticelli.

Dopo questa prima stanza si accede ad un ambiente scuro in cui è esposta Equilibrium, l’opera  appositamente realizzata per questa esposizione dall’artista Cecil Balmond, proseguendo si incontrano una serie di schermi che propongono “camminate storiche” ovvero video di grandi personaggi della storia che camminano, da Gandhi a Mussolini.

Nella sala successiva, intitolata “funambolismi”, sono esposte sculture realizzate da artisti come Roberto Barni, Marino Marini, Fausto Melotti, che sembrano essere in un equilibrio instabile, alle pareti si trovano i disegni astratti di Kandinskij e Klee e viene introdotto il tema del circo con le foto di Ugo Mulas del circo Calder e il dipinto di Gino Severini L’équilibriste.

Dietro questa sala si apre una stanza nella quale è proiettato il video con le interviste a varie personalità – l’alpinista Reinhold Messner, il funambolo Philippe Petit, lo scrittore Will Self, l’architetto e artista, Cecil Balmond e la ballerina Eleonora Abbagnato –  che affrontano il tema dell’equilibrio dal loro punto di vista.

Nella penultima sala intitolata “equilibri divini” si inserisce il tema della danza, alle pareti studi di ballerine di Plinio Nomellini, due grandi carboncini su carta dell’artista Trisha Brown, al centro dello spazio ritorna la scultura con opere di Marino Marini, di Degas, teche con arte etrusca e un arazzo di Mirò intitolato Ballerina española.

Il percorso termina infine con Salvatore Ferragamo e “l’invenzione dell’equilibrio” ovvero una serie di scarpe esposte alla parete che presentano le modalità con cui lo stilista ha risolto il problema dell’equilibrio nelle sue creazioni.

La comunicazione è molto efficace, ogni sala presenta il proprio pannello esplicativo, sia in italiano che in inglese, che illustra i temi trattati in quella sala, e almeno altri due che contestualizzano le singole opere esposte, ognuna delle quali ha il proprio cartellino.

Questa abbondanza di informazioni se da una parte rende la mostra accessibile e comprensibile a qualsiasi pubblico dall’altra risulta forse essere un po’ ripetitiva.

La mostra è infine una buona occasione per vedere molte opere di artisti importanti e di diversa natura esposte nella stessa sede.

By Mackenzie Constantinou and Carolina Caverni

 

Museo Marino Marini

25 September – 8 November 2014

Until 8 November 2014, you can visit the artists’, Ester Kläs and Silke Otto-Knapp, exhibit Girare con te and Cold Climate, curated by Alberto Salvatori.  The exhibits are housed in the crypt of the Marino Marini Museum, and are included in the year-long exhibit entitled Late on Morning.

Girare con te, displays the sculptures of Ester Kläs who was born in 1981 in Mainz, Germany and currently resides in New York.  The main inspiration for the artist was her trips to Carrara.  If the viewer descends the stairs to the lower floor of the museum there are six stone sculptures and four aluminum castings, characterized for their essential shape, which are presented to the audience.  This style is iconic for this artist Kläs, which contributes to the title of the exhibit.  The visitors are invited to walk around the works to appreciate the material qualities of the stone and the subtle nuances of color that the artist puts in her primordial and monolithic forms. This roundabout movement is echoed in copper base of the sculpture, through curves and circular forms that bring about the idea of motion.

Continuing the route alone, to visitor enters the small chapel within the crypt. Isolated on a white panel leaned against the wall is a hand in bronze, the only human form.  The hand holds a tile in an evocative gesture representative of artist’s experience in Rome.  In this work Ester Kläs models herself after Robert Smithson.

The last room has two red granite sculptures resting on the floor.  With a pattern cut into the stone, the circle motif reappears due to the act of quarrying the raw materials.

The different tones of Kläs’ grey stone, return to the works of Sikle Otto-Knapp whose paintings are on display in the central room of the crypt.

This artist, just over forty, has German origins and lives in the United States.  The exhibit Cold Climate originates from two inspirations: the first, a book Tender Buttons which the art critique Gertrude Stein gathers ideas and affirmations on art, and the second is theater and dance that are constantly referred to in the art of Knapp.

Grey and black hues characterize the paintings and are shown on iron bases, that make it almost a self-supporting sculpture.

The dialogue between the works of Kläs is much more explicit in the choice of colors and the pictorial rendering of the objects in space.  In this case, the public is invited to look about and wander around the canvases.  The paintings, in fact, are not only inspired by theatrical scenes, but they are placed front stage as if they were at the center.  This makes the spectator obligated to look at the painting.  In both exposures there are no labels, but there are explanatory panels.  The texts are presented on paper ballots, in both Italian and English, which also feature the mapping of the exhibits.

The content is quite clear with regard to the general sense of the show, but poor with regard to the information on the work of which is gives only the title, the date, and the materials used.

 

Girare con te di Ester Kläs e Cold Climate di Silke Otto – Knapp

Museo Marino Marini

25 settembre – 8 novembre

Fino all’ 8 Novembre è possibile visitare le due mostre Girare con te e Cold Climate delle artiste tedesche Ester Kläs e Silke Otto – Knapp entrambe curate da Alberto Salvatori.

Le due esposizioni, ospitate nella cripta del museo Marino Marini, rientrano nel programma di mostre lungo un anno intitolato Late On Morning dedicato dal museo alla scultura contemporanea.

In Girare con te sono esposte le sculture di Ester Kläs, nata nel 1981 a Mainz in Germania e residente a New York, che propone una serie di lavori ispirati al suo soggiorno a Carrara.

Appena scesa la scala che porta al piano inferiore del museo si presenta davanti allo spettatore il primo nucleo di opere, sei sculture in pietra e quattro fusioni in alluminio, che, caratterizzate da forme essenziali e quasi totemiche tipiche dell’arte della Kläs, rendono subito esplicito allo spettatore il titolo della mostra; il visitatore è infatti invitato a girare intorno all’opera per apprezzare le qualità materiche della pietra e le lievi sfumature di colore che l’artista mette nelle sue forme primordiali e monolitiche. Questo movimento rotatorio è ripetuto nelle fusioni in rame poste alla base delle sculture che, attraverso forme curve e circolari ripropongono l’idea del “muoversi intorno”.

Proseguendo nel percorso, privo, forse volutamente, di segnaletica, si accede al sacello nel quale è isolata su un pannello bianco addossato alla parete una mano in bronzo, unica forma umana, che trattiene una mattonella, gesto evocativo di una esperienza dell’artista a Roma sulle tracce di Robert Smithson.

Infine, nell’ultima stanza, due sculture in granito rosso appoggiate al pavimento in cui la forma del cerchio ritorna estratta dalla materia che viene tagliata e lavorata con operazioni tipiche della cava.

I toni dei grigi della pietra della Kläs ritornano nell’opera di Silke Otto – Knapp le cui tele sono esposte nella sala centrale della cripta.

Anche questa artista, poco più che quarantenne, ha origini tedesche e vive negli Stati Uniti, la mostra Cold Climate ha origine da una duplice ispirazione; da una parte il libro Tender Buttons in cui la critica d’arte Gertrude Stein raccoglie pensieri e aforismi sull’arte, dall’altra il teatro e la danza che sono costanti riferimenti per l’arte della Knapp.

Le tele sono caratterizzate da velature di colore sui toni dei grigi e del nero e sono esposte su strutture in ferro autoportanti che le rendono quasi delle sculture.

Il dialogo con le opere della Kläs si fa dunque più esplicito grazie alla scelte cromatiche e alla resa dell’opera pittorica di un oggetto nello spazio, anche in questo caso il pubblico è invitato a girare intorno alle tele ma anche su se stesso, le pitture infatti non solo sono ispirate a scene teatrali ma sono anche disposte come fossero quinte sceniche al centro delle quali è posto lo spettatore che è dunque costretto a ruotare per poterle guardare.

In entrambe le esposizioni non ci sono ne cartellini ne pannelli esplicativi, i testi sono riportati su schede cartacee, sia in italiano che in inglese, che presentano anche la mappatura delle opere esposte.

Il contenuto è abbastanza chiaro per quanto riguarda il senso generale della mostra ma povero per quanto riguarda le informazioni sulle singole opere di cui è riportato solamente il titolo, la data e i materiali utilizzati.