Textile Museum – Prato

Prato Textile Museum
A Contemporary Perspective of a Historical Industry
By Marissa Acey (Istituto Lorenzo de’ Medici)

Prato is renowned for its industry of textiles, supplying a high percentage to the top fashion industry. The Textile Museum is an institution that defies expectation. Illustrating a city that’s textile and fashion history began in the Middle Ages but still thrives today, the institution is not only an informative but engaging display of educational Italian history. Built on a restored space of a textile factory, the museum initially boasts the process and machinery used throughout the
twentieth century to make garments of all types. The design of the museum itself is a walk through the industry beginnings to today while also evolving throughout with appealing display techniques and technology as you make your way throughout the two floors.
The first room of the museum demonstrates this history by showing a huge machine that was traditionally used in the industry. Moving along the path, we encounter royal garments and famous portrait counterparts that match the material: a striking display with dramatic lighting and enlarged paintings but otherwise a flat presentation. The room itself is dim and the lighting
consists of bright spotlights or illumination inside glass cases to show the importance of each piece. The diagonal layering of cases in the second room illustrates the history of velvet and other such Renaissance royalty high-end fashions, along with paintings of aristocrats wearing those materials. While the display is attractive and informative, the enthusiasm comes out in the
following rooms.
Along the hallway leading up to the second floor of the museum, there are tangible displays that emphasize textiles in the best way that can be explained – through touch. A hallway filled with stations of material that can be embraced and experienced, with the help of the accompanying wall text, is a highlight of the museum experience so we all can really understand, for example, where silk came from and why it feels so great when we touch and wear it. Not only does this long hallway make use of an otherwise awkward space for display with clear boxes filled with material to explore, but the graphics and wall text are modern and engaging. Though there is quite a lot of text explaining the history of each material and how it is made into a garment, the appealing design layers the information in a way that doesn’t overwhelm the eye. This area is especially intriguing for younger audiences by placing the boxes at a level that even smaller children can interact with.
After this brilliantly tactile display, the visitor is invited upstairs where they can engage in a video presentation of the city’s industrial history. I strongly recommend this activity, which in its totality can take up to 30 minutes, though no one would be disappointed to sit and watch this story unfold. The room is constructed masterfully, bottlenecking to a point where the visitor can
go through the doorway into the next room or sit and take a break while watching the video display. In my opinion, it is difficult to walk past without examination because of the uniquely individual manner of display.
On all the screens (they are physically split up into 3 encompassing projections) there is a cohesive story that is told while highlighting a different physical object on the center display; whether it be a Chinese lantern, a pair of running shoes, or a wall clock. Though there seems to be no connection to these items a narrative is eventually formed: that of how the citizens and industries of Prato form the importance of the country. The screens are about ten feet high and
fivteen-twenty feet wide, splitting in a way that encompasses the viewer in front and peripherally. By projecting not only a history of the city but also designs and patterns that please the eye, the museum is standing as an educational entity and as an aesthetic one. I especially enjoyed one screen that had a hanging mannequin and dress as a blank canvas to project different patterns on it throughout the runtime. All in all, this place of industry prospers as a business trade as well as an artistic one. The integration of not only tactile and historical technique but also that of advanced technology reveals that this museum should be examined with an eye that is appreciative of the past and optimistic about the future. The overall design and layout is diverse and engaging to an amateur
museum visitor, and even an avid one. An institution that can not only examine and emphasize its past but also run headlong into the future is a museum (and city) that I am well behind. By taking a city’s history and adapting it for future outcomes, there is not only an acceptance and appreciation of tradition, but an evolution projected that will help to progress the city into the
next decade.

 

Museo del Tessuto – Prato

Il Museo del Tessuto di Prato
Una lettura contemporanea dell’industria storica
Di Marissa Acey (Istituto Lorenzo de’ Medici)

Prato è famosa per la sua industria tessile, che costituisce un’alta percentuale dell’industria dell’alta moda italiana. Il Museo del Tessuto è un’istituzione che supera ogni aspettativa: mostrando alla città come la storia del tessuto e della moda, iniziata nel Medioevo, è ancora oggi fiorente: l’istituzione non solo offre informazioni ma anche una coinvolgente esposizione della storia dell’educazione italiana. Costruito negli ambienti ristrutturati di una fabbrica tessile, il museo inizialmente mostra i processi e i macchinari utilizzati nel XX secolo per realizzare abiti di tutti i tipi. La struttura stessa del museo è pensata come un percorso attraverso la storia dell’industria dalla sua nascita fino ad oggi, presentando via via accattivanti tecniche di allestimento e tecnologie che si incontrano mentre si cammina attraversi i due i piani.
La prima stanza del museo illustra questa storia con l’esposizione di un grande macchinario tradizionalmente utilizzato nell’industria. Muovendosi lungo il percorso, incontriamo mantelli e ritratti famosi posti in posizione speculare ad essi così da creare una corrispondenza con il materiale esposto: uno straordinario allestimento con una scenografica illuminazione e grandi dipinti ma tuttavia una presentazione piatta. La stanza è buia e l’illuminazione avviene attraverso faretti o luci poste nelle teche di vetro che mettono in mostra l’importanza di ogni singolo pezzo esposto. La disposizione diagonale delle teche nella seconda stanza illustra la storia del velluto e di altri materiali di lusso di moda presso la nobiltà del Rinascimento insieme a dipinti di aristocratici che indossano questi tessuti. Sebbene l’allestimento sia avvincente e ricco di informazioni, l’entusiasmo aumenta nelle sale successive.
Lungo il corridoio che conduce al secondo piano del museo, sono presenti allestimenti tangibili che mettono in risalto i tessuti nel miglior modo possibile attraverso il tatto. Un corridoio riempito di materiali che possono essere toccati e provati, con l’ausilio di spiegazioni scritte sulle pareti, è il clou dell’esperienza museale in quanto tutti possiamo così davvero comprendere, per esempio, da dove proviene la seta e perché è così piacevole da toccare o indossare.
Questo lungo corridoio utilizza uno spazio, altrimenti angusto per l’esposizione, con teche trasparenti riempite di materiali da conoscere, per di più la grafica e i panelli esplicativi sulle pareti sono moderni e accattivanti.
Sebbene ci siano molti pannelli esplicativi che spiegano la storia di ogni materiale e il processo di lavorazione per trasformalo in un indumento, la calibrata struttura del testo propone le informazioni in modo da non stancare gli occhi.
Questa sezione è particolarmente interessante per il pubblico più giovane con i contenitori posizionati ad un’altezza tale che anche i bambini più piccoli possano interagirci.
Dopo questo affascinante allestimento tattile, il visitatore è invitato a salire al piano superiore dove può dedicarsi alla visione di un filmato di presentazione della storia industriale della città.
Consiglio vivamente questa attività, che in totale richiede al massimo 30 minuti, e ogni visitatore può avere il piacere di star seduto e guardare lo svolgersi della storia. La stanza è costruita con gran maestria, posizionata in un punto strategico dove il visitatore può scegliere di andare attraverso la porta nella sala successiva o sedersi e prendersi una pausa mentre guarda il filmato.
Per me è difficile passare oltre senza esaminarlo per la forma straordinariamente singolare dell’esposizione. In tutti gli schermi (sono fisicamente separati in tre proiezioni) c’è una storia coesiva che è narrata mentre si mette in luce un diverso oggetto al centro del display: che sia una lanterna cinese, un paio di scarpe da corsa, o un orologio da muro. Sebbene non sembri esserci una connessione fra questi oggetti, alla fine se ne comprende la storia comune: come i cittadini e le industrie di Prato costituiscano l’importanza del paese. Gli schermi sono alti circa 10 piedi e larghi 15-20 piedi, suddivisi in un modo che coinvolge lo spettatore frontalmente e da ogni lato.
Attraverso non solo la proiezione di una storia della città ma anche grazie alla progettazione e alle forme piacevoli da vedersi, il museo si attesta come un soggetto educativo e allo stesso tempo di valore estetico.
Ho particolarmente apprezzato uno schermo con un manichino appeso e vestito con una tela bianca per poterci proiettare sopra diversi modelli per tutto il tempo.
Nel complesso, questa città industriale ha successo sia come luogo di affari che di arte.
L’integrazione non solo fra tecniche tattili e storiche ma anche della tecnologia più avanzata fa comprendere che questo museo dovrebbe essere osservato con uno sguardo che sia di apprezzamento per il passato e ottimista per il futuro.
La complessiva forma e struttura è diversa e indirizzata sia ad un visitatore principiante, sia ad uno più esperto di musei. Un’istituzione che non solo esamina ed enfatizza il suo passato ma che corre avanti nel futuro è un museo (e una città) che incontra il mio consenso.
Prendere la storia di una città e adattarla alle situazioni future comporta l’accettazione e l’apprezzamento della tradizione, ma anche una proiezione dell’evoluzione che aiuterà la città a progredire nel prossimo decennio.

Traduzione di Camilla Torracchi (Università di Firenze)
Photo courtesy Marissa Acey

Bardini Museum – Florence

The Stefano Bardini Museum
The Collection of the Prince of Antiquarians
By Lorenzo Orsini and Camilla Torracchi (Università di Firenze)

The Stefano Bardini museum is located in piazza de’ Mozzi in Florence, in the San Niccolò Oltrarno neighborhood.

The story of this museum is closely tied to Stefano Bardini, a key figure of the international antiquities market between the 19 th and 20 th centuries. Despite having been trained as a painter, Bardini distinguished himself as a restorer and art dealer. Thanks to the success of his business he was able to purchase the ex-convent of San Gregorio alla Pace, the home of today’s museum, and use the space as an exhibition gallery, transforming it into a neo-renaissance
palace.

The enormous quantity of the works in his possession led the dealer to develop an exhibiting system that would best enhance his collection. According to installations dictated by his imagination, Bardini united works of different age and nature in the same environment. At the same time tight sales rhythms led him to continuously change the arrangement of the works: sculptures, tapestries, stone fragments and archeological objects were set up together with balance and aesthetic order in a constant search for a better type of display.

His criteria of display garnered notable success, so much so that many of his clients were attracted by the entire artistic atmosphere that they could admire in the rooms of the building.
The walls were painted with a cornflower blue, noted as ‘Bardini blue’, that was greatly admired by important collectors and art historians of the period like Nélie Jacquemart who used it in his palace, the future Jacquemart-André Museum, and Isabella Stewart Gardner who chose it for the display of her collections in Boston.

On the eve of the First World War, Bardini closed his showroom and dedicated himself to his private collection until his death, in 1922, when he bequeathed it to the city and it became part of the Civic Museums of Florence. The collection was opened to the public in 1925, but substantial changes were made, for example many of the works were moved into storage and the walls were whitewashed.

Thanks to the project curated by the current director, Antonella Nesi, through a profound study of photographic and paper documentation, the museum today represents the Bardini Gallery according the layout conceived by the antiquarian himself.

Like visitors of the time, today the public can walk through the rooms letting themselves be transported by the eclectic setting: the rooms are dominated by a criterion of symmetry. The works are displayed in an aesthetic order consistent with the immediate understanding of the object and at the same time valorizing its characteristics.

Present in every room are explanatory panels in both English and Italian. These offer visitors information on the history of the gallery and the individual works displayed allowing the public to understand where they come from and how they were added to the collection.

One of the most notable rooms is the so-called Room of Charity which houses sculptural objects from the Roman period to the 17 th century. The painted wooden ceiling, its coffers transformed into skylights radiating light throughout the room, contribute a luminous lighting effect. The back wall houses a small space, called the Chiostrina, in which is held the famous statue of Charity by Tino da Camaino, sculpted in the second decade of the 14 th century.

Between the ground floor and first floor of the museum, the visitor gains access to the mezzanine. Surrounding a Tuscan crucifix from the second half of the 15 th century, suggestively leaning on a pillar of pietra serena, is an important collection of terracotta Madonnas and wedding chests. Bardini’s attention to artisanal details of the Renaissance, however, culminates in the next room, called the Room of the Frames, decorated with a surprising variety of frames
and objects made from gilt leather.

At the end of the first-floor hallway, the public finds themselves in the center of the hall of paintings. Here the works of great masters fill the walls, and yet again one remains entranced by the variety of eras and styles. Just to name a few one can see the detached frescoes by
Giovanni da San Giovanni, the wooden crucifix by Bernardo Daddi and the Martyrdom of Saint Christina attributed to Tintoretto.

In the path leading to the conclusion of the visit, one can see how the same staircase was decorated to host the prestigious collection of antique oriental carpets, the value of which amounted to a small fortune in the antiquities market of the end of the 19 th century.
Thus, the Stefano Bardini Museum offers visitors the possibility to get to know a unique and rare collection of objects through the filter and taste of the beginning of the 20 th century. The public, strolling through the rooms, can identify themselves with the great collectors of a century ago who visited Florence to get to know, and at times buy, the beautiful objects of the ‘Prince of Antiquities.’

Translation by Marie-Claire Desjardin (Istituto Lorenzo de’ Medici)

 

Museo Bardini – Firenze

Il Museo Stefano Bardini
La collezione del Principe degli antiquari
Di Lorenzo Orsini e Camilla Torracchi (Università di Firenze)

Il Museo Stefano Bardini si trova in piazza de’ Mozzi a Firenze, nel quartiere di San Niccolò Oltrarno.

La storia di questo museo è strettamente legata alla figura di Stefano Bardini, personalità cardine del mercato antiquario internazionale a cavallo fra Ottocento e Novecento. Pur avendo ricevuto una formazione di pittore, Bardini si contraddistinse per la sua professione di restauratore e mercante di opere
d’arte. Grazie al successo della sua impresa, acquistò l’ex convento di San Gregorio alla Pace, sede dell’odierno museo, e lo adibì a galleria espositiva, trasformandolo in un vero e proprio palazzo neo-rinascimentale.

La grande quantità di opere possedute, spinse il mercante ad elaborare un sistema espositivo in grado di valorizzare al meglio la sua collezione. Secondo allestimenti in cui dominava la sua fantasia, Bardini univa in uno stesso ambiente opere di natura ed epoca diversa. Al tempo stesso, i ritmi serrati di vendita lo portavano a cambiare continuamente la disposizione delle opere: sculture, arazzi, frammenti lapidei e manufatti archeologici venivano allestiti insieme con equilibrio e ordine estetico in una costante ricerca di
una migliore tipologia espositiva.

I suoi criteri di allestimento ebbero un notevole successo, tanto che molti suoi clienti erano attratti dall’intero ambiente artistico che potevano ammirare nelle sale del palazzo. Le pareti erano tinte con un blu fiordaliso, noto come “blu Bardini”, che fu molto apprezzato da importanti collezionisti e storici dell’arte dell’epoca come Nélie Jacquemart che lo utilizzò nel suo palazzo, futuro Museo Jacquemart-André, e Isabella Stewart Gardner che lo scelse per l’allestimento delle sue collezioni a Boston.

Alla vigilia della Prima Guerra Mondiale, Bardini chiuse il suo showroom ed iniziò a dedicarsi alla sua collezione privata che alla morte, nel 1922, lasciò in eredità alla città e divenne parte dei Musei Civici di Firenze. La collezione fu aperta al pubblico nel 1925, ma furono apportate modifiche sostanziali, ad esempio molte opere furono spostate nei depositi e le pareti scialbate.

Grazie al progetto curato dall’attuale direttrice, Antonella Nesi, attraverso uno studio approfondito della documentazione fotografica e cartacea, il Museo oggi presenta la Galleria Bardini secondo l’allestimento pensato dal mercante stesso.

Come i visitatori dell’epoca, oggi il pubblico può passeggiare fra le sale lasciandosi rapire dagli eclettici allestimenti: domina nelle sale un criterio di simmetria. Le opere sono esposte quindi secondo un ordine estetico che consente un’immediata comprensione dell’oggetto e allo stesso tempo ne valorizza le sue caratteristiche.

In ogni stanza sono presenti pannelli esplicativi, in lingua inglese e italiana. Questi offrono al visitatore informazioni sulla storia della galleria e sulle singole opere esposte, permettendo così al pubblico di conoscere da dove provengono e quando sono giunte nella collezione.

Una delle sale più note è la cosiddetta Sala della Carità che ospita oggetti scultorei dall’epoca romana al Seicento. Il soffitto ligneo dipinto, privato dei lacunari, irradia di luce tutta la sala, contribuendo ad un effetto di illuminazione originale. La parete di fondo ospita un piccolo ambiente, detto la Chiostrina, al cui interno spicca la famosa statua della Carità di Tino da Camaino, realizzata nel secondo decennio del XIV secolo.

Tra il piano terra e il primo piano del museo, il visitatore accede al mezzanino. Attorno ad un crocifisso di ambito toscano della metà del XV secolo, suggestivamente appoggiato ad un pilastro in pietra serena, ruota un’importante collezione di Madonne in terracotta e di cassoni nuziali. L’attenzione da parte di Bardini per aspetti dell’artigianato rinascimentale trova però il culmine nella sala successiva, detta Sale delle Cornici, allestita con una sorprendente varietà di cornici e di oggetti realizzati in cuoio dorato.

Al termine del corridoio del primo piano, il pubblico si ritrova al centro del salone dei dipinti. Qui opere di grandi maestri scandiscono le pareti, e ancora una volta si rimane estasiasti dalla varietà di epoche e di stili.
Solo per citarne alcuni si possono vedere gli affreschi staccati di Giovanni da San Giovanni, il crocifisso ligneo di Bernardo Daddi o Il Martirio di Santa Cristina attribuito al Tintoretto.

Nel percorso che porta alla conclusione della visita, si può vedere come lo stesso scalone è stato adibito ad ospitare la pregevole collezione di antichi tappeti orientali, i quali ebbero un’enorme fortuna nel mercato antiquario di fine Ottocento.

Il museo Stefano Bardini offre così ai visitatori la possibilità di conoscere una raccolta di opere unica e rara, attraverso il filtro e il gusto del mercato antiquario di primo Novecento. Il pubblico, passeggiando nelle sale, potrà immedesimarsi nei grandi collezionisti che un secolo fa visitavano Firenze per conoscere, e
all’occorrenza comprare, le bellezze del “Principe degli Antiquari”.

Traduzione di Camilla Torracchi (Università di Firenze)
Photo courtesy Camilla Torracchi