By Nilda Lopez (Lorenzo de’ Medici)

In a city known for its history and majesty, the Duomo, or Santa Maria del Fiore, of Florence stands out in the minds of the Italian and foreigner alike. The Museo dell’Opera del Duomo is a museum dedicated to its collection and history. The current exhibition can be considered a mildly successful presentation of the artifacts contained in the museum’s vast collection. Although filled with magnificent pieces, up to and including the completely renovated Gates of Paradise, the layout of the artwork within the museum structure leaves the casual observer confused and, even more, overwhelmed by each room.

The entrance hall houses busts and marble statues originally intended to be showcased on the façade of the Duomo facing the baptistery’s Gates of Paradise – which are currently located in the center of the rotunda of the bottom floor –and not seen in the round. Still today, they are placed along the walls to echo this. The pieces are presented with a sign meant to describe their purpose; however, they are tucked away and somewhat hidden in corners and may be missed by the casual museum visitor. Farther along in the museum, the Music Room is designed to play religious chants and melodies, though this seems to be forgotten at times and the room is left silent. Choir sectionals, or Cantoria¸ attached to the walls, originally from Santa Maria del Fiore, are meant to tell the visitor that they are in a “music room” without any further information.  The only advantage to the design of the room is the ample seating, in its center, where one may admire the sectionals.

Michelangelo’s Pietà Bandini provides the only example of a semi-ideal presentation of a sculpture in the round.  Placed on a large landing between two floors, it can be seen both from the top and bottom of two separate staircases. The viewer is given the opportunity to see the piece while sitting in this sectioned-off room and appreciate it from all angles by its placement in the middle. In addition, seating is provided in a corner of the room that allows for ideal viewing of the central male figure facing the sitter.

On the first floor, several pieces are scattered throughout the space without any sense of conjunction between rooms – merely that they are all part of the collection. The truly successful display is the silver cross and altar from the Baptistery of San Giovanni seen in the newly renovated rooms, completed within the last decade. The pieces are presented in excellent lighting, with the altar on a raised platform to allow viewing of the inscription on its lower register. The silver altar cross is shown in a way that allows for a detailed observation of the piece within its glass case. The overall design, however, is not ideal. The glass panels allow decent viewing, but the preservation of the pieces behind the glass does not fulfill its potential, as the cases have inadequate control of air traffic.

Overall, the museum attempts to present its collection to its audience, but is lacking in the successful use of renovation in one room and placement exhibition style throughout the current museum setup. What draws the visitor in is the pieces imprisoned in these emotionless cases that inadequately mean to resonate in the casual admirer and devotee alike.

Luckily, the current director of the museum, Monsignor Timothy Verdon, intends to improve the elocution of the present lackluster display with the newly renovated Museo dell’Opera del Duomo, set to open to the public in 2014.  It would not be surprising to report that most visitors are anxiously awaiting the improvements being made in the museum and are excited to see what the Director has envisioned for the new structure. The collection is beautiful and poignant and the museum should be seen by all whom visit Florence; however, one must note the lack of true exhibition strategy in order to optimize the viewer experience in its current design.

 

 

Il Museo dell’Opera del Duomo

di Nilda Lopez (Lorenzo de’ Medici)

In una città come Firenze, conosciuta per la sua storia e la sua maestà, Santa Maria del Fiore rimane ben impressa nella mente di italiani e stranieri, e il Museo dell’Opera del Duomo è dedicato proprio alle sue collezioni e vicende storiche. L’attuale esposizione può essere considerata una presentazione moderatamente riuscita dei reperti artistici che fanno parte della grande raccolta del museo: sebbene questa sia piena di pezzi magnifici, fino ad includere la Porta del Paradiso completamente restaurata, l’allestimento all’interno della struttura museale lascia il visitatore occasionale confuso, se non addirittura sopraffatto da ogni stanza.

La hall di ingresso ospita busti e statue di marmo che originariamente erano collocati sulla facciata del Duomo a fronteggiare la Porta del Paradiso del battistero – adesso esposta al centro della rotonda del piano inferiore – perciò non dovevano essere osservati a tutto tondo. Ancora oggi, questi sono posti lungo le pareti per riecheggiare tale situazione, presentati da una indicazione che vuole descrivere la loro funzione, ma comunque restano in disparte e in qualche modo nascosti in angoli e possono essere facilmente trascurati dal visitatore. Ancora oltre, nel museo, la Sala della Musica dovrebbe proporre canti e melodie religiose, ma ciò sembra essere talvolta dimenticato e la stanza rimane silente; le due Cantorie alle pareti, provenienti da Santa Maria del Fiore, vorrebbero con la loro presenza spiegare ai visitatori che si trovano in una sala dedicata alla musica, ma senza alcuna ulteriore informazione. L’unico vantaggio di questo ambiente è la grande panchina al centro su cui è possibile sedersi e ammirare così, comodamente, gli spazi destinati ai coristi.

La Pietà Bandini di Michelangelo costituisce l’unico esempio di una presentazione quasi ideale di una scultura a tutto tondo. Collocata a metà di una rampa di scale tra due piani, può essere vista sia dalla cima che dal fondo dei gradini, dando così l’opportunità al visitatore di osservare il pezzo mentre siede in questa zona e di apprezzarla da tutte le angolazioni dato il posizionamento della statua al centro. In aggiunta, i posti a sedere sono piazzati in un angolo ideale perché chi osserva possa trovarsi davanti alla figura maschile centrale.

Al piano superiore diverse opere sono disseminate nello spazio senza alcun senso di congiunzione tra le stanze, tranne il fatto che appartengono alla stessa collezione. La parte di allestimento più riuscita è quella nelle nuove stanze restaurate, completate nell’ultimo decennio, che riguarda la croce e l’altare argentei del Tesoro del Battistero di San Giovanni. I pezzi sono presentati da un’illuminazione eccellente, con l’altare posto su un basamento rialzato che consente la lettura delle iscrizioni sul suo registro inferiore, mentre la croce è collocata all’interno della sua vetrina in modo da permettere una osservazione molto dettagliata. L’esposizione generale degli oggetti non è, comunque, ideale. Le teche non hanno adeguato controllo del passaggio di aria al loro interno, lasciano intravedere le opere ma si intuisce che la loro conservazione dietro il vetro non realizza a pieno il loro potenziale.

Complessivamente il museo cerca di presentare le proprie collezioni al suo pubblico, ma rimane carente di efficaci misure di rinnovamento in una stanza (quella sopra descritta) e dal punto di vista dello stile espositivo lungo tutto il percorso. Ciò che cattura l’attenzione del visitatore sono i pezzi che si trovano come imprigionati in quelle teche inanimate, le quali inadeguatamente vorrebbero risuonare sia nell’ammiratore occasionale che nel devoto.

Fortunatamente, l’attuale direttore del museo, Monsignor Timothy Verdon, intende migliorare la capacità di elocuzione del presente, lacunoso, allestimento con il rinnovato Museo dell’Opera del Duomo la cui apertura al pubblico è prevista per il 2014. Non sarebbe sorprendente riscontrare che molti visitatori stanno aspettando ansiosamente le migliorie e che sono curiosi di vedere che cosa il direttore abbia previsto per la nuova struttura. La collezione è magnifica e significativa, e il museo dovrebbe essere visto da chiunque visiti Firenze; comunque bisogna constatare  la mancanza di una vera strategia museale, nel suo attuale design, che possa ottimizzare l’esperienza dell’osservatore.

By Valentina Rubechini (University of Florence)

The Museum of Still Life in Poggio a Caiano (in Prato), founded in 2007, is located in the rooms of the second floor of the famous Medici Villa, commissioned by Lorenzo the Magnificent. It is composed of sixteen thematic rooms which retrace the stages of Medici collecting of still lives, through several members of the Grand Ducal family. Entrance is free and the visits take place every hour and last for sixty minutes – though only with a reservation by phone. Unknown to the general public, the museum, in its current state on the Italian museum scene, is viewed simply as an interesting museological event that perhaps could be developed further.

Each of the rooms may also be visited by people with physical handicaps, as an elevator provides access to the second floor. In the entrance, no maps are available – which is not too much of a concern, as an attendant is always present. However,  the providing of audio guides would have been useful for a better understanding of the collection, which is not explained very clearly. The first two rooms are introductory and also stand out from the others in their display design. They have a more sumptuous appearance, figuratively presenting the main characters of the story of collecting that the visitor will encounter through the museum. On the walls, which are yellow in the first space and red in the second, hang portraits of different members of the family: from Cosimo II, who began amassing still lives, to Grand Prince Ferdinando, the last Medici  able to influence guidelines of collecting, while also including the Grand Duchesses and the non-heir sons. The other fourteen rooms are simply left whitewashed and have a thematic order that, however, does not ignore the chronological one. Each one is dedicated to a member of the Medici family distinguished in collecting still lives or to particular situations connected to one of the main players (for example, the case of Cosimo III and his patronage of Bartolomeo Bimbi, in rooms 10-13).

In some cases, the displaying positions of small paintings is sacrificed by placing them in the corners or much too high, as in room 13 of Bartolomeo Bimbi and the Casino della Topaia. Here, one finds many of the most famous works of the Florentine still life painter, Bartolomeo Bimbi, such as Cherries and Plums, and the viewer is forced to crane his neck to admire them, as one’s eye-level just reaches the bottom of the frame. In room 15, dedicated to the cabinet of small works of Grand Prince Ferdinando, the visitor must play detective, as the text panel makes it clear that not all of the objects displayed are from the cabinet, but does not indicate which ones.

Overall, the texts, in Italian and English, are rather synthetic and, above all, do not take care to give the visitor the slightest hint to a theme that is as poorly recognized as still life painting. Finally, in the ninth room, one is told that flowers have been associated with many different meanings. Further, the labels that accompany each work are concise and brief, indicating only the artist, the title, the historical inventory in which the work was found, and the current inventory number. As it is a museum that likely has a didactic goal within its scope, perhaps it would make sense to consider the idea of expanding upon these texts to include information about the artist and the work. More so because, being so recent, it has not had to take into account any previous organizational structure and has made the labels from scratch. However, the major defect of the museum is the fact that the visitor receives only a fixed, limited amount of time: one hour. One is told in room 6 to proceed more swiftly, as the visit is not yet halfway done, which is disgraceful in a country that boasts the largest concentration of works of art in the world. In this respect, the text panels are too long, as it is impossible to read them entirely and observe each painting in one hour, while the attendant hovers over you and glances at his watch. It is a pity to point out that, in addition to this, the lighting is not always ideal, with fluorescent lights in the ceiling, leading one to again ask if, in such a recent space, it would not have been possible to find a better solution.

Given these particular regulations for visiting the collections, there are no planned programs for children visiting with their families or workstations for activities going more in-depth on the subject. However, among the didactic offerings that the Polo Museale provides for schools, is a visit to this museum, which – considering the particular nature of its collection – works to bring children closer to the world of art. How? Through the natural sciences. In their eyes, the animal and vegetal worlds seem more fascinating than that of art, and to be in front of a painting by Bimbi that represents two-headed animals and exotic species not easily seen in real life is a truly beneficial approach to understanding the work. Already, this type of painting is used by botanists and zoologists for studying particular plant and animal species, and the Museum of Still Life could become the gathering point that brings together the endeavors to promote the spread of culture. Perhaps the museum could strengthen out its didactic aspects by organizing guided visits for adults on particular days of the week or children’s programs that are not only for schools. Paradoxically, a museum with a collection which, in the collective imagination, is traditionally considered boring (one cannot deny), could pave the way for other Florentine and Italian museums, generally considered lacking when it comes to involving the public. This would allow for the improvement of the didactic function without hindering conservation or the possibility of fully enjoying the space for those who are truly interested in this genre or painting.

Ultimately, these are brave museological choices that, to be entirely successful, would need to rediscover the courage and enthusiasm that brought about the opening of a museum aimed to show an aspect of Medicean collecting that was more than just an afterthought.

For information on opening hours and access, consult the website: http://www.polomuseale.firenze.it/en/musei/poggiocaiano

 

 

Il Museo della Natura Morta di Poggio a Caiano

di Valentina Rubechini (Università di Firenze)

Il Museo della Natura Morta a Poggio a Caiano (Prato), inaugurato nel 2007, è ospitato negli ambienti al secondo piano della celebre villa medicea voluta da Lorenzo il Magnifico; si compone di sedici sale a carattere tematico che hanno l’intento di ripercorrere le tappe del collezionismo mediceo di natura morta attraverso i membri della famiglia granducale. L’entrata è gratuita, ma le visite si effettuano – esclusivamente previa prenotazione telefonica – ogni ora e hanno durata di 60 minuti. 

Sconosciuto al grande pubblico, il museo allo stato attuale rimane, nel panorama italiano, solo un interessante episodio museologico che forse necessiterebbe di essere sviluppato ulteriormente.

Le stanze sono interamente visitabili anche da persone con handicap fisici per la presenza di un ascensore che conduce al secondo piano. All’ingresso non sono fornite né mappe, del resto inutili poiché si è accompagnati da un custode, né audio guide, che invece potrebbero essere utili alla comprensione di una collezione che non appare spiegata con sufficiente chiarezza.

Le prime due sale sono di carattere introduttivo e si distinguono dalle altre anche dal punto di vista museografico: di aspetto più sontuoso, presentano figurativamente i protagonisti della storia del collezionismo che il visitatore incontrerà lungo il percorso. Alle pareti, gialle nel primo ambiente e rosse nel secondo, sono infatti appesi i ritratti di diversi membri della famiglia: da Cosimo II, iniziatore della collezione di natura morta, al Gran principe Ferdinando, ultimo esponente dei Medici in grado di influenzare gli orientamenti del collezionismo, passando anche per le granduchesse e i cadetti. Le altre quattordici sale sono semplicemente intonacate di bianco e si articolano con un criterio tematico che tuttavia non può prescindere dal seguire parzialmente anche un ordine cronologico, poiché ognuna è dedicata ad un membro della famiglia Medici che si distinse nel collezionismo di natura morta o a particolari situazioni legate ad uno dei protagonisti (per esempio il caso di Cosimo III e della sua committenza a Bartolomeo Bimbi,  affrontato nelle sale X-XIII).

In qualche situazione espositiva alcuni quadri di dimensioni ridotte appaiono sacrificati dalla posizione in angolo in cui sono posti oppure risultano troppo alti, come nel caso della sala XIII intitolata a Bartolomeo Bimbi e il Casino della Topaia. Qui sono ospitati alcuni tra i più noti dipinti del pittore di nature morte fiorentino Bartolomeo Bimbi, come le Ciliegie o le Susine, e l’osservatore si trova ad ammirarli con il naso all’insù, poiché gli occhi sono circa all’altezza della parte bassa della cornice. Nella sala numero XV, dedicata al Gabinetto delle opere in piccolo del Gran Principe Ferdinando, il visitatore deve improvvisarsi investigatore, poiché dal pannello esplicativo sembra di capire che non tutte le opere qui esposte appartenessero al Gabinetto, ma si omette di specificare quali.

In generale, i pannelli esplicativi, in italiano e in inglese, sono piuttosto sintetici e soprattutto non si curano di dare al visitatore un minimo approccio ad un tema così scarsamente popolare come la natura morta. Solo nella nona sala, finalmente, si accenna che i fiori erano associati a determinati significati. Anche i cartellini che accompagnano le opere sono concisi, limitandosi a: nome dell’autore, titolo dell’opera, inventario storico in cui questa è stata reperita, numero di inventario attuale. Poiché si tratta di un museo che immaginiamo abbia tra i suoi scopi quello didattico, forse sarebbe stato giusto prendere in considerazione l’idea di ampliare un po’ le didascalie, inserendo qualche notizia sull’artista e sull’opera. A maggior ragione perché, essendo di recente costituzione, non ha dovuto fare i conti con ordinamenti museologico-museografici precedenti e ha fatto realizzare i cartellini ex novo.

Tuttavia il maggior difetto del museo è il fatto di dare al visitatore un tempo limitato e prestabilito per visitarlo: un’ora. Sentirsi dire nella sala sei di procedere con maggiore sollecitudine perché la visita non è neanche a metà è indegno di un paese che si vanta di avere la maggiore concentrazione di opere d’arte al mondo. Vista la questione sotto questa prospettiva, i pannelli esplicativi sono fin troppo lunghi, poiché è impossibile leggerli per intero e osservare tutti i quadri in un’ora, mentre il custode di turno fa la guardia e lancia occhiate all’orologio. Dispiace anche dover constatare che non sempre l’illuminazione è ottimale, con le lampade disposte a quadrato al centro del soffitto e anche in questo caso ci chiediamo se per questi ambienti allestiti recentemente non sarebbe stato possibile trovare una migliore soluzione.

Data la particolare politica adottata per la visita della collezione non sono previsti percorsi per bambini in visita con la famiglia né postazioni per approfondimenti interattivi; tuttavia, tra i percorsi didattici offerti dal polo museale alle scuole, è inserita anche la visita a questo museo che, considerata proprio la particolare natura della raccolta, appare particolarmente indicato per avvicinare i più piccoli al mondo dell’arte. Come? Attraverso le scienze naturali. Ai loro occhi, il mondo animale e quello vegetale hanno un fascino molto maggiore dell’arte e trovarsi di fronte ai quadri di Bimbi che raffigurano animali a due teste o specie esotiche non facilmente visibili dal vero possono essere un buon approccio alla lettura del quadro.

Già adesso questo tipo di dipinti è utilizzato per lo studio di particolari specie botaniche e animali da parte di botanici e zoologi e il Museo della Natura Morta può diventare il punto di incontro in cui unire gli sforzi nel complesso obiettivo di diffondere la cultura. Potenziando l’aspetto didattico, magari anche con l’organizzazione di visite guidate per adulti in un determinato giorno della settimana e percorsi per bambini riservati non solo alle scuole, paradossalmente un museo che raccoglie una collezione che nell’immaginario collettivo è tradizionalmente considerata noiosa (inutile negarlo) potrebbe diventare un apripista anche per altri musei fiorentini e italiani, sempre considerati carenti dal punto di vista del coinvolgimento del pubblico. Questo consentirebbe di svolgere completamente la funzione didattica senza intaccare in alcun modo la conservazione e la possibilità di una piena fruizione da parte di chi invece è realmente interessato a quest’ambito della pittura.  

In definitiva si tratta di una scelta museologica coraggiosa che, per diventare anche completamente vincente, avrebbe bisogno di ritrovare quel coraggio e quell’entusiasmo che portarono all’apertura di un museo teso ad illustrare un aspetto del collezionismo mediceo che non fu affatto di secondo piano.

Per informazioni sugli orari di apertura e le modalità di accesso consultare il sito internet: http://www.polomuseale.firenze.it/musei/?m=poggiocaiano

By Marta Gelli (University of Florence)

A person waiting in line under the loggia of the Uffizi, or even a simple passerby, may notice that, for some time, the coverings over the scaffolding on the western side have been advertising a new exhibit. Not even knowing that it is an exhibit, one may be drawn in by a title such as Arts and Alchemy; add the words “free entrance” in plain sight and the viewer is hooked. There, behind this large poster, is a door that easily goes unnoticed. Although, upon entering, one finds oneself in an unexpected space where the choice of objects and their display work together to create the atmosphere of a laboratory and room of wonders, as indicated by the second part of the show’s title. But why alchemy in the Reali Poste room? Many people might not know that, at one time, the Medici Grand Dukes actually established a foundry at the Uffizi…

After a small, bright vestibule and some introductory text panels, one enters into a darkened space, as if in an alchemical laboratory filled with smoke. Black false walls line the edge of the room, but what is most striking is certainly the octagonal structure in the center. This temporary installation, also painted black, clearly evokes the Tribuna – the most famous room in the Uffizi, since it was built in the second half of the 16th century as a space of private reflection for Francesco I. This link between the prince and the Tribuna is made explicit, as his portrait is the first work welcoming the visitor; in fact, Francesco I is the member of the Medici family most often associated with alchemy. However, the exhibit highlights how his father, Cosimo, already had an interest in this area, and that these experiments based on the transformation of material continued for a long time, leading to the medical and pharmaceutical fields.

In the five thematic and chronological sections, from prefaces about alchemy to the phases of the Medici foundry in the 16th and 17th centuries, various types of works are presented. Printed books and their engravings, polychrome sculptures of precious stones, handmade porcelains, paintings and drawings all subsequently line the walls: they are hung, placed on shelves, or inside cases and stand out with spotlights in the shadows. Each work is accompanied by a text made to resemble a sheet of parchment, undulating, rough, and yellowed, though – one must say – their placement is not ideal, tending to be too far in the corner. Among all of these pieces, perhaps the most interesting object is not considered “artistic”: a portable pharmacy  consists of a simple wooden box divided into twenty-five compartments with as many small bottles inside, which were, at one time, filled with different essences and remedies that the Medici used to send to aristocrats. These gifts were accompanied by ante litteram leaflets. So, those who are able to lean over the case to see the texts may enjoy reading about oils, balms for parasitic worms, bruise ointments, or coral dyes, and how these things were used. Each one is rigidly marked with Fonderia di S.A.R., the label of the Grand Duke. It is a pity for those who do not know Italian that these amusing instructions are not translated into English, as they could have drawn many more smiles.

The section that leaves the greatest impression in one’s memory is found inside the octagon, which can be entered from four sides and glimpsed into even when just walking around the room. There, along with the “alchemical laboratory,” the room of wonders is evoked. Two or three shelves on each wall, almost resembling a cabinet, display distillation alembics, lids, and ampoules together with mummies or natural wonders, such as the skull (and a tusk!) of a narwhal. And, if this was not enough, hanging from the ceiling is an embalmed crocodile, just as in the well-known image from the Historia Naturale by Ferrante Imperato, with a monkey skeleton placed casually next to this book.

The exhibition, part of the annual series, Never Before Seen – organized by the Friends of the Uffizi and curated by Valentina Conticelli – seems to have taken a gamble, emphasizing visual wonder and effects of surprise instead of didacticism. This is seen not only in the texts, which are often too generic, but also in the scenery created by many large backlit panels interspersed along the dark walls, providing another source of artificial light. These panels are decorated with enlarged reproductions of engravings concerning alchemy, which make a big impression, but if one would like to understand from which text they come – maybe even one on display – one will spend much time searching… Therefore, it is likely that, once he or she leaves, the visitor will reflect on what has just been admired and remain stricken, not necessarily by the beauty of a painting or sculpture, but by the memory of the bizarre hanging crocodile and the smoky atmosphere of mystery.

 

 

L’Alchimia e le arti. La fonderia degli Uffizi, da laboratorio a stanza delle meraviglie.

di Marta Gelli (Università di Firenze)

Qualcuno in coda sotto il loggiato degli Uffizi, ma anche un semplice passante che transiti per il piazzale, potrebbe accorgersi che da qualche tempo i pannelli scuri che coprono i “lavori in corso” della zona di ponente stanno pubblicizzando una nuova mostra. O, pur non sapendo che si tratta di una mostra, resterebbe con tutta probabilità affascinato da un titolo come L’Alchimia e le arti; se poi si aggiunge che, ben in vista, si può leggere anche “ingresso libero”, allora il gioco è quasi fatto. Proprio lì in realtà, dietro quel grosso poster, c’è una porta che passa quasi inosservata, ma che se varcata può condurre a un ambiente davvero inaspettato, dove la scelta degli oggetti in esposizione ed il loro allestimento cooperano per trasmettere il più possibile un’atmosfera da laboratorio e stanza delle meraviglie, come del resto recita la seconda parte del titolo della mostra. Come mai l’alchimia alle Reali Poste? Forse non tutti sanno che un tempo, agli Uffizi, i granduchi avevano deciso di stabilire una fonderia…

Oltre un piccolo vestibolo illuminato e fornito di pannelli introduttivi si piomba, come se si entrasse in un laboratorio alchemico pieno di fumo, in uno spazio scurissimo: fittizie pareti nere si innalzano da terra lungo tutto il perimetro, ma ciò che più colpisce è senz’altro la struttura ottagonale che si impone al centro della sala. Questa architettura provvisoria, anch’essa nera, evoca chiaramente la Tribuna, l’ambiente più noto degli Uffizi sin da quando questi vennero costituiti nella seconda metà del Cinquecento, nonché luogo di riflessione prediletto da Francesco I. Il collegamento tra il principe e la Tribuna è esplicitato dal fatto che proprio un suo ritratto è l’opera che per prima accoglie il visitatore, ma Francesco I è anche il personaggio della famiglia Medici a cui generalmente si ricollega l’alchimia. In realtà l’esposizione evidenzia come già suo padre, Cosimo, avesse interessi in questo ambito, e che gli esperimenti basati sulla trasformazione della materia si protrassero a lungo nel tempo, in particolar modo sfociando nel campo della medicina e della farmaceutica.

Nelle cinque aree tematico-cronologiche, che vanno dalle premesse sull’alchimia alle fasi della fonderia medicea nel Cinquecento e nel Seicento, viene esposta una tipologia di opere molto varia. Libri a stampa e loro incisioni a bulino, sculture policrome in pietra dura, porcellane di manifattura medicea, dipinti e disegni si susseguono lungo le pareti, appesi, poggiati su mensole, oppure inseriti entro vetrine, mentre spiccano, illuminati artificialmente, nella penombra. Essi sono sempre provvisti di appositi cartellini, realizzati proprio a simulare fogli di pergamena, ondulati, ruvidi e dai bordi ingialliti, ma non sempre – questo va detto – la loro collocazione, fin troppo angolata, è ottimale. Tra tutti questi pezzi, però, può forse destare maggior interesse un oggetto che non può essere definito “artistico”: si tratta di una farmacia portatile, nient’altro che una cassetta di legno suddivisa in venticinque scomparti con, all’interno, altrettanti flaconcini (un tempo) riempiti con varie essenze o medicamenti, che i Medici erano soliti inviare come dono a personaggi aristocratici. Tale regalo era anche accompagnato da “foglietti illustrativi ante litteram”; così, in mostra, chi riesca a sporgersi in avanti e a chinarsi sulla teca che li ospita potrà divertirsi a leggere contro che cosa o in quali occasioni potevano essere usati l’olio, o balsamo per i bachi, l’unguento per le percosse, oppure la tintura di corallo. Il tutto marchiato, rigorosamente, Fonderia di S. A. R. Peccato per chi l’italiano non lo conosce, perché queste istruzioni, che non sono state tradotte in inglese, avrebbero potuto strappare un numero più alto di sorrisi.

La sezione che però resta maggiormente impressa nella memoria è quella ospitata nell’ottagono, a cui si accede da quattro lati, e il cui interno si intravede da svariate posizioni anche solo girando attorno al perimetro esterno: lì, insieme al laboratorio alchemico, è evocata la stanza delle meraviglie. Due o tre mensole per parete, come fossero palchetti di armadi, mostrano alambicchi, coperchi, ampolle, insieme a mummie o rarità naturali come un teschio (e un dente!) di narvalo. Come se non fosse abbastanza, pende dal soffitto un coccodrillo imbalsamato, proprio come accade in una celebre illustrazione per l’Historia naturale di Ferrante Imperato, lì esposta disinvoltamente accanto a uno scheletro di scimmia.

La mostra, parte del ciclo I mai visti, organizzata dagli Amici degli Uffizi e curata da Valentina Conticelli, sembra aver puntato, invece che su un aspetto legato alla didattica, più che altro sul colpo d’occhio e sull’effetto-sorpresa. Dimostrano questo non solo i pannelli esplicativi, dal contenuto forse troppo generico, ma anche la scenografia creata da diversi grossi riquadri retroilluminati che intervallano le scure pareti provvisorie e forniscono ulteriori fonti di luce artificiale. Essi sono decorati da immagini molto ingrandite che riproducono alcune illustrazioni a stampa dal carattere alchemico, di grande impatto quindi, ma se si cercasse di capire da quale testo – forse tra quelli esposti?- siano tratte le incisioni, allora si potrebbe impiegare molto, molto tempo nel cercare… Così è probabile che, anche una volta uscito, il visitatore rimugini su quanto ha ammirato poco prima e rimanga colpito, piuttosto che dalla bellezza di un dipinto o di una scultura, dal ricordo del pittoresco coccodrillo penzoloni e dall’atmosfera fuligginosa di mistero.

By Monica Matais (Lorenzo de’ Medici)

The enchanting city of Florence represents the birthplace, the center, and the cradle of Renaissance art and culture. The appeal of Florence’s vast collections and displays representing this prestigious time period, exhibited in the city’s numerous museums, palaces, and churches, entices thousands of tourists annually; however, whether through ignorance or naivety, these patrons of the historical city often disregard its ancient founding artistic and social elements. Most visitors do not inquire further about how ancient civilizations influenced the city’s modern urban plan. Unbeknownst to these tourists, Renaissance Florence and contemporary Florence were founded on the antiquated remains of the Roman Empire. Its main focal point, the Cathedral of Santa Maria del Fiore, is a tangible example of this historical disregard present in the city. The cathedral is located directly on top of the lesser-known first major church of Florence, Santa Reparata. Though it may sound cliché, Santa Reparata is a true artistic and religious diamond in the rough. This hidden gem serves as a dynamic site, providing patrons with a comprehensive outlook as to what this ancient sight would have appeared as before archaeological excavations.

Santa Reparata is a relatively young museum in both its discovery and establishment. The excavation to create the museum, located under Santa Maria del Fiore (also known as the Duomo), did not begin until after the damaging flood of 1966. The digging led to an uncovering of early Florentine Christian roots, along with Roman pagan iconographic symbols. During the archaeological process, three main chronological levels of reconstruction and enhancement to Santa Reparata were rediscovered, respectively representing the 5th, 9th, and 11th centuries. The uncovering helped to create a unified idea as to the original appearance of Florence under Roman rule and its evolution into Renaissance art and society. The museum works to make the three differing layers apparent to the visitors and has not fully excavated them, allowing viewers to see the time periods in their proper stratigraphy.

The entrance to the museum of Santa Reparata is not clearly denoted by a direct route due to its inconspicuous underground location. The entry lacks guidance not only in signage but also by word of mouth of the tour guides. Patrons can easily visit the above-ground cathedral of Santa Maria del Fiore and become mesmerized by Brunelleschi’s dome and not even venture into the underground area which houses this museum. Typically, individuals unknowingly stumble upon this hidden museum when visiting the subterranean gift shop. Santa Reparata, due to its location in the crypt of Santa Maria del Fiore, is part of the OPA, the entity that maintains the museum, campanile, and baptistery. The OPA organization appears to acknowledge the lack of information regarding the hidden location of Santa Reparata by providing a combination ticket where one may visit the museum that houses the statues of Santa Maria del Fiore, the campanile, as well as this specific museum.

Once in the crypt, patrons become intrigued by the appearance of the church as an archaeological site. The museum’s layout is organized into three separate sections. The different display areas help enhance the visitor’s perception of the historically accurate construction of the ancient cathedral. Upon entering the designated museum area, visitors find themselves in a central space dividing the exhibit into a middle, right, and left section, all depicting different elements of the cathedral.

The central area houses the only physical artistic artifacts; chalices and swords lie in a simple glass case without any labels, leaving the visitors to surmise their own perceptions of the objects’ uses and patronage. The left section of the crypt is the most comprehensive space, designed with a raised walkway over archaeological architectural elements encompassing all three centuries of development phases. The three levels allow the viewer to see the evolution of the cathedral from the simple fifth-century brick construction into the grand eleventh-century creation full of marble floors along with pagan and Roman-influenced Christian floor mosaics. This area also lacks labels, although, before the patron begins to follow the raised pathway leading them through the site, there are three maps drawn to accurately illustrate the progression of the space. The introductory maps allow visitors to continue on the pathway with an understanding of the three different layers of material. The section to the right of the entrance to the museum is designed not based on ancient archaeological pieces, but rather as a functioning chapel, again without labels, which creates a sense of how Santa Reparata would have been arranged for a religious mass. In this area, the excavators also only partially uncovered the multiple coats of fresco wall decorations. The frescoes all represent various reconstructions of the surrounding walls near the theorized location of the altar. The partial uncovering of the mosaics allows the viewer to visually put into perspective the respective art styles of the three differing time periods.

There is no designated curator for the museum of Santa Reparata, but the archaeologists have strategically conducted their excavation in such a way to provide their audience with a clear visual perception of the concepts behind the chronological layers of reconstruction carried out on the first cathedral of Florence. Santa Reparata is a greatly overlooked museum; it not only serves as an example of the foundation of Roman society but also inspires curiosity as to what other lost elements of pre-Renaissance Florence still lie under the streets.

 

La Firenze romana nascosta: Santa Reparata

di Monica Matais (Lorenzo de’ Medici)

L’incantevole città di Firenze rappresenta il luogo di nascita, il centro e la culla dell’arte e della cultura del Rinascimento. Il richiamo delle numerose collezioni e mostre fiorentine che riguardano questo prestigioso periodo artistico, visibile in molti musei, palazzi e chiese, attira migliaia di turisti ogni anno; tuttavia, per ignoranza o per ingenuità, gli avventori di questa città storica trascurano spesso l’aspetto relativo all’antichità della sua fondazione artistica e dei suoi elementi sociali. La maggior parte dei visitatori, infatti, non indaga ulteriormente su come civiltà precedenti possano aver influenzato il moderno piano urbanistico della città. All’insaputa di questi turisti, la Firenze rinascimentale e quella attuale furono fondate sulle vestigia dell’impero romano: il fulcro della città, la cattedrale di Santa Maria del Fiore, è un esempio dinamico di questa diffusa indifferenza storica. Il duomo è costruito esattamente sopra alla quasi sconosciuta prima cattedrale di Firenze, Santa Reparata, la quale, sebbene possa suonare come un cliché, è un vero gioiello nascosto dal punto di vista artistico e religioso. Questa gemma rara può essere considerata un luogo capace di offrire ai visitatori una visione globale di come questo antico sito apparisse prima degli scavi archeologici.

Santa Reparata è un museo relativamente giovane sia nella sua scoperta che nella sua costituzione, poiché le operazioni di scavo per creare l’ambiente, collocato sotto Santa Maria del Fiore, non iniziarono se non dopo la disastrosa alluvione del 1966. Gli scavi portarono alla scoperta delle prime radici della Firenze paleocristiana contemporaneamente ai simboli iconografici del paganesimo romano, ma durante il processo vennero riconosciuti anche tre principali livelli di ricostruzione e ampliamento di Santa Reparata, rispettivamente rispondenti ai secoli V, IX e XI. I ritrovamenti sono stati utili per ricreare un’idea unitaria dell’aspetto originario di Firenze sotto la dominazione romana e della sua evoluzione nell’arte e nella società del Rinascimento. Il museo mostra chiaramente questi tre livelli al visitatore, avendo scelto di non completare pienamente gli scavi al fine di rendere visibile la loro, propria, stratigrafia.

L’ingresso al museo di Santa Reparata non è specificamente denotato, ciò è dovuto alla sua collocazione sotterranea, un po’ nascosta, ma principalmente a causa della mancanza di indicazioni precise e, non in ultimo, perché questo ambiente viene tralasciato dalle guide turistiche. Gli avventori possono facilmente visitare la cattedrale di Santa Maria del Fiore e restare ipnotizzati dalla cupola di Brunelleschi: al contrario, molti non si addentrano di proposito nell’area sotterranea che ospita questo museo, ma vi incappano involontariamente se scendono per visitare il gift shop. Santa Reparata, proprio perché situata sotto Santa Maria del Fiore, è parte dell’OPA, l’ente che mantiene il museo, il campanile e il battistero e che, consapevole della situazione poco felice del luogo, offre un biglietto combinato grazie al quale le persone possono visitare il Museo dell’Opera del Duomo, il campanile, così come questo sito particolare.

Una volta nei sotterranei, però, i visitatori restano affascinati dall’aspetto della chiesa vista come sito archeologico. Il museo è organizzato in tre sezioni separate: le differenti aree espositive contribuiscono ad accrescere nell’osservatore la percezione dell’accurata costruzione storica dell’antica cattedrale. Subito entrando ci si ritrova in un primo ambiente centrale che suddivide l’esposizione in tre parti, una al centro e due ai lati, che affrontano la cattedrale da diversi punti di vista.

L’area centrale ospita gli unici manufatti artistici di quel tempo che ci sono pervenuti ad oggi, con calici e spade che giacciono in una vetrina senza alcun cartellino e che lasciano il visitatore alle sue congetture perché possa indovinarne l’uso o la committenza. La sezione a sinistra, lo spazio più completo e dettagliato, è stato provvisto di una passerella rialzata che si muove, sopra gli elementi architettonici archeologici, fino a coprire i tre secoli delle fasi di sviluppo. I tre livelli permettono all’osservatore di vedere l’evoluzione della cattedrale dal V all’XI secolo, cioè dal semplice mattone da costruzione alla creazione di pavimenti marmorei insieme ai mosaici pavimentali paleocristiani di influenza romana. Anche qui vi è carenza di didascalie, ma prima di incamminarsi lungo la passerella si incontrano tre piantine che hanno l’apposito scopo di illustrare accuratamente la crescita dello spazio e fanno sì che il visitatore continui per il percorso comprendendo e distinguendo allo stesso tempo i tre diversi livelli di materiale. La sezione a destra dell’entrata al museo non comprende pezzi archeologici, ma è allestita come una cappella (vi hanno luogo talvolta, infatti, alcune celebrazioni), ancora senza cartellini, cosicché chiunque entri possa avere un’idea di come Santa Reparata apparisse durante le funzioni religiose. Anche qui gli archeologi hanno scoperto solo parzialmente i diversi livelli di decorazione parietale ad affresco, i quali a loro volta corrispondono alle varie fasi di costruzione delle pareti in prossimità della supposta collocazione dell’altare. Il ritrovamento parziale dei mosaici rende visibile immergersi nella prospettiva dei rispettivi stili artistici dei tre periodi di tempo.

Non esiste un curatore specifico per il museo di Santa Reparata, ma gli archeologi hanno strategicamente condotto i loro scavi in maniera tale da fornire al pubblico una chiara percezione visiva dei concetti che stanno dietro ai livelli cronologici di ricostruzione della prima cattedrale di Firenze. Santa Reparata è un museo grandemente trascurato nella città; non solo serve da esempio per la fondazione della società al tempo dei romani, ma suscita anche curiosità riguardo a quali altri, invisibili, elementi architettonici anteriori al Rinascimento giacciono ancora sotto le strade di Firenze.