By Marta Gelli (University of Florence)

Showcased on the third floor of Villa Bardini until November 4, one hundred never before exhibited works illustrate not only a movement of Tuscan painting from the mid-19th century to the beginning of the 20th, but also an important period of collecting involving several generations of art lovers, who were often in direct contact with artists. This article attempts to show how the display choices of the curators communicate the atmosphere in which modern patronage developed.

If the visitor is not too tried after having ascended Costa San Giorgio or having walked through the Boboli and Bardini Gardens, he or she can enter the exhibition by foot instead of via the elevator. The visitor walks through diverse empty rooms (Museum Annigoni’s permanent collection will soon have a new installation) while peeking outside the windows. At first, the windows face the gardens and then lead to a glimpse of one of the most interesting views of Florence: from Santa Croce to the Cathedral and the Baptistery, etc. Finally, having climbed the last flight of stairs, following signs pointing the way, the visitor encounters a large panel with the title of the exhibition. From here the curators, Francesca Dini and Alessandra Rapisardi, begin to tell their story in a fitting environment: the themes of the exhibition are portrayed against the backdrop of Florence, which is either the birthplace or adoptive home of the protagonists of this tale.

This story begins with a friendship between two Giovanni’s, Del Greco the surgeon and Fattori the painter, brought together by shared Garibaldian sentiments. This connection brings about a patronage and eventually leads to a collection with an important role played by Alessandro Roster, doctor and colleague of Del Greco. Roster marries Emma Del Greco and finds himself in possession of a group of works that he is able to enrich, thanks to his connections with artists, often collectors themselves. Eventually, their daughters, Renata and Rita, become Mrs. Rapisardi and Mrs. Olschki and form new families that continue collecting both precursors of the Macchiaioli painters and of later artists of the 20th century.

Each of these situations is highlighted through the organization of the exhibit. Those who have been misled by the title of the exhibit and expect the paintings to be arranged in chronological order will find that the rooms convey different themes, each an episode of a continuing story told by carefully chosen works and very clear panels, in both Italian and English. Even visitors who have not heard of the Macchiaioli artists—the focus of one of the first rooms—will come to know the artistic movement simply by glancing at the main artists. The works are placed one next to the other for comparison in this successful didactic display. A small room worthy of mention is one that contains thirteen never before exhibited works by Giovanni Mochi, an artist educated at the Academy of Design in Florence and the Caffè Michelangelo, as seen in the first four paintings. They are arranged counter-clockwise from the door to the window, with the window representing the interruption between his Italian experience and the evolution of his career. As the director of the Academy of Fine Arts in Santiago, Chile, he promoted artistic studies from life, visible in his Donna che infila l’ago (Woman Threading a Needle) and Donna che beve mate (Woman Drinking Mate).

The most anticipated room, however, is the one dedicated to Fattori. If the visitor has been looking for his name since the beginning of the exhibit, finally he or she will find it on the labels beneath these works. Luckily, all of the captions are legible and easy for the viewer to see. The importance of this space is also clear by its size: it is much bigger than the other rooms. Here the friendship between the painter and Giovanni Del Greco is shown in three paintings, where the latter is portrayed with his Garibaldian friends. If one looks for the surgeon among the soldiers, it is impossible to miss him, as he is the only figure with a defined portrait. Of the other works in the room, the visitor can especially appreciate Fattori’s black and white watercolor covered by glass on a table in the center, as well as two paintings portraying horses with hair so shiny that one might be tempted to pet them. This may derive from the fact that this is the only room in which sunlight shines on every wall. While most of the other rooms use artificial lighting, the spotlights are pointed so as to not disturb the view, avoiding the usual glare.

The common thread linking every room on the third floor of Villa Bardini is the relationship between patrons and artists, which is visually underlined by photographs from family archives. However, the viewer is immediately struck by the most evident theme: the wonderful forest green background. The soothing fabric covering the walls perfectly matches the palette of each painting, from the historic center of Florence to the Maremma and Castiglioncello to the Island of Elba.

In fact, this island is displayed at the end of the exhibit with both photographs and paintings by Llewelyn Lloyd. There, he bought a house not far from where the Olschki family spent their summer holidays. He easily befriended the family, leading Marcella Olschki to state, “What a blessing it was that he was able to live and paint in such harmony, such emotion to be able to immortalize that period in our lives.”

Blessing or not, the visitor may think it fortunate to have had such sensible families to enrich the original collection and preserve eighty years of Tuscan painting. All in all, it is a successful exhibition, thanks to the organization and display, which are didactic without straining the eyes or mind with too much information. Here, in just an hour, the visitor can travel one hundred years into past.

Exhibit hours are Tuesday to Sunday, 10 am 7 pm, closed Monday. Tickets to the exhibit cost 8 euros. The Villa Bardini is located on Costa San Giorgio, 2. For more information, visit the web site: http://www.bardinipeyron.it

 

Da Fattori al Novecento

di Marta Gelli (Università di Firenze)

Ospitate al terzo piano di Villa Bardini fino al 4 novembre, un centinaio di opere, perlopiù inedite, illustrano non solo un momento pittorico toscano che va dalla metà del XIX secolo ai primi decenni del successivo, ma anche un importante episodio di collezionismo che coinvolge più di una generazione di amatori d’arte spesso a contatto diretto con gli artisti. Questo articolo tenta di mostrare come le scelte espositive delle curatrici siano capaci di far percepire e conoscere all’osservatore l’atmosfera in cui questo episodio di mecenatismo moderno si sviluppò.

Se il visitatore non sarà troppo stanco per aver percorso la salita di Costa San Giorgio fino ad arrivare al numero civico 2, oppure per aver camminato in lungo e in largo per i giardini di Boboli e Bardini, potrà scegliere di raggiungere la mostra a piedi anziché con l’ascensore. Così egli attraverserà diverse sale ancora vuote (il Museo Annigoni, con la sua collezione permanente, avrà infatti un nuovo allestimento), ma avrà l’opportunità di sbirciare fuori dalle finestre; dapprima esse si affacceranno sui già citati giardini, poi arriveranno a far scorgere frammenti di una delle più interessanti vedute di Firenze, da Santa Croce alla cattedrale, al battistero… Finché, salita l’ultima rampa di scale, sempre guidato da utili cartelloni con frecce che indicano dove si trova l’inizio del percorso, non si imbatterà in un grande pannello dove campeggia il titolo della mostra.  Da qui le curatrici, Francesca Dini e Alessandra Rapisardi, possono cominciare a raccontare, in un ambiente appropriato: perché lo spettacolo di cui si gode dalle finestre dei corridoi e dalla terrazza panoramica fa in qualche modo da contesto e da riscontro visivo immediato alle tematiche delle opere in mostra, e Firenze è il luogo natale o di adozione, di formazione, dei personaggi che qui sono protagonisti.

Si tratta della storia di un’amicizia tra due Giovanni, un chirurgo e un pittore, rispettivamente Del Greco e Fattori, accomunati dall’aver provato gli stessi sentimenti garibaldini. Tale legame, che dà vita ad una committenza, successivamente sfocia in una collezione in cui un ruolo importante è senz’altro quello di Alessandro Roster: medico e collega di Del Greco, ne sposa la figlia Emma e si trova in possesso di un gruppo di opere che si arricchisce, anche grazie ai rapporti da lui intrattenuti con artisti, a loro volta spesso collezionisti. Successivamente le figlie Renata e Rita diventano le signore Rapisardi e Olschki: nuovi nuclei familiari che proseguono con gli acquisti, e una collezione che finisce per annoverare sia alcuni precursori della macchia, sia artisti successivi che inaugureranno il XX secolo.

Ognuna di queste vicende, e non solo, è evidenziata dall’ordinamento dell’esposizione: chi si aspetta, forse ingannato dal titolo, una sequenza di quadri disposti in ordine cronologico, resterà sorpreso nell’entrare in sale accomunate da tematiche tutte diverse ma collegate, ben illustrate da chiari pannelli esplicativi in italiano e inglese come, del resto, da un’accurata selezione di opere. Così, anche coloro che non avessero mai sentito parlare dei Macchiaioli, cui è dedicata una delle prime stanze, potranno conoscere il movimento artistico passandone in rassegna i principali protagonisti, esposti l’uno accanto all’altro con la possibilità di confrontarli: un’operazione didattica riuscita. Un’altra saletta che merita menzione è quella che raccoglie tredici opere inedite di Giovanni Mochi, artista formatosi all’Accademia del Disegno di Firenze e poi al Caffè Michelangelo, come traspare dalle prime quattro pitture disposte in senso antiorario dalla porta fino ad una finestra. Questa, come un’interruzione di ritmo, separa nettamente le esperienze italiane dell’artista dall’evolversi della sua carriera come direttore dell’Accademia di Belle Arti di Santiago del Cile, dove promuoveva uno studio del soggetto dal vero, qui  decisamente testimoniato da Donna che infila l’ago e Donna che beve mate.

Ma forse la stanza più attesa, col nome più cercato sui cartellini, peraltro molto leggibili e inequivocabili, posti sotto i quadri senza rischio di sbagliare né di sforzare la vista, è quella in cui sono esposti i dipinti di Fattori; e la centralità dell’ambiente è dichiarata dalle sue stesse dimensioni, ben più ampie rispetto alle sale precedenti. Il rapporto amichevole tra l’artista e Giovanni Del Greco viene qui rivelato con l’esposizione di tre quadri in cui quest’ultimo è raffigurato tra i compagni garibaldini. E se si cerca, tra le pennellate dei soldati ritratti, il medico chirurgo, è impossibile non trovarlo: il suo volto è l’unico che abbia dei tratti somatici definiti. Tra le opere che fanno da contorno a questa specie di trittico sono da apprezzare particolarmente un suo acquerello nei toni del grigio, esposto quasi in solitaria al centro della sala su di un tavolo rigorosamente coperto da un vetro, e due dipinti di cavalli dal pelo talmente lucente che verrebbe voglia di accarezzarli. La sensazione è forse accentuata dal fatto che questa è l’unica stanza in cui i raggi del sole penetrano decisamente e rischiarano tutte le pareti: per quasi tutte le altre infatti è stata scelta un’illuminazione artificiale affidata a dei faretti che, diversamente da come spesso accade, sono puntati in modo da non disturbare la visione delle opere.

Se c’è un fil-rouge concettuale che lega ogni ambiente del terzo piano di Villa Bardini e che si rintraccia appunto nel continuo rapporto tra i collezionisti e gli artisti, ribadito visivamente anche da parecchie fotografie provenienti dagli archivi familiari, ve n’è un altro, ben più evidente a prima vista, ma si tratta di un fil-vert: lo sfondo di tutte queste opere è costituito da un tessuto di un magnifico color verde bosco che ricopre e riveste i supporti su cui sono montate le cornici. Ed è perfettamente intonato alla tavolozza di ognuno di questi artisti, che raffigurino il centro di Firenze,  la Maremma e Castiglioncello o l’Isola d’Elba.

Proprio questo luogo è esposto e affrontato a chiusura della mostra, sia tramite fotografie che con i dipinti di Llewelyn Lloyd, che acquistando una casa sull’isola toscana non lontano da quella dove la famiglia Olschki passava i mesi più caldi, strinse con essa un rapporto tale da far affermare a Marcella: “Che benedizione è stata che lui abbia vissuto e qui abbia così gloriosamente dipinto da poter fermare quel tempo della nostra vita”.

Per quanto ci riguarda, rivedendo questa citazione, si tratti di una benedizione o meno, è comunque una fortuna “che queste famiglie abbiano vissuto e, avvedute, abbiano così gloriosamente arricchito il nucleo originario di una collezione, in grado di poter fermare circa ottant’anni di pittura toscana”. E poi è piacevole visitare una mostra del genere, in cui ordinamento e allestimento risultano efficaci dal punto di vista didattico, in cui occhio e mente non si stancano a causa di un numero di opere troppo elevato o troppo simili, in cui in una sola ora è possibile fare un tuffo nel passato e tornare indietro di cent’anni.

Per maggiori informazioni visitare il sito http://www.bardinipeyron.it

By Marta Gelli (University of Florence)

Museum of Planetary Sciences: these words do not necessarily inspire interest for those who are not already science enthusiasts; rather, they may provoke hesitancy and diffidence when faced with something that seems impossible to understand. Many people (including the inhabitants of Prato) ignore the museum’s existence or refuse to go. However, this is an error, for the aim of this institution is the same as every other scientific museum: sharing knowledge. In this case, the goal is to illustrate the birth and evolution of the Solar System to a wide range of people, especially children and teenagers. In fact, there is a specific area dedicated to this age group, with many different educational exhibits. But more on this later.

These types of museums may already be less engaging for the public and, if this was not enough, this one is hindered by both poor marketing and location. It is not in the center of the city (though it may be reached with public transportation) and is somewhat hidden among larger buildings. It is tucked away in this area, for the young Museum of Planetary Sciences was founded in the late 90’s in an abandoned fire station. In this complex of buildings intended for another use, the exhibit space encompasses the first floor. One enters the courtyard through a large red gate and, upon entering the museum, is struck by the brightly illuminated bookshop window in this dimly lit ambiance.

Welocming the visitor is a clear panel with a map of the museum, useful for understanding what will be encountered inside. Immediately, one may feel drawn to a glimpse of monitors between fluttering curtains that need only be pushed aside to enter the so-called Quadrisphere. Then, by pressing a red button, one may take part in a unique experience of sight and sound: with a kaleidoscope effect, a video plays to the unmistakable tunes of Beethoven. Starting with the Big Bang, it shows reconstructions from the birth of the Universe up to life on Planet Earth. After this telling introduction, the visitor may feel more encouraged to go ahead along a corridor with grey cast iron panels creating curving lines on the sides. This alternation between concave and convex forms provokes ever new interest in the viewer. Before entering the actual exposition rooms, he or she will pass by the planets of the Solar System, represented by scale reproductions hanging from the ceiling, with corresponding multimedia stations illustrating each in detail. These monitors replace the traditional instructive panels, as the main theme of each room or display is presented here; the most interesting aspect is that one may obtain introductory information directly from the station by clicking on the section called, “Ask the Scientist.”

In short, what is on display at the Museum of Planetary Sciences? The rooms are thematically organized with cases in the middle or built into the walls. They contain mostly important fragments of meteorites (divided into chondrites and impactites) and minerals – that is, all that is examined by those who study the formation of the Universe. Each specimen is placed on its own stand where both its respective scientific names and its area of origin are indicated. Don’t be surprised to find objects from Africa or South America, as many of these pieces have been donated by members of scientific expeditions, which, along with laboratory research, are one of the main activities of the museum. However, didactics are not forgotten. In the case of the meteorites, this is highlighted through explicative panels mounted behind the fragments and useful dioramas. Moreover, those who have smart phones may enjoy the “Meteorite Hunt,” a game that uses the new QR code technology.

However, everyone is able to experience the phenomenon of fluorescent minerals, thanks to a case that may be turned off by the visitor. He or she can press a button to activate a Wood’s lamp that, emitting ultraviolet rays, shows the ability of certain minerals to temporarily emanate their own light. Even so, this display may be overshadowed by the rest of the mineral section, which is the last room, but without doubt the most spectacular, housing in its center a throne-like cylindrical case containing an extraordinary amethyst quartz from Bolivia. Surrounding this purple and white wonder, windows showcase several other unusually shaped and brilliantly colored fragments, a true pleasure to the eyes. So ends the usual path of the museum, unless the visitor also holds a ticket to the laboratory.

In this case, one gains access to the most dynamic and truly didactic section of the museum, called “Experiences with Galileo.” Here one finds several laboratories founded in 2009 as part of the program, “In Galileo’s Footsteps: Areas of Scientific Interest in Tuscany,” which received contribution from the Region of Tuscany and participation from the Department of Physics and Astronomy at the University of Florence, among other institutions. In these three white rooms, decorated with paintings of the universe by students of the Academy of Fine Arts in Florence, some experiments illustrate the characteristics of the Solar System and the voyage of man through space. Here, visitors may try their hands at pedaling from the Sun to the Earth like a photon (on a bicycle with 3D glasses), or may learn the importance of gravity simply by weighing themselves on Terrestrial, Lunar, or Martian scales. However, the favorite experiment of children is the one that lets them play with a remote control rover on a model of the surface of Mars. Each exhibit, intended mostly for a younger age group, has instructive panels stating “What to Do, What to See, and Why,” and this section continues to satisfy the public.

The museum has overall good intentions, but the negligence of certain details, like some nonfunctional monitors, dust on the cases, and spider webs in the corners of the doors, implies that there is still much to do concerning valuation, maintenance, and incentives to visit. In fact, most patrons are educational groups, geology or astronomy students, or children and teenagers who drag their parents there on a Sunday afternoon. The Museum of Planetary Sciences could possibly be more daring and present itself as a family museum. One last relevant detail is that illustrative material, such as brochures and explanative panels, is in Italian. But have no fear: at the ticket office, one may borrow an English video guide for free, and images of headphones throughout the museum indicate the sections and areas where a foreign visitor may pause for more detailed information.

The Museum of Planetary Sciences is located on Via Galcianese, 20/H in Prato. For more information, including a digitized catalogue of the museum’s collections, see http://www.mspo.it

 

Il Museo di Scienze Planetarie di Prato

di Marta Gelli (Università di Firenze)

Museo di Scienze Planetarie: è un gruppo di parole che non suscita particolare interesse nei non cultori della materia, anzi, a volte provoca titubanza, reticenza difronte a qualcosa che sembra impossibile capire. Conclusione? Molte persone (gli abitanti di Prato in primis) o ignorano l’esistenza di questo luogo, o rifiutano di metterci piede. Questo è un errore, poiché lo scopo dell’istituzione pratese è proprio quello che ogni museo scientifico si prefigge: la divulgazione. In questo caso si tratta di illustrare e spiegare la nascita e l’evoluzione del Sistema Solare a varie fasce di pubblico, in particolar modo ai bambini e ai ragazzi, cui è dedicata addirittura un’apposita sezione; e gli strumenti con cui si tenta di insegnare sono davvero numerosi e diversi tra loro. Ma andiamo per ordine.

Questo tipo di museo è, apparentemente, poco accattivante per il pubblico, ed ulteriormente penalizzato da un lato dalla scarsa pubblicità, dall’altro dalla sua ubicazione: non si trova esattamente in centro (è comunque raggiungibile con i mezzi pubblici) e risulta un po’ nascosto e mimetizzato tra gli edifici della zona. Questo perché il giovane Museo di Scienze Planetarie è nato negli ultimi anni ’90 negli ambienti dell’ex-caserma dei Vigili del Fuoco, in un complesso cioè che era stato previsto per ben altro impiego, ed il percorso museale si sviluppa tutto al piano terra. Si accede varcando un grosso cancello rosso e oltrepassando il cortile sotto una tettoia, e la prima cosa che si nota entrando è l’illuminatissima vetrina del bookshop e dell’annessa biglietteria, proprio perché nell’ambiente regna la penombra.

A dare il benvenuto al visitatore è un chiaro pannello dove si vede riportata la mappa del museo, utile per capire che cosa si incontrerà procedendo. E subito, lì accanto, ci si può sentire attirati dal fluttuare di alcune cortine che lasciano intravedere dei monitor. Basterà scostarle, entrare nella cosiddetta Quadrisfera e schiacciare un pulsante rosso per sentirsi partecipi di uno spettacolo unico che coinvolge vista e udito: viene proiettato un filmato che con un gioco di specchi, sulle note inconfondibili di Beethoven, comincia col Big Bang e mostra la nascita dell’Universo, fino alla vita sul pianeta Terra. Dopo questa efficace introduzione ci si sente più stimolati a proseguire lungo il  percorso, costituito da un unico corridoio con ai lati dei pannelli metallici color ghisa disposti secondo linee curve, a creare un’alternanza tra forme concave e convesse, per suscitare sempre nuovo interesse nel visitatore che per arrivare nelle vere e proprie sale sfilerà accanto ai pianeti del Sistema Solare; questi sono rappresentati con modellini in scala appesi al soffitto e illustrati nel dettaglio da postazioni multimediali collocate lì in corrispondenza. Sono proprio queste ultime a sostituire i classici pannelli introduttivi, poiché il tema di ogni sala o vetrina si trova annunciato sui monitor, e l’aspetto più interessante è che il visitatore può ricavare le prime spiegazioni direttamente dalla postazione, cliccando sull’apposita sezione “Chiedi allo scienziato”.

Ma cosa è esposto, insomma, al Museo di Scienze Planetarie? Le sale, con ordinamento tematico, accolgono, all’interno di teche al centro o inglobate nelle pareti, principalmente numerosi ed importanti frammenti di meteoriti (divise tra condriti e impattiti) e minerali, cioè tutto ciò che viene indagato da chi studia la formazione dell’universo. Ogni esemplare è posto sul proprio supporto, su cui sono indicati sia i rispettivi nomi scientifici, sia le zone di provenienza, e non c’è da stupirsi se più volte si incontrano luoghi africani o sudamericani: gran parte di questi pezzi infatti è stata donata dai partecipanti alle spedizioni scientifiche, le quali fanno parte, come la ricerca di laboratorio, a tutti gli effetti dell’attività del museo. Senza mai dimenticare la didattica, nel caso delle meteoriti affidata ulteriormente a pannelli esplicativi appesi alle pareti delle vetrine, proprio dietro ai frammenti, o a utili diorami. Inoltre per i possessori di smartphone può essere divertente anche la “Caccia alla meteorite”, una sorta di gioco che si basa sulla nuova tecnologia del QR code.

Tutti invece sono in grado di scoprire il fenomeno della fluorescenza dei minerali grazie ad una teca che può farsi spegnere dal visitatore. Questi, cliccando su un comune interruttore, accenderà una lampada di Wood che, emettendo raggi ultravioletti, mostrerà la capacità che hanno certi minerali di emanare temporaneamente luce propria. Ma forse questa vetrina passa in secondo piano nella sezione sui minerali, che è l’ultima ma senza dubbio la più spettacolare che si incontra:  al centro della sala circolare troneggia una teca cilindrica contenente un enorme quarzo nella varietà dell’ametista, proveniente dalla Bolivia. Attorno a questa meraviglia bianco-violacea, su vari livelli sono disposti nelle vetrine delle pareti tanti altri frammenti dai colori brillanti e dalle forme più inconsuete, un vero piacere per gli occhi. Così termina il consueto percorso museale, a meno che il visitatore non sia munito anche del biglietto per il laboratorio…

In questo caso è possibile accedere alla sezione più dinamica e propriamente didattica del museo, chiamata “Esperimenta con Galileo”, dove sono collocati alcuni laboratori creati nel 2009 in occasione del programma “Sotto il segno di Galileo. Luoghi della Scienza in Toscana” col contributo della Regione e la partecipazione, tra gli altri, del Dipartimento di Fisica e Astronomia dell’Università di Firenze. In queste tre stanze dalle pareti bianche, in certi casi ornate da dipinti di studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze sul tema dell’universo, alcuni esperimenti si propongono di illustrare le caratteristiche del Sistema Solare ed il viaggio dell’uomo nello spazio. Qui si potrà provare l’ebrezza di pedalare (su di una cyclette, muniti di occhialini per visione in 3d) dal Sole fino alla Terra, come fa un fotone, o si capirà l’importanza della forza di gravità solo pesandosi su bilance terrestri, lunari o marziane; ma l’esperimento preferito dai ragazzini resta quello in cui ci si trova a radiocomandare un modellino di rover su quello che dovrebbe essere Marte. Ogni esperienza, pensata soprattutto per i più giovani, è dotata di proprie istruzioni riportate su pannelli suddivisi in – Cosa fare, – Cosa osservare, – Perché, e complessivamente si tratta di una sezione di cui il pubblico resta soddisfatto.

Il Museo ha, in definitiva, buoni spunti, ma la trascuratezza di certi dettagli, come il non funzionamento di alcuni monitor, la polvere depositata sulle teche, alcune ragnatele agli angoli delle porte, fanno intuire che c’è ancora molta strada da fare per quanto riguarda la sua valorizzazione, la manutenzione e l’incentivazione degli ingressi. La maggior parte dei paganti infatti sono scolaresche, studenti di geologia o astronomia, o bambini e ragazzi che riescono a trascinare con sé il padre e la madre la domenica pomeriggio: il Museo di Scienze Planetarie potrebbe forse osare di più e proporsi anche come museo per le famiglie. Un ultimo dettaglio di importanza rilevante: tutto il materiale illustrativo, che si tratti di una brochure o di un pannello esplicativo, è in italiano. Ma non c’è da aver paura: alla biglietteria si possono noleggiare gratuitamente delle video-guide anche in inglese, ed un logo con delle cuffie indicherà lungo il percorso le sezioni o le zone in cui il visitatore forestiero può soffermarsi ed avere informazioni più dettagliate.

 

Museo di Scienze Planetarie

Via Galcianese 20/H , 59100 Prato

Maggiori informazioni sul sito http://www.mspo.it , dotato anche del catalogo informatizzato delle collezioni del museo, da ricercare per nome o luogo di raccolta.

By Harineta Rigatos (Lorenzo de’ Medici)

While most women simply dream of entering stores such as Gucci, Prada, Fendi and Louis Vuitton and purchasing anything they want, in reality, most must get the satisfaction by walking by one of these windows. Many people do not enter these beautiful stores unless they are sure they can afford to purchase what they want. With this in mind, one’s caution on entering the Gucci Museum may be heightened, but so is the curiosity to see how it functions not only as a fashion house but also as a cultural institution to the public.

The House of Gucci was founded in 1921 by Guccio Gucci, an Italian businessman and fashion designer that began his career by selling leather bags to horsemen in the 1920’s.  From then on, the House of Gucci catered to all travel needs with its luxury items. Conceptualized by Gucci Creative Director Frida Giannini, Florence’s historic Palazzo della Mercanzia has been transformed into a contemporary space inspired by Gucci’s iconic motifs and symbols, which have been collected and conserved in order to document his creative universe and cultural influence. The Gucci Museum houses a permanent exhibition divided into different thematic rooms and accompanied by a contemporary art installation, allowing visitors to walk through the living empire of Gucci. Thinking of every detail, as Guccio Gucci would have done, the museum maintains a constant welcoming atmosphere for all guests and their permanent exhibition is particularly successful in making guests feel part of the exhibit, utilizing open displays, and incorporating clear themes.

Establishing a hospitable environment from the start, the visitor is first welcomed by a suited gentleman with a warm smile, creating the sense that one is entering as a guest rather than as a customer. He hands each visitor a small personal folder, which includes a map of the museum, as well as the museum’s business card. The man then informs visitors that he will give them a short personal tour of the museum, describing it as a once-in-a-lifetime experience. It is clear that the Gucci museum has accounted for every detail to make their guests feel comfortable in its space. The venue also includes a beautiful cafe, a restaurant, the iconic store, and the bookshop, which is a public library of art and design books. In every room of the exhibit, there is an attendant available to make guests feel comfortable and to offer insightful information about the exhibit and the pieces.

On the outside, the Palazzo della Mercanzia retains its original façade but, on the interior, the decor transforms to minimalist and contemporary, in order to showcase it as a living space that displays and communicates Guccio Gucci’s creations while incorporating the palazzo’s architecture and artifacts into the exhibit. The exhibition starts off respectfully displaying Gucci’s first handbag collection, accompanying it with a clean label with the proper historic information.

The conception of the space has been very well executed; specifically because of the way it interacts with the visitors through the displays. Rather than placing the display cases from wall to wall, they have been incorporated as if they were the main focus. The museum has utilized large clear cases with chic black metallic frames of non-traditional shapes and placed them in various positions throughout the room, creating a glamorous yet open and classic space. Leaving part of each glass case open allows the visitor to feel at one with the pieces. This immediately solves the issue of any light glaring on the glass and preventing proper viewing; when permitted, quality photographs can be taken, a crucial issue most museums retain to this day. Although nothing can be touched, it seems that the creators have specifically built the cases in this open way in order for the visitor to interact better with the pieces and to get a clearer view of the materials they are made of.

Every room is organized by an exact theme, such as “Duffle Bags” or “Flora,” tying together the objects and showcasing them very beautifully. The Flora themed room contains objects from Gucci’s tea set collection to beautiful colored sketches made for his floral-themed scarves. The displays do not need or utilize any extravagant backgrounds because the themes represented in the objects already illustrate the history of this living empire. The Gucci Museum endeavors to exceed the expectations one may have for it. Guccio Gucci had always striven for perfection in his products and the museum is an example of how his creativity is still continued with such excellence. The museum makes every guest feel part of the exhibit and displays the pieces in an elegant style.

 

Gucci Museo

di Harineta Rigatos (Lorenzo de’ Medici)

 Mentre molte donne soltanto sognano di poter entrare in negozi come Gucci, Prada, Fendi e Louis Vouitton e acquistare tutto quello che vogliono, in realtà molte di più si appagano semplicemente passando davanti alle loro vetrine. Di solito le persone non varcano la soglia di questi bellissimi negozi se non hanno la certezza di potersi permettere l’oggetto dei loro desideri: con ciò in mente, la cautela di chi entra a Gucci Museo può accrescersi, come d’altra parte la curiosità di vedere come si comporta verso il pubblico non solo una casa di moda ma anche un’istituzione culturale.

La Casa di Gucci è stata fondata nel 1921 da Guccio Gucci, un impreditore italiano e fashion designer che iniziò la sua carriera in questi anni vendendo borse di pelle agli appassionati di equitazione, per poi soddisfare i bisogni di tutti i viaggiatori con i suoi articoli di lusso. Progettato dal direttore creativo Frida Giannini, lo storico Palazzo della Mercanzia è stato trasformato in un ambiente contemporaneo inspirato dalle icone e dai simboli di Gucci, che sono stati raccolti e conservati per documentare il proprio universo creativo e le sue influenze culturali. Gucci Museo ospita una collezione permanente divisa in diverse stanze tematiche accompagnate da installazioni di arte contemporanea, permettendo ai visitatori di camminare attraverso l’impero vivente di Gucci. Prendendo in considerazione ogni dettaglio, come Guccio Gucci avrebbe fatto, l’esposizione museale è particolarmente riuscita perché mantiene un’atmosfera accogliente, facendo sentire gli ospiti parte della stessa mostra, utilizzando vetrine aperte e considerando temi chiari.

Creando un ambiente ospitale dall’inizio, il visitatore è subito accolto da un signore in divisa  con un sorriso cordiale, il quale consegnandogli una cartellina con una piantina e una business card lo farà sentire un ospite piuttosto che un cliente. Successivamente l’uomo si offrirà di condurre i visitatori brevemente lungo il percorso museale, descrivendo questo piccolo tour come un’esperienza da provare almeno una volta nella vita. È chiaro che il museo ha calcolato ogni dettaglio per far sentire a proprio agio i suoi ospiti, includendo un bellissimo caffè, un ristorante, il famoso negozio e un bookshop che funge anche da biblioteca pubblica per libri di arte e design. In ogni stanza inoltre un custode è in grado di fornire informazioni più approfondite sull’esposizione e sugli oggetti, accentuando la sensazione dell’ospite di sentirsi benvenuto.

All’esterno il Palazzo della Mercanzia mantiene la sua originale facciata, ma, all’interno, l’arredamento minimalista e contemporaneo lo trasforma in un ambiente vivo che mostra e racconta le creazioni di Guccio Gucci incorporando l’architettura e le preesistenze del palazzo. Il percorso prende avvio dalla prima collezione di borse di Gucci, accompagnate da cartellini dallo stile semplice con accurate informazioni storiche.

Lo spazio è stato così ben progettato perché l’allestimento potesse interagire alla perfezione col visitatore: piuttosto che porre le teche tutte allineate da parete a parete, esse sono state incorporate come se fossero punti d’interesse. Il museo utilizza grandi espositori con cornici nere metalliche di taglio non tradizionale, collocati nei più svariati modi all’interno della stanza, creando così uno spazio aperto ed elegante. Lasciare un lato di ogni vetrina libero permette al visitatore di sentirsi a tu per tu con i pezzi, ma le teche parzialmente aperte risolvono anche il fastidio di luci che si riflettono sul vetro e disturbano la corretta visione; inoltre quando è permesso si possono scattare fotografie di alta qualità senza ostruzioni, problema cruciale di molti musei al giorno d’oggi. Sebbene niente possa essere toccato, sembra che le vetrine siano state costruite in questo modo per fare interagire meglio il visitatore con i pezzi ed avere una visione più chiara dei materiali di cui sono fatti.

Ogni stanza è organizzata con un tema specifico, come “Borsoni” o “Flora”, legando molto bene oggetti ed esposizione: per esempio, la stanza chiamata “Flora” contiene pezzi che vanno dal set di thè di Gucci ai suoi magnifici schizzi per sciarpe dallo stesso motivo floreale. Gli espositori non necessitano di sfondi stravaganti perché i temi rappresentati dagli oggetti stessi illustrano già la storia di questo impero vivente. Gucci Museo si sforza di superare le aspettative che si potrebbero avere nei suoi confronti, come del resto Guccio Gucci ha sempre provato a cercare la perfezione nei suoi prodotti: il museo è un esempio di come la sua creatività tenta ancora oggi di raggiungere l’eccellenza. Il museo fa sentire ogni suo ospite parte dell’esposizione e mostra gli oggetti in uno stile molto elegante.

By Megan Hamby (Lorenzo de’ Medici)

Since June, the famous Uffizi Gallery has been playing host to a delightful Gothic art exhibition that gives viewers the opportunity to see works from different Florentine artists during the 14th and 15th centuries. The exhibition, dubbed a sequel to the previous 2008 show entitled Legacy of Giotto: Art in Florence, 1340-1375, is a surprisingly large display of painting, sculpture, manuscripts and a variety of other artworks. The exhibition is organized chronologically with highly distinguished sculptures and paintings, as well as other little-known yet important works, including marble and wood sculptures, busts, and religious reliquaries that complement these artists throughout the show. Overall, the exhibition offers an insightful view of art and history in the late Gothic and early Renaissance periods. It specifically works to enhance the visitor’s understanding, through the use of arrangement and description, as well as utilizing the evolving use of technology.

There is a balance in the arrangement of the show, which provides a flow for the viewers walking through. The show is organized chronologically, with each work having enough space without providing an overwhelming sense of confinement or over-crowding in such a limited area. The themes that are given to each room offer a narrative of what is in the room and are then tied together with the overall Gothic theme of the exhibition. In one room labeled, “Classical and Secular Books,” one can find pristine and beautiful illuminated manuscripts, including two original copies of Dante Alighieri’s Divine Comedy. The illuminated manuscripts also include a section of “Liturgical and Religious Books,” with a collection of handwritten choir sheet music. The “Humanist Prelude” room contains multiple sculptures by the likes of Donatello on loan from the Orsanmichele Museum. These works are accompanied by vibrant paintings representing the emergence of Humanism during that time period. Each arrangement and theme provides an essence that feeds back into the main description of what was considered avant-garde and innovative at the time. Each work has a wall text that reveals the original location or use of the piece that was quite interesting because it does not just tell you about the artist or the period the work was created in. Instead, it provides information on the object and where it came from.

The main attraction is the recently restored painting entitled The Battle of San Romano, one of three panels by the Florentine painter Paolo Uccello. Although separated, with one at the National Gallery in London and the other at the Louvre Museum in Paris, the panel on display at the Uffizi is nothing short of breathtaking. Offering a glimpse of the battle fought between Florence and Siena in the early 1430s, the panel is displayed with drawings on either side to represent its missing mates in London and Paris. In a separate room a video installation plays, entitled The Cruel Tournament of San Romano: Ideal Reconstruction of the Battle. The video is projected on a wall in Italian with English subtitles and gives viewers insight into the history of the battle as well as the painting. The video proves to be a useful tool to better understanding Uccello’s painting and gives viewers the chance to gain enhanced knowledge of what they are observing, rather than just presenting the painting with a simple label. Not only does the exhibit include particularly informative wall texts, but it also offers several ways to interact with the viewer. Shot with live action sequences, as well as images of the panels, this is the perfect way to show modernism in an exhibition displaying works from the Gothic and Renaissance periods. To complement the technological theme of this display, there is also an added touch screen where viewers can click on the different parts of Uccello’s painting and receive a detailed analysis of each portion displayed.

This exhibition is a must-see while enjoying your stay in Florence. It was curated by Antonio Natali, Enrica Neri Lusanna and Angelo Tartuferi. The exhibition will be on display at the Uffizi Gallery until November 4, 2012. For more information, see http://www.uffizi.firenze.it/it/mostre/mostra.php?t=4fc6445bf1c3bc4016000000

Bagliori Dorati: il Gotico Internazionale a Firenze. 1375-1440

di Megan Hamby (Lorenzo de’ Medici)

 Da Giugno la famosa Galleria degli Uffizi accoglie una piacevole mostra sull’arte gotica che dà ai visitatori l’opportunità di vedere opere di diversi artisti fiorentini del XIV e XV secolo. La mostra, ritenuta il sequel della precedente “L’eredità di Giotto. L’arte a Firenze, 1340-1375”, svoltasi nel 2008, è una sorprendente esposizione di dipinti, sculture, manoscritti e una varietà di altri capolavori. Il percorso, organizzato cronologicamente, include sia pezzi molto famosi che  opere meno conosciute ma altrettanto raffinate, come sculture di marmo e legno, busti e reliquiari che testimoniano continuamente il lavoro dell’artista. Nel complesso la mostra offre uno sguardo penetrante sull’arte e sulla storia nei periodi del Gotico e del primo Rinascimento; è anche in grado di stimolare l’apprendimento del visitatore non solo con la semplice disposizione delle opere e la loro illustrazione, ma anche tramite l’uso delle nuove tecnologie.

La sistemazione delle opere d’arte è bilanciata in modo tale da lasciare il visitatore camminare agilmente lungo il percorso senza che si senta sopraffatto dal senso di claustrofobia o sovraffollamento, poiché ad ogni oggetto è riservato abbastanza spazio. I temi affrontati in ogni stanza raccontano e spiegano cosa si trova all’interno di ognuna di esse, il tutto sempre legato all’argomento principale della mostra, cioè il Gotico. In una stanza, chiamata “Libri Classici e Secolari”, si possono trovare bellissime e altresì intatte copie di codici miniati, inclusi due esemplari della Divina Commedia di Dante Alighieri; tra questi è apprezzabile anche una sezione di “Libri Liturgici e Religiosi”, con una collezione di fogli per musica scritti a mano. La sala che riguarda il preludio umanista invece accoglie numerose e importanti sculture, come quelle di Donatello  e Brunelleschi In prestito dal Museo di Orsanmichele, costantemente accompagnate da vivaci dipinti che rappresentano l’emergere dell’Umanesimo. Sia la disposizione delle opere che le loro tematiche testimoniano l’essenza di ciò che era considerato all’avanguardia e innovativo a quel tempo. Ogni pezzo ha un proprio pannello che ne descrive nella fattispecie la collocazione originaria o l’uso per cui doveva essere stato pensato. Questo è davvero interessante perché si hanno molte più informazioni che solo sull’artista e sul periodo in cui il lavoro veniva realizzato: infatti ci sono molte notizie sull’oggetto, sulla sua provenienza e quindi sul suo contesto.

L’attrazione principale è ad ogni modo il quadro, recentemente restaurato, intitolato La battaglia di San Romano, uno dei tre grandi dipinti del pittore fiorentino Paolo Uccello; sebbene siano separati, uno alla National Gallery di Londra, l’altro al Musée du Louvre a Parigi, la tavola in mostra agli Uffizi resta comunque straordinaria. Offrendo uno scorcio della battaglia tra Firenze e Siena negli anni ’30 del XV secolo, il dipinto è esposto insieme alle riproduzioni delle opere di Londra e Parigi che gli sono ai lati in forma di disegni. In un ambiente diverso un filmato sul torneo di San Romano mostra la ricostruzione ideale della battaglia e, proiettato su una parete in italiano con sottotitoli in inglese, rende partecipe l’osservatore della storia e lo coinvolge nella realizzazione del dipinto. Così il video si dimostra un utile strumento per far conoscere meglio al visitatore l’opera di Paolo Uccello, con informazioni più approfondite rispetto a quelle che fornirebbe una classica didascalia. La mostra non solo include testi particolarmente esplicativi, ma offre anche molti modi per far interagire l’osservatore. Il filmato alterna scene girate da attori in carne ed ossa e immagini tratte dal dipinto, un modo efficace di inserire del modernismo in un’esposizione temporanea di opere che vanno dal Gotico al primo Rinascimento. Sempre riguardo al tema della tecnologia usata in questa occasione, si può menzionare un ulteriore dispositivo touch screen dove si può cliccare su differenti porzioni del dipinto per ottenere particolari spiegazioni in proposito e avere un’analisi più dettagliata.

La mostra, curata da Antonio Natali, Enrica Neri, Lusanna e Angelo Tartuferi, resterà aperta presso la Galleria degli Uffizi fino al 4 Novembre: non perdetevela durante il vostro soggiorno a Firenze! 

By Kathleen Adam (Lorenzo de’ Medici)

The Salvatore Ferragamo Museum in Florence recently opened the exhibition Marilyn, curated by Stefania Ricci and Sergio Risaliti, which artfully tracks the rise of the famous icon, Marilyn Monroe, into stardom. Ricci and Risaliti have collected a very impressive array of artifacts in this exhibition. The curators use photographs ranging from Marilyn’s childhood to the height of her stardom until shortly before her death. These photographs are often of Monroe off-screen and appear interspersed with correspondence, news articles, videos, sculptures and, of course, shoes and clothing. As a result, Ricci and Risaliti successfully convey a side of Marilyn that not everyone may have known about.

Throughout the exhibition, quotes from Marilyn’s personal poetry, correspondence and journals highlight the intellectual and driven nature of this woman, who so often was seen as a blonde bimbo. Another interesting element of this show is how the curators chose to convey Monroe as an inspirational muse. For example, in the first room, a contemporarily-made rotating bomb coated in mirrors (like a disco ball) was installed with news clippings declaring Monroe a bombshell beauty. In the next room, a hologram fades back and forth between Sandro Botticelli’s Birth of Venus to a photograph of Marilyn on the beach in the same position. A copy of the Medici Venus and a small Venus bronze are also nearby. Other similar connections use ancient, Renaissance and contemporary sculpture to illustrate the classic beauty of Marilyn Monroe.

Of course, there are also the famous Ferragamo shoes. The curators display shoes that Monroe wore everyday, as well as on screen. Interestingly, shoes are not the focus of this exhibit (although the viewer is not disappointed). Rather, the persona and force of who Monroe was and still is today overtake the viewer, especially in the last room. This room is filled with dresses and costumes that Monroe wore on screen. In the middle, a screen shows clips from various movies of Marilyn wearing the clothing on display, paired with her unique voice. It is impossible to escape Monroe in this room, she fills it without even being there.

Marilyn provides a multifaceted view of a star surrounded in mystery and shadow. It provides multiple perspectives of who Marilyn Monroe was and what she represents today. The curators bring together many art forms and types of media in a relatively small space without overwhelming the viewer or disrupting the flow. Some of the large text panels could have been condensed and better placed and their English could have been reviewed more carefully, but, overall, the show was excellently executed.

 

Marilyn al Museo Ferragamo

 di Kathleen Adam (Lorenzo de’ Medici)

Il Museo Salvatore Ferragamo di Firenze ha recentemente inaugurato la mostra Marilyn, curata da Stefania Ricci e Sergio Risaliti, che segue la nascita della famosa icona Marilyn Monroe fino alla celebrità. Ricci e Risaliti hanno raccolto in questa mostra una serie impressionante di manufatti. I curatori hanno utilizzato fotografie che vanno dall’infanzia di Marilyn, passando per il culmine della sua notorietà fino ad arrivare a poco prima della sua morte. Queste fotografie rappresentano spesso la Monroe fuori dal mondo del cinema e sono intervallate da corrispondenza, articoli di giornale, video, sculture e, naturalmente, scarpe e vestiti. Di conseguenza, Ricci e Risaliti hanno trasmesso con successo un lato di Marilyn che non tutti potevano conoscere.

Attraverso tutta la mostra, citazioni di poesie personali di Marilyn, lettere e ritagli di giornale evidenziano la natura intellettuale e la condotta di questa donna che molto spesso è stata vista solo come una bionda bambina. Un altro elemento interessante di questa esposizione è dato dal modo in cui i curatori hanno scelto di rappresentarla come musa ispiratrice. Per esempio, nella prima stanza, è stata installata una contemporanea palla rotante rivestita di specchi (simile a una palla da discoteca), realizzata con ritagli di giornale che dichiarano la bellezza esplosiva di Marilyn. Nella sala seguente, un ologramma a dissolvenza paragona la Nascita di Venere di Sandro Botticelli e una fotografia di Marilyn sulla spiaggia nella stessa posizione. Si trovano nelle vicinanze anche una copia della Venere de’ Medici e un piccolo bronzo di Venere. Altri collegamenti simili tra scultura antica, rinascimentale e contemporanea sono stati usati per illustrare la bellezza classica di Marilyn.

Naturalmente sono esposte anche le famose scarpe di Ferragamo. I curatori mostrano come la Monroe indossasse lo stesso genere di calzature sia sul grande schermo sia nella vita. È interessante notare come le scarpe non siano al centro della mostra (comunque lo spettatore non resta deluso). Piuttosto la persona e la forza di chi era ed è tuttora la Monroe soverchiano lo spettatore soprattutto nell’ultima stanza. Questa sala è piena di abiti e costumi che Marilyn indossava al cinema. Al centro uno schermo mostra spezzoni dei vari film dell’attrice nei quali indossava gli abiti esposti in mostra, il tutto accompagnato dalla sua voce unica. È impossibile sfuggire alla Monroe in questa stanza, la riempie senza neppure essere presente.

La rassegna Marilyn fornisce la visione multiforme di una stella circondata dal mistero e dall’ombra. La mostra dà una multipla prospettiva di chi fosse Marilyn Monroe e cosa rappresenta oggi. I curatori hanno raggruppato molte forme d’arte e testimonianze tratte da diversi mezzi di comunicazione in uno spazio relativamente piccolo, senza sovraccaricare lo spettatore o interrompere il flusso. Alcuni dei grandi pannelli esplicativi avrebbero potuto essere condensati e meglio posizionati e la versione inglese avrebbe dovuto essere più curata, ma nel complesso la mostra è stata realizzata in maniera eccellente.

By Chiara and Gina Berni (Lorenzo de’ Medici)

The Archaeological and Art Museum of the Maremma, inaugurated in 1975, is found in the center of Grosseto in the nineteenth-century palace of the former Court House, and is made up of three floors.

The first section is entirely dedicated to archeology and is constituted by a group of Etruscan urns and ceramics from the areas of Volterra and Chiusi, dating back to the Hellenistic era. These come from the collection of the canon, Chelli, an intellectual from Siena who donated, in addition to his archaeological collection, his own library and 150 paintings to the Comune di Grosseto on March 30, 1865.

The next section, which plays a fundamental role in the museum’s exhibition space, is dedicated to the Etruscan city Roselle, which was inhabited from the 7th century BC and whose remnants can be found on a hill a few kilometers from Grosseto. Coming from this settlement are an antique stele, kraters decorated with red and black figures tracing back to the end of the 6th century BC, as well as fragments of vases and cups in bucchero, testifying to the existence of local ceramic production. Found at the necropolis were objects of personal adornment, including combs made of bone, an amber necklace and bronze bracelets. In 294 BC, the city was conquered by the Romans, becoming one of their colonies. During the Imperial Age, the city center witnessed the construction of public and private buildings, where archeologists discovered stone inscriptions, amphorae for transporting fish, instruments for fishing, as well as a group of marble statues and portraits dating from 50 BC.

The third part of the museum is devoted to archaeological finds from other Etruscan cities in the province of Grosseto: Vetulonia, Pescia Romana, Marsiliana and Vulci.

Among the most interesting objects on display is the oldest example of the Etruscan alphabet, made on an ivory support from the “Circle of Ivories” of Marsiliana. The tablet bears the letters of the alphabet, reading from left to right; it was used for educational purposes, as it was covered in a wax layer, in which students made inscriptions. From Marsiliana comes a peculiar funeral chest. This last item is characterized by one particular detail: among those artifacts found by archaeologists in the chest are writing instruments, signifying of the social prestige of the deceased.

Furthermore, the museum’s collection also includes votive objects, bronze fibulae, urns in the form of huts, and amphorae used for the transport of fish, oil and figs. One of the most precious pieces of the collection was found in Pescia Romana: a beautiful geometric vase in the traditional krater shape, accompanied by a lid made around 730 BC.

The last section of the museum, dedicated to sacred art, is from the Diocesan Museum, which joined the archaeological section in 1975. The collection is composed of wood and marble sculptures, holy vestments, choral manuscripts and paintings from Siena, including the Last Judgment by Guido da Siena from 1280 and the Madonna of the Cherries by Stefano di Giovanni, known as Il Sassetta.

As is evident from the description, the Archaeological and Art Museum of the Maremma aims to highlight its local context and history.

 

Archaeological and Art Museum of the Maremma

Piazza Baccarini, 3, Grosseto

Opening hours:

from September 1 to November 4:
from Tuesday to Friday, 10:30 am -7 pm
Saturday, Sunday and holidays: 10 am-1 pm and 4 pm-7 pm.

Hours are subject to change.

Tickets:

Full price 5 euro; Reduced price 2.50 euro

For more information and to make reservations:

0564 488750

[email protected]

 

Museo Archeologico d’Arte della Maremma

 di Chiara e Gina Berni (Lorenzo de’ Medici)

Il museo archeologico della Maremma, inaugurato nel 1975, ha sede nel centro di Grosseto presso il palazzo ottocentesco dell’ex Tribunale e si articola su tre piani.

La prima sezione è interamente dedicata all’archeologia ed è costituita da un gruppo di urne etrusche, buccheri e ceramiche delle zone di Volterra e Chiusi risalenti all’età ellenistica. Queste provengono dalla raccolta del canonico Giovanni Chelli, un intellettuale senese, che donò, oltre alla sua collezione archeologica, la propria biblioteca e 150 dipinti al Comune di Grosseto il 30 marzo 1865.

La sezione successiva, che occupa un ruolo fondamentale nell’allestimento del museo, è dedicata alla città etrusca di Roselle, che fu abitata dal VII secolo a.C e i cui resti si trovano su un’altura a pochi chilometri da Grosseto. Da questo insediamento provengono, a testimonianza dell’esistenza di una produzione locale di ceramica, frammenti di vasi e tazze di bucchero, una stele arcaica e crateri decorati con figure rosse e nere risalenti alla fine del VI secolo a.C. Dalla necropoli sono stati rinvenuti oggetti di ornamento personale tra cui una collana in ambra, pettini in osso e bracciali in bronzo. Nel 294 a.C. Roselle fu conquistata dai Romani e divenne una colonia, mentre in età imperiale, nel centro urbano, furono costruiti edifici pubblici e privati di cui sono state rinvenute iscrizioni lapidee latine, un gruppo di statue e ritratti realizzati in marmo risalenti al 50 d.c., anfore per il trasporto del pesce, strumenti per la pesca e vasellame.

La terza parte del museo è dedicata ai reperti archeologici provenienti da altre città etrusche della provincia grossetana: Vetulonia, Pescia Romana, Marsiliana e Vulci.

Tra gli oggetti esposti, molto interessante è la tavoletta con il più antico modello di alfabeto etrusco, realizzato su un supporto d’avorio proveniente dal “Circolo degli Avori” di Marsiliana. La tavoletta, destinata a essere incerata e incisa, riporta le lettere dell’alfabeto leggibili da sinistra verso destra, e veniva utilizzata a scopo educativo. Da Marsiliana proviene anche un peculiare corredo funebre. Quest’ultimo è caratterizzato da una particolarità: tra i reperti riportati alla luce dagli archeologi si trovano strumenti di scrittura, significativi del prestigio sociale del defunto.

La collezione del museo espone inoltre anfore per il trasporto di pesce, di olio e di fichi, oggetti votivi, fibule in bronzo e urne cinerarie a forma di capanna. Uno dei pezzi più pregiati della raccolta è rappresentato dal bellissimo vaso geometrico dalla tipica forma a cratere corredato di coperchio, prodotto intorno al 730 a.C., rinvenuto a Pescia Romana.

L’ultima sezione è dedicata all’arte sacra proveniente dal museo Diocesano, che si è unito a quello archeologico nel 1975. La collezione è composta da sculture in legno e marmo, paramenti sacri, corali miniati e tavole dipinte provenienti da Siena, tra cui il Giudizio Finale di Guido da Siena del 1280 e la Madonna delle Ciliegie di Stefano di Giovanni detto il Sassetta.

Come si evince dalla descrizione, il museo archeologico e d’arte della Maremma vuole esaltare il contesto territoriale circostante e la sua storia.

 

Museo archeologico e d’arte della Maremma

Piazza Baccarini, 3, Grosseto

 

Orari di apertura:

dal 1 settembre al 4 novembre: 
dal martedì al venerdì, 10.30 -19.00. 
sabato, domenica e giorni festivi: 10.00-13.00 e 16.00-19.00. 

Gli orari possono essere soggetti a variazioni.

 

Biglietti:

Intero 5 euro; ridotto 2.50 euro
Per Informazioni e prenotazioni:

0564 488750

[email protected]