Firenze, Museo Horne. 8 novembre 2016 – 19 febbraio 2017, prorogata al 18 aprile
Di Tania Mio Bertolo (Università degli Studi di Firenze)

Il proposito di allestire la mostra “Tiepolo. Disegni dall’Album Horne”, la temporanea dedicata ad alcuni esemplari del corpus grafico di Giambattista Tiepolo, si generò come naturale conseguenza del restauro al quale era -ed è- contemporaneamente sottoposto lo storico album dal quale provengono i ventisei disegni esposti, volume appartenuto al collezionista inglese Herbert P. Horne e costituito da quarantotto pezzi. Tali disegni costituiscono una straordinaria testimonianza dell’incessante attività creativa di Tiepolo e del suo costante esercizio grafico alla ricerca di sempre nuove soluzioni compositive.

Allestita in una sobria sala al piano terreno di Palazzo Corsi, sede del Museo della Fondazione Horne, la mostra rappresenta una grande occasione per il pubblico fiorentino di accostarsi alla produzione grafica di Tiepolo, e più in generale a quell’arte veneziana tradizionalmente diversa da quella toscana. L’argomento dell’esposizione inoltre si presta come fertile terreno per eterogenei approfondimenti su tematiche correlate: i rapporti del collezionista Herbert P. Horne con la produzione artistica veneta, le modalità attraverso le quali egli entrò in possesso di questo importante album, i confronti tra i suddetti disegni e la produzione pittorica di Tiepolo, ed altre ancora. Molteplici dunque potrebbero essere gli spaccati storico artistici e di natura collezionistica da indagare, ma che purtroppo nell’ambito di questa mostra rimangono soltanto suggestioni.

Poche infatti sono le informazioni fornite al visitatore nei due pannelli collocati nel corridoio di ingresso: un breve accenno alla biografia del pittore ed ai soggetti dei disegni, ed alcune note circa le peculiarità dell’intervento di restauro. Nessuna invece nella sala espositiva, ad esclusione delle targhette didascaliche che individualizzano ciascuno dei disegni in mostra. Grazie ad esse e, ovviamente, grazie ai disegni stessi, il visitatore è in grado di stilare dei confronti su alcuni motivi grafici e compositivi che ritornano in talune opere esposte; ma nessun pannello di approfondimento o contestualizzazione fornisce un supporto al fruitore impegnato in tali riflessioni che rimangono, purtroppo, senza riscontro. Unico dipinto in sala è il ritratto di Horne eseguito dal pittore Henry Harris Brown, effigie che suggella inequivocabilmente il rapporto tra le opere di Tiepolo ed il collezionista.

Sui disegni, smontati dal loro supporto storico ed esposti all’interno di eleganti teche lignee, si catalizza unicamente l’attenzione di ogni visitatore, e proprio questa era probabilmente l’intenzione originaria dei curatori della mostra. Far parlare i disegni, lasciare che questi veloci tratti ad inchiostro e matita nera su carta bianca non siano letti solamente come bozze o schizzi preparatori, ma che assumano essi stessi valore di vere e proprie opere d’arte, come testimonianza di un impulso creativo non ancora filtrato dal colore. Un’intenzione indubbiamente lodevole, ma scarsamente funzionale ai fini educativi e formativi di una mostra. Mi chiedo quanto possa apprendere un visitatore scevro di qualsiasi nozione storico artistica visitando una mostra nella quale lo sforzo di valorizzare i disegni in quanto fresca testimonianza di un’intuizione artistica non lascia alcuno spazio alla contestualizzazione, al confronto con la produzione pittorica di Tiepolo, alla comprensione delle dinamiche collezionistiche ed agli interessi artistici di Hubert P. Horne. Insomma in un panorama nazionale la cui cifra è l’indissolubile legame tra arte, natura e vita umana, mi chiedo quanto possa essere culturalmente proficuo investire su una mostra comprensibile ai soli addetti ai lavori, riservando all’arte ancora una volta quel posto elitario privilegiato e così lontano dai più.

Translation by: Rachyl Grussing (Istituto Lorenzo de’ Medici)

The purpose of the temporary exhibition, “Tiepolo. Drawings from the Horne Album”, dedicated to some examples of the graphic corpus of Giambattista Tiepolo, was generated as a natural consequence of the restoration which twenty-six of the historical albums were subjected while the volumes belonged to the English collector Herbert P. Horne and consists of forty eight pieces. The drawings are an extraordinary example of the incessant creative activity of Tiepolo, and his constant graphic exercise searching for new compositions.

Situated in a simple room on the first floor of the Palazzo Corsi, the home of the Horne Museum, the exhibition represents the grand opportunity for the Florentine public to approach the graphics of Tiepolo, and more generally the art of the Venice, traditionally different from that of Florentine Tuscany. The argument of the exhibition further lends itself as fertile ground for heterogeneous insights on related issues: the relationship of the collector Herbert P. Horne with the artistic production of Venice, the way in which he came to possess this important album, comparisons between the above-mentioned drawings and the pictorial production of Tiepolo, and still others. Therefore, multiple may be split away from the historical and artistic nature of collecting and be investigated, but that, unfortunately, in the context of this exhibition remains only suggestions.

In fact, information for visitors is provided in two panels located in the entrance corridor: a brief reference of the painters biography and the subjects of the drawings, and some notes about the particularities of the restorations. Nothing else is to be had in the exhibition hall, with the exception of the didactic labels that individualize each work in the show. Thanks to these, and of course, thanks to the same drawings, the visitor is able to draw comparisons on some graphic motifs and compositions returning in certain works: but no in-depth panel or contextualization provides a support to the user engaged in these reflections that unfortunately remain unanswered. The only painting in the room that is connected to Horne is an effigy painting by Henry Harris Brown that seals the relationship between the works of Tiepolo and the collector.

The drawings were removed from their historical display and the curators chose to exhibit them in elegant wooden cabinets that attract the attention of every visitor. This allows the artwork to speak, as the quick strokes in ink and black pencil on white paper are not read only as drafts of sketches, but they are valued as real works of art that communicate even with their lack of colour. The intention was commendable, but hardly practical for educational and training purposes of an exhibition. It is a wonder how much a visitor can learn from any notion of artistic history by visiting an exhibition in which the effort to enhance the designs as fresh evidence of an artistic intuition leaves no room for contextualization. In comparison, the Tiepolo painting in original context, changes the understanding between the dynamics as collectors and the artistic interests of Hubert P. Horne. On a national scale, where the link between art, nature, and human life is portrayed, it is critical to investigate what can be culturally important to showcase to the intended audience and to ensure that this communication is thorough and inclusive. By neglecting this and making information only comprehensible to the insiders there is a disconnect and makes art something that is solely for the privileged elite and inaccessible to most.

Firenze, Palazzo Strozzi 10 Marzo – 23 giugno 2017
By Rachyl Grussing (Istituto Lorenzo de’ Medici)

Bill Viola, a recognized master of video art, has taken over both the Piano Nobile and the Strozzina for his latest exhibition celebrating his relationship with the historic city of Florence, Electronic Renaissance. As a major retrospective which includes new works of art, Bill Viola has created an ecstatic examination of humanity, spirituality, and perception. The themes of rebirth and the ties man has to nature permeate the exhibition, and also a connection between the modern visual art and the Renaissance works that inspired them is readily apparent. For a city that is immersed in Renaissance works, the Bill Viola exhibition acts as a breath of fresh air, giving new life and perspective to the Old Master works of Florence.

The Piano Nobile begins with a work entitled The Crossing (1996), which is two channels of video projections on screens a little over three meters tall (11 feet), featuring a man with fire on one screen and a man with water on the other. This interplay between nature and man is accompanied by surround stereo sound, which almost creates an immersive experience. This immersive environment into sound accompanied by images is a common theme throughout the whole of the exhibition.

Some works in the exhibition are reinterpretations of famous Renaissance works, and are placed directly beside the works that inspired them. The work entitled Emergence (2002) is modeled after the famous Masolino da Panicale fresco Cristo in pieta (1424). The two works are on either side of the room, so that it is possible to watch the projection while also seeing the fresco. This creates a connection between old and new through time, material, and the modern art in this Renaissance palace. This creates conversations within a larger overarching dialogue that invites the viewer to participate and contribute. The modern works of art shift the perspective of the untouchable Renaissance works enough to allow for a personal and familiar interaction to take place.

An example of these layered conversations within conversations is the piece The Path (2002) which features a 34 foot long screen showing a forest with many people of all ages and nationalities passing through the trees. The screen is placed in such a way that the people walking through the room are required to follow a path similar to those who are walking in the video installation. Strategic seating allows for visitors to sit and watch, or perhaps marvel at, the demonstration of both the work of art and the forced narrative of life mimicking the artwork.

Descending into the Strozzina the themes of humanity and nature still suffuse the works. The exhibition also extend to the Uffizi Gallery and the Museo dell’Opera del Duomo where the works will be in conversation with two very famous works at those institutions. At the Museo dell’Opera del Duomo visitors can purchase a special combined ticket that allows them to also enter the Palazzo Strozzi.

Traduzione di Tania Mio Bertolo (Università degli Studi di Firenze)

Per l’allestimento di Rinascimento Elettronico, esposizione con la quale Bill Viola sancisce il suo legame con la storica città di Firenze, il noto maestro della videoarte contemporanea ha coinvolto sia il piano nobile di Palazzo Strozzi sia gli ambienti della Strozzina. Nell’ordine di una grande retrospettiva che include anche alcune opere inedite, Bill Viola ha dato vita ad un’entusiasmante analisi dell’umanità, della spiritualità e della percezione. Protagoniste della mostra sono le tematiche della rinascita e del legame tra uomo e natura, ma di grande rilevanza è anche l’intreccio tra la moderna videoarte e le opere rinascimentali alle quali la prima si ispira.

In una città permeata dall’arte del Rinascimento, questa esposizione agisce come una boccata d’aria fresca che conferisce nuova vita ed una diversa prospettiva agli antichi capolavori fiorentini.

Il percorso espositivo del piano nobile principia con The Crossing (1996), performance consistente in due filmati proiettati in schermi alti poco più di tre metri, nei quali una figura umana si confronta rispettivamente con il fuoco e con l’acqua. Questa rappresentazione per immagini del legame tra natura e uomo è accompagnata da un suono audio coinvolgente che contribuisce a rendere l’esperienza del visitatore immersiva e l’atmosfera totalizzante, cifre  che ritornano nel prosieguo del percorso espositivo.

Alcune installazioni sono reinterpretazioni di famosi capolavori del Rinascimento, e sono collocate esattamente di fianco alle opere che le hanno ispirate. Per la creazione di Emergence (2002) l’artista ha preso le mosse dall’affresco di Masolino da Panicale raffigurante Cristo in pietà (1424): la collocazione delle due opere nelle pareti laterali della stessa stanza consente al visitatore di osservare contemporaneamente sia il video che l’affresco, ed essere così spettatore di una connessione tra nuovo e antico in un intreccio che passando attraverso tempo, materiali ed arte contemporanea prende forma negli spazi di carattere rinascimentale di Palazzo Strozzi. All’interno di un già ampio dialogo tutto ciò crea un’ulteriore conversazione che invita il visitatore a partecipare e contribuire, oltre che ad interagire personalmente con le tradizionalmente inavvicinabili opere rinascimentali, che assumono qui nuova prospettiva in quanto accostate a moderni lavori artistici.

Un esempio di queste conversazioni all’interno di una più ampia conversazione è The Path (2002), installazione costituita da uno schermo di oltre dieci metri nel quale un filmato mostra persone di diversa età e nazionalità mentre camminano tra gli alberi di una foresta. Lo schermo è collocato in una posizione tale che gli stessi visitatori sembrano non più essere all’interno di un ambiente museale, ma muoversi in uno spazio simile a quello mostrato dal filmato. Poltrone posizionate strategicamente consentono ai visitatori di accomodarsi, osservare e meravigliarsi di fronte ad entrambe le performance, oltre che di fronte alla forza narrativa della realtà che imita l’arte.

Anche le installazioni esposte negli ambienti della Strozzina sono permeate dai temi di umanità e natura. La mostra inoltre si estende alla Galleria degli Uffizi e al Museo dell’Opera del Duomo nei quali i lavori di Bill Viola dialogano con alcuni capolavori di quelle istituzioni. Al Museo dell’Opera del Duomo i visitatori possono richiedere una speciale combinazione di biglietti che consente l’ingresso anche a Palazzo Strozzi.

Firenze, Biblioteca Medicea Laurenziana, 15 febbraio – 23 giugno 2017

Di Caterina Zaru (Università degli Studi di Firenze)

La mostra che si tiene alla Biblioteca Medicea Laurenziana fino al 23 giugno prossimo, si pone lo scopo di dare visibilità al vasto e preziosissimo patrimonio librario e documentario, conservato presso le varie sedi delle Biblioteche dell’Università di Firenze e che conta circa quattro milioni di volumi.

L’esposizione trova posto all’interno di un’altrettanto prestigiosa biblioteca, quella Laurenziana, che porta le firme illustri di Michelangelo Buonarroti, Giorgio Vasari e Bartolomeo Ammannati. L’ingresso alla mostra, perciò, risulta quantomeno affascinante: il percorso obbligato, infatti, conduce il visitatore prima attraverso il vestibolo, poi lungo il vasto salone di lettura. Si accede, quindi, agli spazi espositivi, suddivisi nelle aree tematiche, che rispecchiano le principali sezioni disciplinari, di cui i documenti in mostra si fanno testimoni: Il corpo umano e la sua cura, Le scienze naturali, Alle origini del diritto, Le scienze applicate, Gli studi umanistici.

La prima sala, dedicata alla prime due sezioni, risulta particolarmente evocativa e coinvolgente, anche dal punto di vista sensoriale. L’allestimento delle teche contenenti i volumi e chiaramente disposte lungo le pareti della sala per indirizzare il visitatore verso il proseguo della mostra, sono accompagnate da schermi che danno, giustamente, visibilità alla realizzazione di importanti progetti di digitalizzazione, compiuti dal Sistema Bibliotecario di Ateneo. Completa il tutto un piacevole sottofondo musicale. Tutte le sale, come la prima, sono fornite di strumenti utili alla comprensione di quanto esposto e del fine della mostra. Schermi e pannelli interattivi, permettono di visualizzare immagini dei documenti non esposti, informazioni aggiuntive alle didascalie delle opere e, soprattutto, i volumi e i documenti pazientemente digitalizzati.

Il percorso prosegue, quindi, con la sala dedicata alla storia del diritto, di cui se ne ripercorrono le tappe fondamentali, attraverso una selezione di documenti provenienti dal Fondo del Collegio degli Avvocati, che raccoglie oltre 12 000 volumi, e con la sezione Scienze Applicate, che si propone di esporre i pezzi maggiormente significati del patrimonio librario della Biblioteca di Scienze Tecnologiche, nella quale sono compresi i fondi delle scuole di Agraria, Architettura e Ingegneria.

La parte dedicata alla Biblioteca Umanistica necessita di un’attenzione particolare. Essa è sua volta suddivisa in sottosezioni, tra cui si segnala quella dedicata a Firenze, il Mediterraneo e l’Oriente, che espone preziosi papiri ed è accompagnata da un arazzo raffigurante l’incontro tra il costume occidentale fiorentino e quello orientale. Questa ulteriore frammentazione, risulta effettivamente efficace per dare un’immagine chiara dell’immenso patrimonio dell’Umanistica, stimato ad oltre il 1 600 000 di volumi. La Biblioteca, con i suoi sessanta fondi librari ed archivistici, 35 700 edizioni antiche, manoscritti e carte geografiche, è depositaria di una memoria culturale di immenso valore e merita per questo di mostre come quella che stiamo descrivendo, che ne mettano in luce il prezioso contenuto. A questo proposito, degna di nota è la mostra collaterale che si tiene dal 6 marzo al 7 aprile presso la sede della stessa Biblioteca Umanistica, in piazza Brunelleschi. Essa presenta una campionatura dei giacimenti documentari, che, insieme a quelli della mostra principale, presentano in modo esemplare le linee di sviluppo di questo ramo di studi. Inoltre, l’esposizione di piazza Brunelleschi, recupera i percorsi di studio proposti dalla mostra digitale. In effetti, il sito on-line del Sistema Bibliotecario di Ateneo, mette a disposizione un ricco materiale documentario in formato digitale, accompagnato da interessanti schede descrittive, fornendo agli interessati e a chiunque ne voglia fare uso, un utile strumento per approfondire le tematiche affrontate e rendere ancora più visibile un’iniziativa degna di avere un largo pubblico, perché il nostro patrimonio librario, non sia più inesplorato, bensì venga conosciuto, apprezzato e tutelato, come un prezioso tesoro.

 

 

 

 

Translation by Rachyl Grussing (Istituto Lorenzo de’Medici)

The show that is being held in the Laurentian Library until the 23rd of next June, has the express goal to give visibility to the vast and precious heritage of books and documents held and conserved at various offices of the University of Florence Library, which  number around four million volumes. The exhibition is found inside the equally prestigious library, the Laurentian, which holds works by the famous Michelangelo Buonarroti, Giorgio Vasari and Bartolomeo Ammannati. The entrance to the show, therefore, is at the very least fascinating: in fact, the obligated path leads through the vestibule, then along the vast reading room. Access to the exhibition is subdivided into themes, which respond to the principle disciplinary sections that the documents give testimony: the human body and its cure, the natural sciences, origins of the law, applied sciences, the humanities.

The first room, dedicated to the first section, is particularly evocative and engaging from a sensory point of view. The set of display cases containing the volumes are clearly arranged and displayed along the wall and direct the visitor towards the continuation of the exhibition, are accompanied by screens that rightly give visibility to the realization of the important progression of digitization being completed by the University Library System. It is accompanied by pleasant music. All of the rooms, like the first, are equipped with tools of understanding at the beginning and end of the exhibition. Screens and interactive panels show the documents not on display, additional information to the captions of the works, and above all, the patiently scanned documents.

The show continues, then, with the room dedicated to the history of law, where they retrace milestones through a selection of documents from the Fund of the College of Lawyers, which includes over 12000 volumes, and with the Applied Sciences section, which aims to expose the pieces of major significance of the Library of Science and Technology, which includes the founding of the Agriculture, Architecture, and Engineering Schools.

The part dedicated to the Humanities required special attention. It is further divided into sub-sections, among which one is dedicated to Florence, the Mediterranean, and the East, which exhibits precious papyrus and is accompanied by a tapestry depicting the meeting between the Florentine costume and the Eastern costume. This further fragmentation results in actually effective in giving the imagination a clear sense of the immense heritage of the Humanities Library, estimated at over 1,600,000 volumes. The Library, with its sixty libraries and archives, 35700 antique editions, manuscripts, and maps, is the repository of a cultural memory of immense value and deserves, like the exhibition that we have been describing, to highlight this precious content. To this end, it is worthy to note the collateral exhibition held from March 6th to April 7th at the same Humanities Library in the Piazza Brunelleschi. It presents a sampling of documentary deposits, which, together with the main exhibition, present in an exemplary manner the lines of development of this branch of study. In addition, the exposure of Piazza Brunelleschi revives the path of study offered by digitization. In fact, the online website of the University Library System provides a rich deposit of material in digital format, accompanied by interesting descriptions, for anyone interested to use as an instrument for studies, and makes the collection a visible initiative worthy of having a broad audience, because the heritage of our library is no longer unexplored but is known, appreciated and protected, like a precious treasure.

Firenze, Museo Salvatore Ferragamo, 19 maggio 2016 – 7 aprile 2017

By Makenzie Hall (Istituto Lorenzo de’ Medici)

As a small, classic, renaissance architectural space, the Ferragamo Museum is unique and true to the label of high fashion. The exhibition ‘Across Art and and Fashion’ combines artistic innovation while giving visitors a sense of history in a creative way.

Native to Florence, Salvatore Ferragamo began creating distinctive stylish shoes in the United States before coming back to Florence and creating an iconic brand for himself. He designed shoes for the elite such as: Sofia Loren, Michael Jordan and the ‘royal baby’. The museological space plays with the idea of art vs. artifact and classification while designated within fashion and artistry.

The museum opens with a dedication to Ferragamo’s work displayed among a long table, decorated with shoes from different eras, styles and materials. The opening room is discussed in stylized shoe molds that give a sense of artistry and innovation to simple objects. The table is made an interactive work of art by connecting the shoes to a stylistic video demonstrating the era. It is almost a timeline that has been revamped for contemporary times to display Ferragamo’s shoe collection.

Continuing in the museum, we become more acquainted with Ferragamo’s collaborations with other artists and fashion icons across the decades. It gives visitors a sense of the relationship between fashion and art while again playing with the theme of art vs. artifact. This collaborative approach includes the ever iconic Andy Warhol and his eccentric persona as an artist. Warhol’s personality was also included in his fashion sense which you can get a glimpse of in one of the rooms displaying large photographs of a cross-dressing Warhol.

Other important displays in the exhibit include a small but important nod to Florentine fashion that presents a simpler time of era of cost saving clothing created for the public during difficult times. Also, a tiny room with detailed mannequins’ portray very vividly the display of printed Dutch clothing used by African culture. A ballerina posing on pointe is found holding two large barrel guns, a man extends an arm into the space of the viewer, and a small child seems about to take flight with attached wings. Although the exhibitions are extravagant and visually interesting, the ongoing theme of art vs. artifact grows deeper as culture is brought into fashion.

The Ferragamo museum plays to the sense of style and contemporary design in Renaissance Florence. With an apparent quality of status, the museum accentuates fashion through decades of time with a contemporary avant-garde approach. It is recommended to take the guided tour as there is a slight disconnect in the explanation of exhibition displays. Staff members give a much more informative and interesting tour than what can be achieved alone. Overall, this is a museum of stylistic taste conveying a connection to heritage and historic background among diverse cultures and time periods.

 

Traduzione di Tania Mio Bertolo (Università degli Studi di Firenze)

Grazie al suo piccolo spazio architettonico di sapore classicista e rinascimentale, il Museo Ferragamo si presenta unico nel suo genere ed allineato al gusto dell’alta moda. La mostra in corso intitolata Tra Arte e Moda unisce l’importanza dell’innovazione artistica alla necessità di far percepire al visitatore, seppur in chiave creativa, il senso della storia.

Originario di un paese vicino a Napoli, Salvatore Ferragamo principiò la sua carriera creando negli Stati Uniti delle scarpe uniche e di tendenza, per poi approdare a Firenze e fondare un proprio brand. Negli anni l’azienda ha disegnato calzature per noti personaggi come Sofia Loren, Michael Jordan e il piccolo George. Lo spazio museale gioca sulla contrapposizione tra arte e artefatto, mettendo in mostra oggetti pensati e creati unendo assieme eccellenza artigianale e sensibilità per la moda.

Il percorso museale principia con un omaggio alle calzature ideate da Ferragamo, disposte su un lungo tavolo e selezionate per diversità di stile, materiale e datazione. La prima sala presenta modelli stilizzati di scarpe, dai quali si percepisce sia la qualità artigianale che lo spirito innovativo impressi in semplici oggetti. Il tavolo stesso costituisce un’opera d’arte interattiva per mezzo della connessione tra le calzature in esso appoggiate ed alcuni schermi nei quali sono proiettati dei filmati che rimandano all’epoca storica di provenienza delle calzature medesime: si tratta quasi di una moderna linea del tempo, finalizzata a restituire sinteticamente il percorso cronologico dell’attività dell’azienda.

Proseguendo nel percorso museale, il visitatore diventa progressivamente più consapevole circa le collaborazioni attuate nel tempo da Ferragamo con artisti e icone di stile, aspetto che rimanda alla connessione tra arte e moda e che al contempo gioca ancora una volta con il contrasto tra arte e artefatto. In tale relazione è inserita la figura iconica di Andy Warhol, inteso sia come personalità eccentrica sia come artista. Fotografie di grande formato che ritraggono Warhol nei suoi migliori dress-code lo coinvolgono anche come indiscusso esempio di stile.

Una piccola ma importante sezione del percorso espositivo è dedicata alla moda fiorentina, ed in particolar modo a quei periodi di crisi economica nei quali furono proposti dall’azienda capi più economici. Vi è inoltre una piccola sala nella quale alcuni elaborati manichini vestono gli abiti confezionati con colorate stampe olandesi usate dalla cultura africana. Una ballerina sulle punte che sorregge due canne di pistola, un uomo che allunga il braccio verso lo spazio dello spettatore e un piccolo bambino che sembra spiccare il volo con ali incollate: nonostante tali installazioni siano già di per sé stravaganti ed interessanti anche soltanto alla vista, esse concorrono a sottolineare che il tema principale della contrapposizione tra arte e artefatto diventa sempre più convincente e profondo via via che la cultura e la moda permeano l’una nell’altra.

Il Museo Ferragamo gioca con il senso dello stile e del design contemporaneo in una città di sapore schiettamente rinascimentale. Con un’immagine elitaria solo apparente, il museo propone attraverso un approccio contemporaneo e avanguardista la storia della moda nel tempo. Per colmare le discontinuità didascaliche presenti nel percorso espositivo è consigliabile integrare la visita personale con le spiegazioni di una guida: l’aiuto dello staff permette al visitatore di avere tutte le informazioni mancanti e di godesi la mostra in un modo più completo ed esaustivo di quanto potrebbe fare da solo. Concludendo, il Museo Ferragamo è uno spazio espositivo di forte impatto stilistico nel quale confluiscono l’eredità ed il passato storico di diverse culture e periodi cronologici.