By Marta Gelli (University of Florence)

The exhibition The Renaissance Dream comes from the collaboration of the Soprintendenza per il Polo Museale di Firenze and the Réunion Musées Nationaux Grand Palais of Paris.  This show will actually be held at the Pitti Palace until September 15, while from October onward it will be hosted in the French capital, at the Musée du Luxembourg. A careful selection of works, among which the highest place is reserved for paintings, presents all the facets and meanings that the Renaissance attributed to the dream and dreams. The intention, one assumes, of the curators was to have didactics in mind but, in the end, the visitor could be left with only vague impressions and suggestions.

The exhibit, situated on the second floor, opens in the Sala Bianca: after presenting the entrance ticket, one’s full attention is drawn to two large panels, which also function as dividers, covered by a midnight blue silk-like fabric – and a better color choice could not have been made. On these, gold letters stand out with two quotations by Virgil and Homer, on the right and left sides respectively, which refer to the description of the Gates of Sleep. Of course, the visitor will not find here (though one is reminded of them) doors of ivory or of horn, but the idea of portals to access the world of dreams is cleverly suggested by tall blue temporary structures introducing the first section; like French doors, when viewing these structures from the entrance, one can only glance through the crevice, or more fittingly, the door crack.

Each area of the exhibition corresponds more or less to a section of the show, which already declares its theme in the title space. These areas are bordered by nice panels that rise from the floor and run along the walls, at times, further subdividing the parts of the rooms. Apparently, it seems that one area is dedicated to a single section and a specific theme but, in reality, there are almost always two themes, which face one another (also without clear connections) on opposing or adjacent sides. In addition, continuing on, the viewer may unfortunately feel confused and disoriented due to the often alternating path of the visit, running sometimes clockwise, other times counter-clockwise… in this case, however, the explanatory panels, almost always hung next to the first work of a new section, will provide a foothold. These texts are in three languages – Italian, French, and English – and are not too long, but are so dense that whoever visits the exhibit in a bit of a hurry, not having the time or desire to concentrate too much, may quit reading early on. Furthermore, the labels are helpful, placed next to each piece and written with few, clear words in Italian and English: perhaps the French tourists may feel cheated by the captions? Actually, what really helps distinguish one section from another are the large golden quotations at the tops of the panels. These quotes, however, are only in Italian; so, as these lines and verses are not always recognizable or well known, foreigners may not be able to understand the play on words and connections between what is written and what is shown.

Coming, then, to the works displayed, their great variety is surely striking: a variety of size, quality, style, but also provenance. In fact, numerous pieces have been borrowed from Italian or foreign museums, to create a dialogue of similarities and differences with works from Florentine institutions or their storerooms. One example is in the Sala di Bona, where the theme of nightmares is expressed well with Bosch paintings facing the portraits of Francesco I de’ Medici and his lover, Bianca Cappello. Next to their likenesses, manuscripts, letters, and paintings are presented to remind one how, while the prince was alive, Medici commissions leaned toward the theme of the dream. Another dialogue that can’t be ignored takes place right in the center of the Sala Bianca, where, in two display cases, distinct yet juxtaposed, one finds the small painting by Raphael titled Vision of a Knight and, below, the book of Silius Italicus, the Punica, opened to the page in Latin that shows the written source of the most famous painting in the exhibit – this text is followed to a “t” by the artist. For those who do not know Latin, however, there is a text panel with the Italian translation; and those who are instead not familiar with either language will have to simply trust what the labels tell them.

Surely, many other works will stand out in the visitor’s memory: Venus and Cupid with a Satyr by Correggio; The Dream of St. Catherine of Alexandria by Ludovico Carracci; the beautiful tapestry with the biblical episode of Joseph interpreting the Pharaoh’s dreams, created on the model by Francesco Salviati; or perhaps the minute paintings by Lorenzo Lotto.  But the display choices may be as equally memorable. In addition to the already mentioned midnight blue color of the temporary structures (which leave the monochrome ceiling of the Sala Bianca free to be admired), another element worthy of praise is the blue cylindrical fabric surrounding the grand, lit chandeliers, creating another filter for immersion into the dream-like ambiance. But it is in  one of the small adjacent rooms that one can access the most intimate moment in dreams, that in which mystical visions can appear, as seen in the religious paintings on display. This intimacy is conveyed well by the absence of diffused light and by the decision to only illuminate, with spotlights, each work with its label, thus surrounding one in darkness. It was not likely a coincidence that the curators chose to gradually fade the tone of blue in the panels along the walls, as one continues on. The section in which the Medici – or their memory – are mentioned is a lapis lazuli color, which eventually becomes a light blue in the last little room, in which Dawn appears with the chariot of the Sun, and Venus finally opens her eyes.

So, perhaps, light and color take center stage in the exhibit, inviting the viewer to become emotionally invested in the visions: in the end, what remains when we wake up every morning, if not a vague recollection of hazy images and, often, disjointed visions?

 

Il Sogno nel Rinascimento

di Marta Gelli (Università di Firenze)

La mostra Il Sogno nel Rinascimento è nata grazie alla collaborazione fra la Soprintendenza per il Polo Museale di Firenze e la Réunion Musées Nationaux Grand Palais di Parigi: tale evento espositivo infatti fino al 15 settembre avrà luogo presso Palazzo Pitti, mentre dall’ottobre sarà ospitato nella capitale francese, al Musée du Luxembourg. Una selezione attenta di opere, tra cui il posto più rilevante è riservato ai dipinti, vuole presentare tutte le sfaccettature e i significati che nel Rinascimento vennero attribuiti al sogno e ai sogni, con intenti che, si comprende, nell’immaginario dei curatori dovevano esser didattici ma che, tutto sommato, potrebbero lasciare il visitatore pieno di vaghe impressioni e suggestioni.

L’esposizione, a cui si accede dal primo piano, si apre nella Sala Bianca: una volta staccato il biglietto di ingresso tutta l’attenzione di chi entra si focalizza su due grandi pannelli, che fungono da divisori, ricoperti di un tessuto semilucido color blu notte – e miglior scelta cromatica non poteva esser compiuta – su cui, rispettivamente a destra e sinistra, campeggiano a lettere dorate due citazioni da Virgilio e Omero che si riferiscono alla descrizione delle porte del sonno. Certo, il visitatore non si imbatterà in quelle (lì ricordate) d’avorio o di corno, ma l’idea delle porte da varcare per accedere al mondo dei sogni è genialmente suggerita da queste alte strutture temporanee blu che, come se fossero delle ante, introducono alla prima sezione, che dall’ingresso può solo essere sbirciata tramite la fenditura o, per meglio dire, lo spiraglio.

Ogni zona fisica dello spazio, delimitato dai bei pannelli che si alzano da terra e corrono lungo  le pareti, suddividendo talvolta in più aree una stessa stanza, corrisponde più o meno a una sezione della mostra, che già dal titolo dichiara il suo carattere tematico. Apparentemente sembra che un’area sia dedicata a una singola sezione e a un tema specifico, ma in realtà quasi sempre ne coesistono due, a fronteggiarsi (anche senza connessioni evidenti) sui lati opposti o adiacenti. Inoltre, procedendo lungo il percorso, si potrebbe verificare nell’osservatore la spiacevole sensazione di sentirsi confuso e disorientato a causa della sovente alternanza del senso di visita, talvolta orario, altre antiorario…  In questo caso, però, per il visitatore si riveleranno comodi appigli i pannelli esplicativi, affissi quasi sempre a lato dell’opera che inaugura una nuova sezione: si tratta di testi redatti in tre lingue, italiano, francese e inglese, non troppo lunghi, ma talmente densi che chiunque visiti la mostra con un po’ di fretta potrebbe, non avendo tempo o voglia di concentrarsi troppo, abbandonarne ben presto la lettura. Oltre a ciò sono di aiuto i cartellini, posti accanto a ciascun pezzo, redatti con poche, chiare parole in italiano e inglese: i turisti francesi si sentiranno sedotti e abbandonati dalle didascalie? In realtà quel che più aiuta a distinguere una sezione dall’altra sono le grandi citazioni a caratteri dorati in cima ai pannelli, sovrastanti le opere esposte. Questi riferimenti, tuttavia, sono presentati solo in lingua italiana, dunque, siccome si tratta di versi o brani non sempre immediati e arcinoti, gli stranieri potrebbero non comprendere il gioco di richiami e rispondenze tra la parola scritta e la sottostante lingua figurata.

Venendo, poi, alle opere esposte, colpisce senz’altro la loro grande varietà: di formato, di qualità, di stile ma pure di provenienza. Sono infatti diversi i pezzi, che sono stati prestati da musei italiani o stranieri, a cercare un dialogo per assonanza o dissonanza con opere delle istituzioni fiorentine o dei loro depositi. Un esempio è quanto accade nella Sala di Bona, ove il tema delle visioni da incubo, espresso magnificamente dai quadri di Bosch, si staglia di fronte ai ritratti di Francesco I de’ Medici e della sua amante Bianca Cappello, vicino ai quali sono presentati manoscritti, lettere e dipinti, a ricordare come, negli anni in cui visse il principe, anche la committenza medicea si muovesse in direzione del tema del sogno. Un altro dialogo che non si può tacere ha luogo proprio al centro della Sala Bianca, dove in due teche, distinte ma accostate, si trovano il piccolo quadro di Raffaello dal titolo Il sogno del cavaliere e, più in basso, il libro di Silius Italicus, la Punica, aperto proprio alla pagina, in latino, che riporta la fonte scritta del più famoso dipinto presente in mostra, un testo seguito praticamente alla lettera dall’artista. Per chi non conoscesse il latino, comunque, è stato posto un pannello con la traduzione in italiano; chi invece ignorasse entrambe le lingue… dovrà semplicemente fidarsi di quanto riportano le didascalie.

Sicuramente diverse altre opere si imprimeranno nei ricordi del visitatore: Venere e Amore spiati da un satiro di Correggio, Il sogno di Santa Caterina d’Alessandria di Ludovico Carracci, il bellissimo arazzo con l’episodio biblico di Giuseppe che interpreta i sogni del Faraone, tessuto su cartone di Francesco Salviati, o magari i minuti dipinti di Lorenzo Lotto. Ma altrettanto memorabili potrebbero risultare le scelte fatte per l’allestimento. Oltre al ricordato color blu notte delle strutture temporanee che lasciano il chiaro soffitto della Sala Bianca libero di essere ammirato, degno di plauso è l’aver circondato i suggestivi lampadari accesi con un tessuto, ancora blu, dalla forma cilindrica, a creare un ulteriore filtro per l’immersione nell’atmosfera da sogno. È però una delle piccole stanze adiacenti che fa accedere al momento più intimo dei sogni, quello in cui possono verificarsi le apparizioni mistiche, come rammentano i dipinti di carattere religioso lì esposti: questa intimità è ben suggerita dall’assenza di luce diffusa e dalla decisione di illuminare, tramite faretti, esclusivamente ciascuna opera col suo cartellino, mentre tutto intorno si è circondati dal buio. Tutt’altro che casuale sarà stata infine la decisione di schiarire, via via che si avanza lungo il percorso, il tono del blu dei pannelli lungo le pareti: questo diventa color lapislazzuli proprio dove sono presenti i Medici – o il loro ricordo – , fino a divenire quasi celeste nell’ultima stanzetta, dove Aurora appare col carro del Sole e Venere finalmente apre gli occhi.

Sono dunque, forse, proprio le luci e i colori ad avere il ruolo principe nella mostra, invitando l’osservatore a divenire emotivamente partecipe di quelle apparizioni: in fin dei conti… cosa resta al nostro risveglio ogni mattina, se non una vaga rimembranza di sfocate immagini e, spesso, sconnesse visioni?

By Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

Visible already as one walks down the street heading toward the museum, a large red banner announces the annual exhibit at the Bargello National Museum, open until August 18 of this year. Usually, the spring exhibitions focus on one of the several famous sculptors or their masterworks housed in the museum. However, this time, the show not only highlights the lesser-known applied art pieces in the collection, but also their recent important restorations. Though the display is quite small, taking up only two rooms, it is particularly successful in conveying its topic to the visitor by embracing a theme of transparency in its choices throughout.

When entering the first space, one’s gaze falls immediately on the grand tapestry displayed on the far end of the wall. To the left, the viewer finds the introductory text panel about the exhibition. The text is written in both Italian and English, as are all materials for this show, and presents information about the works in each room. The panel both describes why it has been important to undertake this project and explains its choices of pieces to display alongside the main textile focal piece. Furthermore, the visitor is informed of all other explanatory material in the show, which concerns the restoration process and the exhibit itself.

Upon examining the several small pieces – such as silver incense boats, medallions, goblets, and crosses – that line the walls leading to the tapestry, it is clear that the informative theme continues even here. The labels do not simply give the title of the object and the date, but present the names of the conservators and sponsors of the project, some even clarifying further how the object is related to those around it. The focal work of each room has received a full text panel, which briefly describes the object’s history, as well as the conservation project. While these panels are revealing and openly discuss the problems faced during restoration, they do utilize some technical phrases that the average visitor may not know. To solve this issue, the panels could simply have a word list at the bottom with these definitions.

Each of the two rooms of the show has a relatively short six- to eight-minute video, which plays continuously, the soft accompanying music blending into the background. Though their sounds are not distracting, the screens are placed in a location that is readily visible upon entering the room and allows the viewer to glance back at the artwork while watching the video. The texts displayed on the monitor are bilingual, yet here again, the visitor encounters some unfamiliar conservation vocabulary. The same simple fix applies to this situation: labels with definitions of these words on the wall next to the video screen. Like the other texts throughout the exhibition, the videos openly explain the restoration processes, highlighting the challenges faced, as well as the reasons for the decisions eventually made.

In the second space, the entirety of the small area is devoted to a single sculptural piece. Here, the video and texts describe the history of the object, and its artist, as well as the project to restore it. In keeping with the attitude of clarity, the panels clearly outline which colors are not original and why some parts of the work have had to be reconstructed. Though the information is quite interesting, the display of the room itself feels somewhat bare. Instead of leaving blank walls with only a video in the front and one sculpture at the end of the room, the restored objects could have been spread more evenly between the two areas.

In presenting the entire process of conserving these objects, as well as the challenges and ultimate decisions, the exhibit allows the visitor to feel more included or interested in the project and, perhaps, more excited about the successful results. Through this theme of transparency, the show encourages the viewer to question the restoration choices, yet always provides a thorough justification for those decisions made. In this way, the twofold goal of the exhibition is reached: the visitor is able to learn about the histories of these lesser-known applied arts in the Bargello’s collection through the point of view of their culturally important restoration.

 

Percorsi di Meraviglia. Opere restaurate del Bargello

di Randi Ringnes (Lorenzo de’ Medici)

Visibile già quando si cammina lungo la strada in direzione del museo, un grande cartellone pubblicizza l’esposizione temporanea al Museo Nazionale del Bargello, aperta fino al 18 agosto di quest’anno. Normalmente le mostre primaverili affrontano uno dei molti famosi scultori oppure i loro capolavori ospitati nello stesso museo, mentre stavolta l’evento non solo evidenzia i pezzi di arte applicata meno noti della collezione, ma anche i loro importanti e recenti restauri. Sebbene la mostra sia abbastanza piccola, consistendo solo in due stanze, è particolarmente efficace nel comunicare il suo scopo al visitatore abbracciando un tema di chiarezza in tutte le sue scelte.

Entrando nel primo ambiente, lo sguardo casca subito sul grande arazzo esposto sulla parete opposta della stanza. A sinistra l’osservatore trova il pannello introduttivo all’esposizione, col testo redatto sia in italiano che in inglese (così come lo sono tutti i materiali presentati in questa occasione) che fornisce informazioni sulle opere in ogni sala. Il pannello descrive sia perché è stato importante promuovere questo progetto, sia le motivazioni che stanno dietro alle scelte dei pezzi da esporre insieme a quell’opera tessile che accentra tutta l’attenzione. Inoltre il visitatore è informato di tutti gli altri materiali didascalici a disposizione, riguardanti il processo di restauro e la mostra stessa.

Esaminando i diversi piccoli oggetti – come navicelle da incenso in argento, placchette, calici e croci – che stanno allineati lungo le pareti fino a giungere all’arazzo, è chiaro che il tema della trasparenza continua anche qui. I cartellini non recano semplicemente il titolo dell’opera e la data, ma presentano i nomi dei restauratori e degli sponsor del progetto, alcuni anche spiegando meglio come l’oggetto sia legato a quelli vicini. All’opera principale di ogni stanza è dedicato inoltre un apposito pannello esplicativo, che descrive brevemente la storia del pezzo nonché il progetto di conservazione. Questi pannelli sono didattici e discutono apertamente i problemi che si sono verificati durante il restauro,  ma utilizzano del lessico tecnico che il visitatore medio può non conoscere: per risolvere questo inconveniente i pannelli avrebbero, semplicemente, potuto essere corredati di una lista di parole con definizioni.

Ciascuna sala ospitante l’esposizione presenta un video relativamente breve, della durata di 6-8 minuti, che viene proiettato in continuazione, con la musica soffusa che accompagna, in sottofondo, la visita. Sebbene tali suoni non distraggano, gli schermi sono posizionati in maniera davvero visibile non appena si entra, consentendo all’osservatore di lanciare occhiate alle opere pur guardando il video. I testi sul monitor sono bilingue, ma ancora una volta il visitatore incontra alcune parole del vocabolario del restauro poco familiari. La stessa, semplice soluzione si poteva applicare a questa situazione: didascalie con definizioni di tali vocaboli sulla parete accanto allo schermo video. Come gli altri testi in tutta la mostra, i filmati raccontano ampiamente le fasi di restauro, evidenziando le sfide affrontate e le ragioni per le scelte eventualmente prese.

Nel secondo spazio, l’intera piccola area è dedicata a un singolo pezzo di scultura. Qui video e testi descrivono la storia dell’oggetto e il suo artista, come il suo progetto di restauro: ancora con lo spirito della massima chiarezza, i pannelli mostrano bene quali colori non sono originali e perché alcune parti dell’opera sono state necessariamente ricostruite. Anche se queste informazioni sono piuttosto interessanti, l’allestimento della stanza stessa sembra, in qualche modo, spoglio. Invece di lasciare le pareti vuote con solo un filmato davanti e una scultura in fondo alla sala, gli oggetti restaurati avrebbero potuto essere disposti più diffusamente tra le due aree.

Grazie alla presentazione dell’intero processo di restauro di questi pezzi, come anche delle sfide e delle decisioni prese, la mostra permette al visitatore di sentirsi più coinvolto o interessato nel progetto e, forse, più emozionato nel vedere l’efficacia del risultato finale. Attraverso questo tema di  chiarezza l’esposizione stimola l’osservatore spingendolo a interrogarsi sulle scelte prese nelle fasi di restauro ma sempre fornendo una valida giustificazione riguardo ad esse. In questo modo il duplice scopo della mostra è raggiunto: il visitatore è in grado di imparare qualcosa sulla storia delle meno note arti applicate della collezione del Museo del Bargello, attraverso il punto di vista del loro – culturalmente rilevante – restauro.

By Maria Rosa Ventimiglia (University of Florence)

Inevitable Figuration is the title of the exhibition which, until July 8, will be hosted at the Luigi Pecci Center for Contemporary Art. It is an emblematic title, which immediately brings us to the question that the curators themselves, Marco Bazzini and Davide Ferri, have posed in conceiving the show: in what ways do paintings today tackle representation? The exhibit proposes to investigate the role of painting after 2000, a theme which, until today, has not been confronted in an Italian exhibition. Here, it is presented through the work of eighteen American and Italian artists, all born after 1960. The show reflects an idea of “informative” exposition, a concept that greatly involves the viewer in its approach and is truly innovative for an exhibition in Italy.

The show begins with an introductory room, or antechamber, a space fully dedicated to understanding the exhibit. Two emblematic works that immerse visitors in the concepts and ideas developed by the curators are displayed on opposite sides of the room: Le Sommet du Regard by René Magritte and Eclisse by Giulio Paolini. These two artists are separated not only by a distance of years but also of style, and are juxtaposed in this way to shed light on the theme of the exhibit and to reveal different ways to investigate how reality is represented in painting.

Magritte works with the excess of representation, while Paolini prefers the extreme simplification of representation, reducing the painting to an empty mounting. The antechamber, a genius curatorial choice, permits us to effectively follow the analysis of the successive works, their common thread being the mediums used by artists that investigate everyday reality such as canvas, mountings, and colors. In addition, the first works by Magritte and Paolini are perfectly connected with the work presented at the end of the show, so as to highlight this cyclical work which concludes our cognitive journey in the same way that it began. Luca Bertolo’sIl ritiro delle truppe USA dall’Afghanistan (the return of US troops from Afghanistan) from 2013 is the only work created specifically for the exhibit. Bertolo investigates a reality which is not yet concrete, indeed representing not an event but the back of a canvas that has yet to be painted.

The entire display encourages dialogues about similarities and differences, made clear through the rooms differentiated by genres such as portraiture or still lives. Each area displays explanatory panels in both Italian and English that discuss how it is possible to reinvent the strategies of representing reality, radicalizing it in abstraction or in excessive narration. However, one cannot deny that some additional texts could be useful to clarify the complexity of the argument, especially for those visitors who are not familiar with such works or concepts. Even though the space is focused and easy to navigate, the only downside to the display is the lack of chairs or benches to allow viewers to comfortably reflect on the works.

In conclusion, the exhibition offers a great opportunity to understand painting of today, which often seems to be forgotten but still exists, and which, in this show, lives up to its potential. Furthermore, I heartily invite viewers to also visit the other two exhibits at the Pecci Museum, no less important or interesting, such as Reflected Zones, displaying the works of Paolo Scheggi, and the exhibition on books by the architect Ettore Sottsass.

It is possible to visit the exhibits every day except Tuesdays, from 10:00 am to 7:00 pm.

Starting June 5: every day, except Tuesdays, from 4:00 pm to 11:00 pm.

 

 

La Figurazione Inevitabile al Museo Pecci di Prato

di Maria Rosa Ventimiglia (Università di Firenze)

La Figurazione Inevitabile è il titolo della mostra che fino all’8 luglio verrà ospitata all’interno del Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato. Titolo emblematico, che ci riporta immediatamente alla domanda che gli stessi curatori, Marco Bazzini e Davide Ferri, si sono posti per l’ideazione della mostra: in che modo la pittura oggi affronta la rappresentazione?

L’esposizione, infatti, si propone di indagare il ruolo della pittura dopo il Duemila, tematica che fino ad oggi non era stata ancora affrontata in una mostra italiana e che qui viene presentata tramite l’analisi di diciotto artisti tra americani e italiani, tutti nati dopo gli anni Sessanta. La mostra rispecchia un’idea di esposizione dal carattere “informativo” che coinvolge molto lo spettatore, soprattutto per l’impostazione assolutamente innovativa per l’Italia.

Il percorso si apre con una stanza introduttiva che prende il nome di anticamera, una sala interamente dedicata alla comprensione della mostra, la quale viene spiegata attraverso l’esposizione di due opere emblematiche capaci di immetterci all’interno della riflessione sviluppata dagli stessi curatori. In due parti opposte della sala vengono esibiti soltanto due lavori: Le sommet du regard di René Magritte e Eclisse di Giulio Paolini. Due artisti stilisticamente lontani e che lavorano a distanza di anni, messi a confronto per far luce non solo sulla tematica presente in mostra, ma anche per svelare i diversi modi di indagare la realtà rappresentata in pittura: Magritte attraverso l’eccesso della rappresentazione e Paolini mediante l’estrema riduzione della rappresentazione, che riduce il quadro ad un solo telaio vuoto.

L’anticamera, geniale intuizione curatoriale, ci permette di seguire efficacemente l’analisi delle successive opere, il cui filo conduttore sono proprio i mezzi con i quali l’artista indaga ogni giorno la realtà, quindi tele, telai e colori. Inoltre, i lavori iniziali di Magritte e Paolini si legano perfettamente all’ultima opera presente alla fine del percorso, come ad evidenziare un evento ciclico che conclude il nostro viaggio conoscitivo nello stesso modo in cui era cominciato.

L’opera di Luca Bertolo Il ritiro delle truppe USA dall’Afghanistan del 2013 è l’unica realizzata appositamente per la mostra. Qui Bertolo indaga una realtà ancora non concretizzata, che lo porta a non raffigurare un evento ma solo il retro di un tela che attende di essere dipinta.

L’intero allestimento ha dialoghi per assonanza e differenza, messo maggiormente in evidenza con delle sale differenziate per genere: possiamo trovare il genere del ritratto o il genere della natura morta. Ogni sala presenta dei  pannelli esplicativi sia in italiano che in inglese, che spiegano come è possibile reinventare le strategie di rappresentazione della realtà, estremizzandola in astrazione o in eccessiva narrazione. Non si può negare però che qualche didascalia in più potrebbe essere ancora più utile a chiarificare la complessità dell’argomento, soprattutto per quei visitatori non interamente inseriti nel settore. L’unica pecca dell’allestimento è l’assenza di sedie o panche per consentire all’ospitante di riflettere comodamente sulle opere esposte, anche se l’ambiente, concentrato e di facile percorrimento, non necessita di lunghe pause di rilassamento.

Concludendo, la mostra è un’ottima occasione per conoscere la pittura di oggi, una pittura che sembra essere stata dimenticata ma che ancora esiste e che in questa esposizione rivela tutte le sue potenzialità. Inoltre, invito calorosamente a visitare anche le altre due mostre presenti al Museo Pecci, non meno importanti e interessanti, come la mostra di Paolo Scheggi, Zone Riflesse, e quella sui libri dell’architetto Ettore Sottsass.

È possibile visitare le mostre tutti i giorni dalle ore 10 alle 19.  Chiuso il martedì.

Dal 5 giugno: tutti i giorni dalle ore 16 alle 23. Chiuso il martedì.

By Justin Barber (Lorenzo de’ Medici)

The Japanese collection of the Stibbert Museum is certainly one of the great hidden gems of Florence and one of the most important of its kind outside of Japan. Unfortunately, due to building restoration needs, access to these works is extremely restricted, open only twice a week at a specific time, and by request. In a move to facilitate greater exposure to these magnificent objects, the new director of the Stibbert Museum, Enrico Colle, recently launched a special exhibition entitled Samurai! Japanese Armory of the Stibbert Collection. This has not only provided a rare opportunity to see a sizable proportion of the relatively unseen collection but also allows visitors to experience it in a new light.

The greatest advantage of the temporary show is the ability for one to visit this small selection of items from the museum’s much larger Japanese collection in a more personal and modern presentation than the original setting. Normally, the display of these items falls subject to the same praise and criticisms of the museum itself (see: The Stibbert Museum: A Cultural Paradox); however, Samurai! presents these pieces separately to allow them a chance to shine individually instead of within the intentionally overwhelming display of the permanent exhibition space. Moving through the dimly lit rooms, there is a carefully calculated introduction of different types of pieces from the collection, ranging from domestic items such as fans and furniture to the crowd-pleasing samurai armor and katana (the sword of choice for Samurai in both ceremony and battle).

The casing and lighting is definitively more up-to-date compared the rest of the museum, allowing more flexibility in the museological approach. The overall ambiance of Samurai! relays a sense of foreign mystery as the darkened rooms are lined with red mood lighting and bright spotlights, which highlight the individual pieces and allow visitors to visually explore their finer details. Traditional Japanese music with appropriate environmental sound effects emanates from a single room in the exhibition, creating a heightened sense of anticipation as one draws closer to its source: a grand display of complete suits of ceremonial armor.

This is not to say that Samurai! is flawless in its execution. The labels, while certainly an improvement upon the Stibbert’s traditional approach, are still only in Italian, robbing international visitors of a full understanding of this special presentation. Another issue is that of the display cases themselves, which are almost all placed against walls. The problem lies in the fact that the pieces are three-dimensional but can only be seen from one side, shortchanging the unique chance of seeing these objects individually. The show’s most unfortunate weakness, however, is the missed opportunity to capture or address the cultural context of each piece – something that is also missing from the usual, permanent display of the objects in the museum. For example, the Japanese traditionally attributed religious, spiritual, social, and even political qualities to their armor and swords, a fact that the exhibition fails to acknowledge.

In the end, the wonderful experience Samurai! provides the visitor far outweighs  any shortcomings; it is an admirable exhibition of a collection unlike anything else in Florence and perhaps even Europe. It is a rare chance to not only see some of the most outstanding pieces of Fredrick Stibbert’s personal collection in a different light, but also offers a glimpse into the potential the entire museum has to offer if given the proper chance. An excellent start for the museum’s new director!

 

Samurai! Armature giapponesi dalla collezione Stibbert

di Justin Barber (Lorenzo de’ Medici)

La collezione giapponese del Museo Stibbert è certamente uno dei più notevoli gioielli nascosti di Firenze e una delle più importanti del suo genere oltre i confini del Giappone. Sfortunatamente, a causa dei necessari lavori di restauro, l’accesso a questa collezione è estremamente limitato, consentito cioè soltanto due volte alla settimana, a specifici orari e su richiesta. Allo scopo di facilitare una maggiore fruizione verso questa magnifica raccolta, il nuovo direttore del Museo Stibbert, Enrico Colle, di recente ha inaugurato una mostra particolare dal titolo Samurai! Armature giapponesi dalla collezione Stibbert. Questa esposizione non solo consente al visitatore di avere la rara opportunità di vedere, con più libertà, una grande parte della collezione che normalmente è relativamente sconosciuta, ma la fa anche apprezzare sotto una nuova luce.

Il maggior pregio dell’esposizione temporanea è la possibilità di visitare questa piccola selezione di oggetti dalla più grande collezione giapponese del museo in un allestimento più personale e moderno rispetto alla disposizione originale dei reperti. Normalmente l’esibizione di tali oggetti diventa oggetto delle medesime lodi o critiche espresse nei confronti del museo stesso (vedi: Il Museo Stibbert: un paradosso culturale); comunque Samurai! Separa questi pezzi per dar loro la chance di brillare individualmente come in opposizione all’allestimento intenzionalmente affollato dello spazio dedicato alla esposizione permanente. Spostandosi attraverso le stanze dalla luce soffusa, si trova un’introduzione attentamente pensata per illustrare i differenti tipi di oggetti della collezione, passando piacevolmente in rassegna oggetti domestici come ventagli e mobilia, oppure la popolare armatura da samurai e la katana (l’arma preferita dai Samurai sia nelle cerimonie che in battaglia).

L’aspetto delle vetrine e l’illuminazione sono decisamente più aggiornati rispetto al resto del museo, consentendo più flessibilità nell’approccio museologico. L’atmosfera generale di Samurai! conferisce un senso di esotico mistero, poiché le stanze oscurate sono circondate da una debole luce rossa e da brillanti faretti che evidenziano i singoli pezzi in mostra: luci che permettono al visitatore di esplorare visivamente i dettagli più minuti. Musica tradizionale giapponese con appropriati effetti sonori proviene da una delle stanze dedicate alla mostra, creando così una sensazione di anticipazione appena qualcuno si approssima alla sua fonte, una grande esposizione di armature da cerimonia, complete di ogni loro pezzo.

Ciò non significa che Samurai! sia impeccabile nella sua realizzazione. Le didascalie, che certamente sono arricchite rispetto al tradizionale approccio dello Stibbert, sono però solamente in italiano, privando i visitatori stranieri di una preziosa chiave di accesso che questa speciale presentazione fornisce. Un altro punto riguarda la disposizione delle stesse vetrine, che sono poste contro una parete con, soltanto, una eccezione. Il problema sta nel fatto che i pezzi in mostra sono tridimensionali, e possono essere visti solo da un lato, riducendo l’unica possibilità di ammirare questi oggetti singolarmente. Il maggior peccato, comunque, è l’occasione persa per riuscire a catturare o comprendere il contesto culturale di ogni pezzo, qualcosa che manca anche nell’allestimento permanente del museo. Per esempio, i giapponesi attribuivano tradizionalmente qualità religiose, spirituali, sociali ed anche politiche alle loro armature e spade, un aspetto che passa sotto silenzio in Samurai!.

Infine, l’esperienza che Samurai! fa provare al visitatore riesce a superare i suoi difetti; una ammirevole esposizione di una raccolta diversa da ogni altra in tutta Firenze e, forse, in Europa. Si tratta di una preziosa chance non solo di vedere alcuni dei più interessanti pezzi della collezione personale di Frederick Stibbert sotto una diversa luce, ma anche per sbirciare nel potenziale che l’intera raccolta che il museo ha da offrire se gliene viene data la possibilità. Un eccellente inizio per il nuovo direttore del museo!