By Alexis Brown (Lorenzo de’ Medici)

 

Casa Buonarroti, once a private family home, provides a unique experience for its visitors due to its display of its original collection, which emphasizes the works of Michelangelo Buonarroti. Currently Casa Buonarroti consists of a museum, archive, and library. Michelangelo originally purchased this residence for his father, and it was subsequently passed down through his family line. This home was expanded and renovated after Michelangelo’s death by his nephew, Michelangelo Buonarroti the Younger, to better showcase the family’s collection.

Casa Buonarroti’s collection utilizes two contrasting models of display throughout the museum. It combines a mixture of the traditional presentation of the house’s treasures, displaying the collection, as it would have originally been viewed. Such as in the archeology room, in this room cases are over filled with various objects with little labeling to identify or distinguish one piece from another. In contrast more modern display tactics are used with the contemporary gallery space on the ground floor, where pieces are well spaced, and labeled. However, this section feels like a late addition to this traditional home museum structure, taking away from the unity of the building, and its overall appeal. This creates an unharmonious presentation space that makes the ground floor difficult to seamlessly navigate.

The first-floor houses an exhibit that showcases an extremely small quantity of the 205 sketches by Michelangelo Buonarroti this museum currently owns. This is the largest collection of his sketches in the world, yet not even a quarter of it is on display.  Currently only a small number of these sketches are available to view, on a rotating display in a specially equipped room for their continued preservation. The limited accessibility to these pieces offers a unique opportunity to expand the museums display to better educate and interact with the public. By exhibiting all of the sketches within the collection, in a digital form, this exhibit would then allow the audience to better understand, interact, and appreciate this remarkable collection. These sketches could be displayed in an enlarged and continuously rotating virtual presentation, like a revolving sketchbook projected on a screen near the actually display. This would allow for the collection to be better appreciated in its entirety, while still maintaining the current display.

Casa Buonarroti houses a rich collection including numerous pieces by Michelangelo; however, the lack of accessibility to the majority of Michelangelo’s sketches leaves room for improvement and growth within this institution. Despite this shortcoming, the collection offers a fantastic view of Buonarroti family’s collection.

For more information on Casa Buonarroti please visit their website:

http://www.casabuonarroti.it/it/

 

Casa Buonarroti

By Alexis Brown (Lorenzo de’ Medici)

Casa Buonarroti, una volta casa privata di famiglia, offre un’esperienza unica per i suoi visitatori grazie all’esposizione della sua collezione originale che da enfasi alle opere di Michelangelo Buonarroti. Attualmente Casa Buonarroti è costituita da un museo, un archivio e una biblioteca.

Michelangelo originariamente acquistò questa residenza per suo padre ed in seguito è stata tramandata attraverso la sua linea familiare. La casa dopo la morte di Michelangelo venne ampliata e ristrutturata dal nipote, Michelangelo Buonarroti il Giovane, per esporre meglio la collezione della famiglia.

La collezione di Casa Buonarroti è esposta secondo due modelli contrastanti per tutto il museo. Il metodo espositivo combina una miscela di esposizione tradizionale dei tesori della casa e presenta la raccolta come sarebbe stata vista in origine. In una stanza, come in una sala archeologica, le teche sono riempite oltre modo con vari oggetti con poche etichette per identificare o distinguere un pezzo da un altro. Al contrario nello spazio della galleria contemporanea al piano terra vengono utilizzati metodi espositivi più moderni in cui i pezzi sono ben distanziati ed etichettati.

In ogni caso questa sessione sembra un aggiunta successiva a questa tradizionale casa museo e  toglie unità al palazzo e al suo aspetto globale. Questo crea uno spazio espositivo disarmonico che fa del piano terra un ambiente difficile da percorrere e discontinuo.

Il  primo piano ospita una mostra di una piccolissima quantità dei 205 bozzetti di Michelangelo Buonarroti che attualmente il museo possiede.  Questa è la più grande raccolta del mondo di disegni di Michelangelo ma neanche un quarto di essa è esposta. Attualmente solo un limitato numero di questi disegni sono visibili a rotazione su uno schermo in una sala appositamente attrezzata per la loro conservazione. L’accessibilità limitata a questi pezzi offre un’opportunità unica per espandere l’esposizione del museo e per meglio educare ed interagire con il pubblico.

Esibendo tutti i bozzetti della collezione in forma digitale, questa mostra potrebbe allora permettere al pubblico di capire meglio, interagire, e apprezzare questa straordinaria raccolta.

Questi disegni potrebbero essere visualizzati in una presentazione virtuale più ampia che scorre di continuo e, simile ad un album da disegno, renderlo consultabile proiettandolo su uno schermo accanto all’attuale esposizione. Ciò permetterebbe di apprezzare meglio la raccolta nella sua interezza mantenendo l’attuale disposizione.

Casa Buonarroti ospita una ricca collezione che include numerose opere di Michelangelo; tuttavia, la mancanza di accessibilità alla maggior parte dei disegni di Michelangelo lascia margini di miglioramento e di crescita all’interno di questa istituzione. Nonostante questa lacuna, la collezione offre una fantastica visuale sulla collezione della famiglia Buonarroti.

Per ulteriori informazioni su Casa Buonarroti si prega di visitare il sito:

http://www.casabuonarroti.it/it/

By Cole Fiala and Rosanna Sumera (Lorenzo de’ Medici)

 

Palazzo Davanzati may not be the oldest structure on via Porta Rossa, but the building nevertheless imparts a sense of significant historic character notable for its illustration of the evolution of display culture. Built for the Davizzi family in the 14^th century, Palazzo Davanzati served as a private home until 1910 when Elia Volpi opened the building as a private museum. Palazzo Davanzati regrettably does not display special exhibitions, however, it serves as a host to unique architectural and decorative features that particularly exemplify the beginning of display culture.

Upon entering the palazzo, visitors are welcomed not only by the ticket desk and gift shop, but by display cases with historic guest books that call to mind famous patrons of the 20th century. At that time collectors and travelers would visit the home to get inspiration for the decoration of their homes. Simple furniture from the 15^thto 17^th centuries complements elaborately decorated walls. These frescoes are original to the palazzo and represent fabric, which typically covered the walls during the colder seasons. As the summer months emerged, the tenants took down the fabric to expose the walls.

The content of the wall painting can be broken down into three parts: a large geometric pattern covering the bottom half of the wall, another smaller geometric frieze, and finally, at the top, either a pastoral scene, family crests, or depictions of architectural styles, depending on the room. Perhaps the most famous room in the palazzo is a bedroom with a love story depicted in the top most register. Spanning the entire circumference of the room, the frieze uses rounded Renaissance arches to divide the various scenes. Simple Medieval and Renaissance furniture contrasts the highly decorative wall frescoes. With this feature, the mixing of eras helps to instill the idea of transition which attracted many visitors.

Like many other houses turned museums in Florence, there is a lack of labels to accompany the objects in the collection. Doing so, however, emphasizes that these were once homes and the objects which we consider art or artifacts were items used for everyday life. One must understand the attempt of the curator to maintain the overall look of the house as it was in its original state, without overwhelming the home with labels.

Unlike the majority of house museums around Florence, Palazzo Davanzati offers a glimpse of Medieval decor as it transitioned to Renaissance splendor. With this, individuals began to flaunt their collections to the visitors they received. As a museum, the Palazzo Davanzati continues this boastful trend through its seemingly fixed place in the past. The singular function of the museum, to evoke the transition from Medieval to Renaissance eras, cripples the institution by narrowing the curated content. Through the reliance on one narrative, Palazzo Davanzati does not reach its full potential. The museum has a valuable story to tell, and while its role as a home remains true, innovations in design and operation may better serve the contemporary public.

 

Museo di Palazzo Davanzati

Di Cole Fiala e Rosanna Sumera (Lorenzo de’ Medici)

Palazzo Davanzati non sarà forse il palazzo più antico di via Porta Rossa tuttavia l’edificio mostra una notevole percezione storica grazie alle proprie illustrazioni del progresso culturale. Costruito per la famiglia Davizzi nel 14 ° secolo, Palazzo Davanzati fu utilizzato come una casa privata fino al 1910, quando Elia Volpi aprì l’edificio come museo privato.

Palazzo Davanzati purtroppo non espone collezioni particolari, tuttavia, propone una serie di elementi architettonici e decorativi unici che esemplificano particolarmente l’inizio della cultura esposta. Entrando nel palazzo i visitatori sono accolti non solo dalla biglietteria e dal bookshop ma anche da vetrine con libri storici degli ospiti che richiamano alla mente famosi patroni del 20 ° secolo. A quel tempo i collezionisti e viaggiatori avrebbero visitato il palazzo per trarre ispirazione per la decorazione delle loro case. Un semplice arredamento del 15°- 17 ° secolo integra pareti riccamente decorate. Questi affreschi sono originali del palazzo e rappresentano le stoffe che di solito coprivano le pareti durante le stagioni più fredde. Appena giungevano i mesi estivi gli inquilini buttavano giù il tessuto per esporre i muri.

Il contenuto dei dipinti può essere suddiviso in tre parti: un grande disegno geometrico che copre la metà inferiore della parete, un altro fregio geometrico più piccolo, e, infine, nella parte superiore, o una scena pastorale, o degli stemmi di famiglia, o rappresentazioni di stili architettonici, a seconda della stanza. Forse la stanza più famosa del palazzo è una camera da letto con  raffigurata una storia d’amore nel registro più alto. L’intera circonferenza del locale è decorata da archi rinascimentali decorati da fregi arrotondati che dividono le varie scene. Semplici mobili medievali e rinascimentali contrastano con gli affreschi molto decorativi. Questa caratteristica, la mescolanza di epoche, contribuisce a dare un idea di transizione che ha attirato molti visitatori. Come molte altre case trasformate in musei a Firenze, mancano le etichette che dovrebbero accompagnare gli oggetti della collezione.

In questo modo, tuttavia, si sottolinea che una volta queste erano delle abitazioni e gli oggetti, che noi consideriamo arte o manufatti, sono stati elementi utilizzati per la vita di tutti i giorni.

È neccessario comprendere la volontà del curatore di mantenere l’aspetto complessivo dell’abitazione come era nel suo stato originale senza sovraccaricarla con delle etichette.

A differenza della maggior parte delle case – musei nei dintorni di Firenze, Palazzo Davanzati offre uno scorcio della decorazione medievale in transizione verso lo splendore rinascimentale.

Grazie a questi elementi i proprietari cominciarono a ostentare le loro collezioni presso i visitatori che ricevevano.

Come museo,  Palazzo Davanzati continua questa tendenza vanagloriosa restando apparentemente fisso nel passato.

La singolare funzione del museo, che evoca il passaggio dal Medioevo al Rinascimento, paralizza l’istituzione restringendo il contenuto curatoriale. Ricorrendo ad una sola narrazione, Palazzo Davanzati non raggiunge il suo pieno potenziale. Il museo ha una storia preziosa da raccontare e mentre il suo ruolo di abitazione rimane chiaro, potrebbero essere utili, per un pubblico contemporaneo, delle innovazioni per quanto riguarda design e funzionalità del museo.

 

By Mackenzie Constantinou (Lorenzo de’ Medici)

 

Galleria Poggiali e Forconi.

October 18, 2014- January 20, 2015

The exhibit Luigi Ghirri. L’immagine impossibile is within the Gallery Poggiali and Forconi and is dedicated to the photographic works of Luigi Chirri who is from Scandiamo, a little country in the providence of Reggio Emilia.  Luigi Chirri was one of the protagonists of Italian photography.

His works started conceptual and transformed into the representation of independent language.  The camera became the instrument for reproducing real space and to exclude, for its nature, the portion of it.

This exhibit stems from the conscious choice of the author, which aspires to capture his photograph and synthesis between time and space.  The title of the exhibit seems to refer to his ambition that the artist tries to realize that staring above the imagination of landscapes and architecture that often are in conversation across them. These are a symbol of the natural and the artificial.

The staff, in particular, offers visitors around twenty photographs, which were produced in the late 1970s to the early 1990s and are organized in chronological order and divided into series.

The information on the author and the works are available on labels, which also provide the press release for the works.  On these labels the biography and the map with the relative number of the works, the title, year, series it appears in, the materials, and the size.  The works can also be found within the catalogue, which is in English and in Italian, and Angela Madesani curated the exhibit.

The first group of works is displayed in the first room of the gallery, which is part of the series Paesaggio Italianoand Still Life.  Within these series the photographer looks uncritically which enhances the symbols of Italy within these years.  Among these works we find Riccione that represents one of the beach destinations that is preferred within Italy. This beach with the typical cabinets become almost a metaphysical space or Pisa where the tower admired by the couple who are the protagonist of the image of Ghirri who is also depicted as a spectator.

Past the hallway the series of Bologna and Reggio Emilia are displayed.  These depict unique shots that represent the interior of the Museum of Astronomy and the Theater Reggiano. This leads into the second group of works, which belong to the series il Giardino di Pozzi depicting Reggio Emilia.  This is a city, which is often portrayed and tests the bond of the artist with the homeland.  The most important artists are in the garden, which is devoid of human presence, and is the emblematic subject of the art by Ghirri.  He writes that “for all the people the garden remains within a vast dictionary of nature, like a secluded place within the city, where a mysterious suspension of time and space mix, a rational organization and free forms”.  These photographs become a place suspended in the surreal, and act as a witness to the changes in light and season.

The last two rooms present the photograph series of Ciclo pittorico di Piazza Betlemme that is titled S. Giovanni in Persiceto, which was one of the last works, which was created when the artist was 90 years old.

This Reggiano artist photographs trompe l’oeil paintings of Gino Pellegrini in the Piazza di S. Giovanni in Persiceto.  A bicycle leaning against a brick wall, a cat that seems to appear from the windowsill, both allude to the continuous return between reality and fictional central theme.  For the artist that choose photographic means to represent reality, that presents a dark porthole of the window, that acts as a symbol for the representation of the target of the camera.

 

Luigi Ghirri. L’immagine impossibile.

By Carolina Caverni (Università di Firenze)

Galleria Poggiali e Forconi.

18 ottobre 2014 – 20 gennaio 2015

La rassegna Luigi Ghirri. L’immagine impossibile, ospitata dalla Galleria Poggiali e Forconi è interamente dedicata alle opere fotografiche di Luigi Ghirri che , originario di Scandiano, piccolo paese in provincia di Reggio Emilia, è stato uno dei protagonisti della fotografia Italiana.

La sua ricerca si sviluppa a partire dall’arte concettuale e giunge all’elaborazione di un proprio linguaggio indipendente; la macchina fotografica diventa lo strumento per riprodurre lo spazio reale ed escludere, per sua stessa natura, una porzione di esso. Questo procedimento nasce da una scelta conscia dell’autore, il quale aspira a cogliere nelle sue fotografie la sintesi tra tempo e spazio.

Il titolo della mostra sembra rimandare proprio a questa velleità che l’artista tenta di concretizzare  fissando soprattutto le immagini di paesaggi e architetture che, spesso in dialogo tra loro, costituiscono anche simboli del naturale e dell’artificiale.

La personale, in particolare,  propone al visitatore le fotografie, una ventina circa, eseguite tra la fine degli anni ’70 e l’inizio gli anni ’90 che sono esposte secondo il criterio cronologico e divise per serie.

Le informazioni sull’autore e sulle opere sono disponibili su schede cartacee che riportano il comunicato stampa, la biografia e la mappa con il numero relativo all’opera, il titolo, l’anno, la serie a cui appartiene, la tecnica e le misure è inoltre consultabile il catalogo, sia in inglese che in italiano, curato da Angela Madesani.

Il primo nucleo di scatti, ospitato nelle prime sale della galleria, fa parte delle serie Paesaggio Italiano e Still Life nelle quali il fotografo, con apparente sguardo acritico, esalta i simboli dell’Italia di quegli anni, tra queste opere troviamo  Riccione,  che rappresenta una delle mete balneari  preferite dagli italiani e in cui la spiaggia con le tipiche cabine diviene quasi uno spazio metafisico o Pisa dove la torre ammirata da una coppia è protagonista dello scatto di Ghirri che si pone anch’esso come spettatore.

Superato il corridoio, nel quale sono esposti Bologna e Reggio Emilia, unici scatti che rappresentano degli interni – il Museo di astronomia e il teatro reggiano – si accede al secondo nucleo di opere appartenenti alla serie il Giardino di Pozzi, realizzate a Reggio Emilia, città spesso ritratta e che testimonia il legame dell’artista con la terra natia.

Qui l’attore principale è il giardino che,  privo di presenze umane,  è un soggetto emblematico dell’arte di Ghirri di cui lui stesso scrive “ Per tutti il giardino rimane come un enorme abbecedario della natura, come il luogo appartato nella città, dove si mescolano in una misteriosa sospensione tempo e spazio, organizzazione razionale e forme libere” e nelle sue fotografie diviene luogo sospeso, surreale quasi, testimone solitario dei cambi di luce e stagione.

Infine, negli ultimi due spazi, la serie di fotografie provenienti da Ciclo pittorico di Piazza Betlemme intitolate S. Giovanni in Persiceto uno degli ultimi lavori realizzato negli anni 90.

Qui l’artista reggiano fotografa i tromphe – d’ oeil dipinti da Gino Pellegrini nella piazza di  S. Giovanni in Persiceto; una bicicletta appoggiata alla parete in mattoni, un gatto che sembra affacciarsi dal davanzale tutti elementi che alludono al continuo rimando tra realtà e finzione tema centrale per l’artista che sceglie il mezzo fotografico per rappresentare la realtà, infine l’oblò scuro di una finestra che ripete forse simbolicamente l’obiettivo della macchina.

 

By Mackenzie Constantinou (Lorenzo de’ Medici)

 

Gallery of Modern Art, Palazzo Pitti.

October 28, 2014- March 8, 2015

October 28^th was the opening of the Gallery of Modern Art within Palazzo Pitti , the exhibit is entitled Luci sul ‘900, Il centenario della Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti, 1914-2014.  The exhibit, curated by Simonella Condemi and Ettore Spalletti, serves the dual purpose of celebrating and tracing the history of the Florentine Gallery through the twentieth-century highlighting works acquired since its start in 1914, and it proposes a new museum in which the permanent collection would be expanded.  The works in the exhibit, which until now had been kept in storage, could in fact occupy the last room of the palazzo facing the piazza.

The route’s entrance is within an ‘introductory room’ which is located on the left, immediately after the book shop, above the ‘staircase’ of the Palazzo.  This is where the visitor encounters a large screen-printing by Giuseppe Capogrossi; a screen, which has the main works of the exhibit and a monitor, allows the viewers to consult a catalog.

The first room is dedicated to color, which made the institution of the Gallery possible.  There are portraits of officials such as Carlo Gamba, Giovanni Poggi, and Ugo Ojetti.  Two explanatory panels recount the history of the Gallery, whose birth was sanctioned by the Convenzione tra Stato and the Comune di Firenze in January 1914.  This agreement gave rise to the work of the Convenzione, which still covers acquisitions of the museum.  This first space illustrates the historical context of the dearly decades of the 1900s during which artists and intellectuals met at the Caffe Giubbe Rosse which is represented in the painting Solaria alle Giubbe Rosse by the Florentine artist Baccio Maria Bacci.

The route continues with the works that became part of the collection before the Convenzione thanks to both competitions, where the prize was Ussi.  In 1914 this was won by Pietro Fragiacomo, which is illustrated within the work Il traghetto that the donations were mainly from heirs of Macchiaioli painters: Telemaco Signorini, Giovanni Fattori, and Vincenzo Cabianca.

The next rooms present works chosen by the Commissione following the Conventionzione.  The paintings and sculptures are arranged in chronological order of their acquisition by the Gallery, which is illustrated in the explanatory panels. The texts also indicate the origin of the individual works that were found due to the Venice Biennale, which encourages local artists with the prize Fiorino gold or private donations.

Through the exhibition it is possible to view the main works that characterize Italian art of the XX century with the works of Gino Serverini, Giorgio de Chirico, Filippo de Paris, and Carlo Carrà.  The Tuscan artists are represented by Plino Nomellini, Ottone Rosai, Giovanni Colacicchi, and Elisabeth Chaplin.

The last part of the exhibit presents the recent acquisitions from the 1980s to present.  A few on display were Il bacio by Antonio Maraini, Canto dello stornello a work of great importance by Silvestro Lega, Paesaggio a Grizzana which is attributed to Giorgio Morandi a friend of Carlo Ludovico Ragghianti.

Each work of art within the exhibition is labeled, but these are only in Italian.  They also only provide the visitor with basic information such as the title, artist, year, and material.  It would be interesting to include the information about where traveling works are permanently housed, and some details about the preservation of the works.  The explanatory panels are in both Italian and English, and provide a detailed history of the Gallery and its acquisitions, but they do not provide many explanations, which may prove necessary for a visitor knowledgeable about the artists and historical events.  Some explanations are posted in away that do not relate to the core of the work so much so that they are repeated in several rooms, which creates confusion.

 

È Luci sul’ 900. Il centenario della Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti, 1914-2014.

Di Carolina Caverni (Università di Firenze)

 

Galleria d’arte moderna, Palazzo Pitti.

28 ottobre 2014 – 08 marzo 2015

Il 28 ottobre è stata inaugurata nella galleria d’arte Moderna di Palazzo Pitti la mostra Luci sul ‘900, Il centenario della Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti, 1914-2014.  L’esposizione, curata da  Simonella Condemi e Ettore Spalletti, ha il duplice scopo di celebrare e ripercorrere la storia della Galleria fiorentina, attraverso le opere novecentesche acquisite a partire dalla sua istituzione nel 1914, e di proporre un nuovo percorso museale nel quale la collezione permanente verrebbe ampliata. Le opere in mostra, che fino ad ora erano conservate nei depositi, in futuro potrebbero infatti occupare le ultime sale del Palazzo prospicienti la piazza.

Il percorso ha inizio in una sorta di “sala introduttiva” che si trova a sinistra, subito dopo il book shop, in cima al cosiddetto “scalone” del Palazzo, qui sono esposte una grande serigrafia di Giuseppe Capogrossi, uno schermo sul quale scorrono le principale opere della mostra ed un monitor grazie al quale si può consultare il catalogo.

La prima sala è dedicata a coloro che resero possibile l’istituzione della Galleria, sono infatti ritratti alcuni dei funzionari come Carlo Gamba, Giovanni Poggi e Ugo Ojetti, nei due pannelli esplicativi si racconta la storia della Galleria, la cui nascita venne sancita dalla Convenzione tra Stato e Comune di Firenze del giugno 1914, l’accordo diede inizio anche al lavoro della Commissione che tutt’ora  si occupa delle acquisizioni del museo.

In questo primo spazio è illustrato anche il contesto storico dei primi decenni del ‘900 durante i quali artisti e intellettuali si incontravano al Caffè Giubbe Rosse che è qui rappresentato nel dipinto  Solaria alle Giubbe Rosse del fiorentino Baccio Maria Bacci.

Il percorso prosegue con le opere che divennero parte della collezione prima della Convenzione grazie sia ai concorsi, come il premio Ussi che nel ‘ 14 venne vinto da Pietro Fragiacomo di cui è esposta l’opera vincitrice Il traghetto, che alle donazioni provenienti soprattutto dagli eredi dei  pittori macchiaioli Telemaco Signorini, Giovanni Fattori, Vincenzo Cabianca.

Nelle sale successive vengono  presentate le opere scelte dalla Commissione a seguito della Convenzione, le pitture e le sculture sono disposte secondo l’ordine cronologico di acquisizione da parte della Galleria che è illustrato nei pannelli esplicativi. Nei testi si segnala anche la provenienza delle singole opere che vennero reperite soprattutto grazie a canali come la Biennale di Venezia, manifestazioni artistiche locali come il premio Fiorino d’oro o le donazioni di privati.

Attraverso il percorso espositivo è possibile incontrare le principali correnti che caratterizzarono sia l’arte italiana del XX secolo, con opere di Gino Severini, Giorgio de Chirico, Filippo de Pisis, Carlo Carrà che quella toscana rappresentata da artisti come Plinio Nomellini, Ottone Rosai, Giovanni Colacicchi,  Elisabeth Chaplin.

L’ultima parte della mostra presenta le acquisizioni più recenti, dagli anni ’80 fino ad oggi, sono esposti Il bacio di Antonio Maraini, Canto dello stornello una delle più importanti opere di Silvestro Lega e  Paesaggio a Grizzana dedicato da Giorgio Morandi all’amico Carlo Ludovico Ragghianti.

Tutte le opere sono corredate da cartellini – solo in italiano- che si limitano a dare le informazioni di base (titolo, autore, anno, tecnica) considerando che alcune fanno parte della collezione permanente  esposta in Galleria ma la maggior parte provengono dai depositi sarebbe stato forse interessante segnalare il luogo dove ognuna è attualmente conservata.

I pannelli esplicativi , sia in italiano che in inglese, sono esaustivi soprattutto per quanto riguarda la storia della Galleria e delle sue acquisizioni ma non danno molti chiarimenti, forse necessari per un visitatore poco esperto, sugli artisti e le correnti.

Infine alcune spiegazioni sono posizionate in modo da non distinguere bene il nucleo di opere alle quali si riferiscono tanto che talvolta sono ripetute in più sale creando dunque un po’ di confusione.