Vasari, the Uffizi, the Duke and the new technologies

By Alessandra Sernissi (University of Florence)

Florence has decided to pay tribute, on the five-hundredth anniversary of his birth, to a great genius of the 16th century: Giorgio Vasari (1511-1574). This show, entitled “Vasari, the Uffizi and the Duke,” highlights the close relationship between the Grand Duke Cosimo I de’Medici and his favorite artist, which then led to the foundation of a building complex unparalleled in the world: the Uffizi. The exhibition, which is open to the public and has been extended until January 8, 2012, can be accessed after having visited the gallery on the second floor.

The aspect that above all represents this show and makes it very innovative is the virtual one, as some sections are distinguished from others because they are supported by equipment of the new generation, usually foreign to the world of art, which prefers to use classical mounting criteria. With the use of new technology, the curators Conforti, De Luca, Funis and Godoli manage to bring the visitors into the Florentine world of the 1560’s, and even include them in the construction of the Uffizi.

In the eighth room, the visitor is surrounded by the Vasarian site and can observe all of the various phases that have characterized this great construction project, beginning with the demolition of the houses that at one time occupied this area. The visitor has, moreover, a special guide, for on the walls, there are projected phrases of Vasari that explain every step of the construction. This new type of arrangement, supported by new technology, is becoming increasingly popular in the world of artistic exhibitions, so much so that even in the exposition of Palazzo Strozzi “Money and Beauty”, a multimedia element is present.

Also proven to be very useful are all of the various touch screens positioned in almost every room to allow visitors to understand how the face of Florence was changed in only twenty years by the construction of the Uffizi; they have, in fact, displayed various panoramas of the old city. This new type of preparation is certainly of great help in communicating with the observer, but it could, at the same time, distract from and overshadow the real masterpieces exhibited. Finally, the projectors that are positioned in the rooms and that, on the ceiling, place images of paintings by Vasari and by his contemporaries, could cause observers to prefer a digitally reproduced work of art to one on panel or canvas, for it is better presented with more brilliant colors.

 

Vasari, gli Uffizi, il Duca e le nuove tecnologie

di Alessandra Sernissi (Università di Firenze)

Firenze ha voluto rendere omaggio, nel quinto centenario della sua nascita, a un grande genio cinquecentesco: Giorgio Vasari (1511-1574). Questa mostra, intitolata “Vasari, gli Uffizi e il Duca”, mette in risalto le strette relazioni tra il Granduca Cosimo I de’ Medici e il suo artista prediletto, che portarono poi alla fondazione di un complesso edilizio senza eguali al mondo: gli Uffizi.  All’esposizione, la cui apertura al pubblico è stata prorogata fino all’ 8 Gennaio 2012, si accede dopo aver visitato il museo situato al secondo piano.

L’aspetto che più di tutti rappresenta questa mostra, e la rende molto innovativa, è quello virtuale, in quanto alcune sezioni si distinguono dalle altre perché supportate da apparati di nuova generazione di solito estranei al mondo dell’arte che preferisce avvalersi dei classici criteri allestitivi. Con l’utilizzo delle nuove  tecnologie i curatori Conforti, De Luca, Funis e Godoli sono riusciti a far entrare i visitatori nel mondo fiorentino degli anni sessanta del Cinquecento e li hanno addirittura inseriti nella fabbrica degli Uffizi.

Nell’ottava sala, l’osservatore entra virtualmente a far parte, assieme alle varie maestranze presenti, del cantiere vasariano e può assistere a tutte le varie fasi che hanno  caratterizzato questa grande fabbrica a partire dalle demolizioni delle abitazioni che un tempo si trovano in quella zona. Il visitatore ha inoltre una guida d’eccezione: Giorgio Vasari. Sulle pareti, infatti, sono proiettare frasi tratte dai testi del maestro aretino che spiegano ogni passaggio costruttivo. Questo nuovo tipo di allestimento, supportato dalle nuove tecnologie sta prendendo sempre più campo nel mondo delle rassegne artistiche, tant’è che anche nell’ esposizione di Palazzo Strozzi “Denaro e Bellezza” è presente un apparato multimediale.

Di molta utilità inoltre si rivelano tutti i vari touch screen posizionati quasi in ogni sala che permettono ai visitatori di capire come cambiò, all’epoca, il volto di Firenze in soli vent’anni con la costruzione degli Uffizi; sono infatti riportate varie panoramiche della città antica. Questo nuovo tipo di allestimento è sicuramente di grande aiuto nella comunicazione con l’osservatore, ma allo stesso tempo lo può distrarre dai veri capolavori esposti, come ad esempio molte pitture cinquecentesche, oppure gli stessi disegni che  mostrano i progetti per la fabbrica, che potrebbero passare in secondo piano.  Infine, i proiettori che sono posizionati nelle sale e che riportano sul soffitto immagini di dipinti di Vasari e di suoi contemporanei, possono far sì che si preferisca osservare un’opera riprodotta in digitale piuttosto che una tavola o una tela, solo perché meglio presentata e con colori più brillanti.

Money and Beauty

by Alessandra Sernissi (University of Florence)

In the course of the Renaissance, the link that united art and economy in Florence was very tight. This show, organized in the wonderful setting of Palazzo Strozzi, and entitled “Money and Beauty: Bankers, Botticelli, and the Bonfire of the Vanities”, illustrates how the flourishing of the modern banking system and the undisputed role of Florence have been parallel and preliminary to the more modern artistic climate of the Western world.

The exhibition, which will remain open to the public until January 22, 2012, is situated on the main floor of one of the most famous palaces of Florence, and is divided into nine rooms. The visit opens with objects symbolizing Florentine power in Europe: the gold florin, which allowed town bankers to dominate the world of commercial trade and, in consequence, to finance the Renaissance. On display are 105 masterpieces of various types; standing out among them all are the paintings of Botticelli, Beato Angelico, and Memling. In some works, likeThe Money Changer and his Wife, painted by Flemish artist Marinus Van Reymerdswaele, we can observe a real banker from the era in his office.

The show offers real insight into the economic world of the 15th century. Visiting the exhibition, one notes how the route evolves. In the first room, there are some real florins from the period, as well as paintings that represent how the world of art was financed. Thanks to enormous earnings, the Medici became the greatest patrons, attempting to redeem themselves from the accusation of usury made in those years by the Church against dealers of money.

Further ahead, in the third room, there are exhibited objects typical of financial activity. Found here are records on which bankers noted loans, as well as antique safes and examples of very interesting security locks. The route continues in the central part of the exhibit, with the show’s most important works on-loan from the Vatican, London, New York, Rotterdam and, obviously, from the Uffizi. These paintings demonstrate the great civilization and the importance that the Florentine bankers of the time were able to give to the city and to artists like Beato Angelico, Botticelli, and Pollaiolo.

The last part of the show, on the other hand, represents the purification of Florence after the removal of the Medici by Girolamo Savonarola. The Dominican friar, with his severe doctrine, wanted to cleanse the Florentine society that was enslaved by money and ephemera. The most representative work of this section is that by Ludwig von Langenmantel, who shows the preparation for the bonfire of the vanities by the religious. Within the exhibition, there is a constant presence: the work of Botticelli. We can analyze the evolution of the artistic thought of the master; the painter of both of the ideal beauty during the Medici reign and of the religious unrest during Savonarola’s Republic.

Analyzing the show from a more museological point of view, we see an innovation. During the course, it is possible to participate in an interactive game “Follow Your Florin”, which allows the visitor to virtually enter into the banking world of the 15th century, by investing and making a profit of 1000 florins. All this is very interesting, but the observer may be distracted, and thus unable to follow the main thread of the exhibition. As for the exhibition space, it is well-utilized, and the works are well-illuminated and arranged according to much criteria, in some cases, there are only two works per room, so that the visitors can fully enjoy them.

A touch of innovation in this arrangement is given also by particular captions. The most representative works correlate with explanations written by two curators: Ludovica Sebregondi and Tim Parks, who analyze the various masterpieces respective to their points of view. The former rigorously explains the works in an artistic aspect by analyzing the style and the iconographic choices of the artist. The latter attempts to give a more critical reading, highlighting the motives that caused the artists to represent certain subjects, particularly emphasizing the influence of the political situation on pictorial choices.

In this way, the curators would like to direct the observer towards a more attentive and meticulous visit by attempting to provide the visitor with two valid points of reference, allowing for the observation and better understanding of the themes of the exhibition. One example is constituted by Orcagna’s painting of The Punishment of Avarice. The curators carefully describe the fresco from Santa Croce. Misers are destined to spend eternity in hell, which is represented by a cave of a mountain, and among them, we note a cardinal, a pope, a nun, and wealthy laymen. Parks, instead, in a short caption, explains the intrinsic meaning of the painting. The work would have caused problems for the clergy, who had large deposits in the Florentine banks, and who, for this reason, are represented in the fresco; moreover, the work would have embarrassed the rich Florentines who, when they commissioned a work, would have preferred a painting with a more reassuring subject, such as the image of the Virgin.

I encourage all readers to visit this exposition in order to better understand the world of Renaissance finance, which made Florence the economic capital of the world.

 

Denaro e Bellezza

di Alessandra Sernissi (Università di Firenze)

Nel corso del Rinascimento il legame che unisce arte e economia a Firenze è strettissimo. Questa mostra, organizzata nella splendida cornice di Palazzo Strozzi, intitolata “Denaro e Bellezza. I banchieri, Botticelli e il rogo delle vanità”, ci illustra  come il fiorire del moderno sistema bancario e l’indiscusso ruolo centrale di Firenze siano stati paralleli e propedeutici alla maggiore stagione artistica del mondo occidentale. L’esposizione, che rimarrà aperta al pubblico fino al 22 Gennaio 2012, è situata al piano nobile del più famoso palazzo signorile di Firenze e si articola in nove sale. Il percorso si apre con l’oggetto simbolo del potere fiorentino in Europa: il Fiorino d’oro che permise ai banchieri cittadini di dominare il mondo degli scambi commerciali e in conseguenza di finanziare il Rinascimento. Sono esposti ben 105 capolavori di vario tipo; spiccano tra tutti le pitture di Botticelli, Beato Angelico e Memling. In alcune opere come “Il cambiavalute e sua moglie” dipinta dal fiammingo Marinus Van Reymerdswaele possiamo osservare un vero proprio banchiere dell’epoca all’opera nel suo studio. La mostra ci offre un reale spaccato del mondo economico del Quattrocento. Visitando l’esposizione si nota come il percorso evolva. Nelle prime sale si trovano alcuni veri fiorini dell’epoca e pitture che rappresentano come il mondo dell’arte venisse da essi finanziato. Grazie agli enormi guadagni i Medici diventano grandi mecenati tentando così di riscattarsi dall’accusa di usura mossa in quegli anni dalla Chiesa nei confronti dei commercianti di denaro. Più avanti, nella terza sala, sono esposti oggetti tipici dell’attività finanziaria. Si trovano i registri su cui i banchieri annotavano i vari prestiti, le antiche casseforti ed esempi di lucchetti di sicurezza molto interessanti. Il percorso prosegue nella parte centrale con le opere più importanti provenienti dal Vaticano, da Londra, da New York, Rotterdam e ovviamente dagli Uffizi. Queste pitture manifestano la grande civiltà e l’importanza che i banchieri fiorentini del tempo seppero assegnare alla città e ad artisti come l’ Angelico, Botticelli, Pollaiolo. Nell’ultima parte della mostra, invece, è rappresentata la purificazione di Firenze dopo la cacciata dei Medici da parte di Girolamo Savonarola. Il frate domenicano, con le sue severe dottrine, voleva ripulire la società fiorentina schiava del denaro e dell’effimero. L’opera più rappresentativa di questa sezione è quella di Ludwig von Langenmantel  che ci mostra la preparazione del rogo delle vanità da parte del religioso. All’interno del percorso espositivo è presente una costante: l’opera di Sandro Botticelli. Si analizza infatti l’evolversi del pensiero artistico del maestro; pittore della bellezza ideale durante il regno mediceo e dell’inquietudine religiosa durante la Repubblica savonaroliana.

Analizzando la mostra da un punto di vista più museologico si riscontra una novità. Durante il percorso è possibile partecipare al gioco interattivo “Segui i tuoi Fiorini” che permette al visitatore di calarsi virtualmente nel mondo bancario del Quattrocento investendo e facendo fruttare 1000 fiorini. Tutto ciò risulta molto interessante però l’osservatore potrebbe essere distratto e così non riuscire a seguire il filo conduttore dell’esposizione. Per quanto riguarda lo spazio espositivo è molto ben sfruttato, le opere  sono ben illuminate e sistemate con molto criterio, in alcuni casi anche soltanto due per sala così da permettere al visitatore di goderne a pieno. Un tocco di innovazione in questo allestimento è dato anche dalle particolari didascalie. Le opere più rappresentative sono correlate da due spiegazioni scritte dai curatori: Ludovica Sebregondi e Tim Parks che analizzano i vari capolavori dai rispettivi punti di vista. La prima spiega rigorosamente le opere sotto l’aspetto artistico e analizza lo stile e le scelte iconografiche degli autori. Il secondo tenta di dare una lettura più critica mettendo in evidenza i motivi che portavano gli artisti a rappresentare certi soggetti, sottolineando in modo particolare l’influenza data dalla situazione politica nelle scelte pittoriche . Si vuole, in questo modo, indirizzare l’osservatore verso una visita più attenta e meticolosa, cercando di dargli due validi punti di riferimento per osservare e capire meglio il percorso espositivo. Un esempio è costituito dal dipinto dell’Orcagna La punizione degli avari. La Sebregondi descrive attentamente l’affresco che proviene da S. Croce. Gli avari sono destinati a trascorre l’eternità all’inferno, rappresentato da una montagna con cavità, e tra loro ci segnala un cardinale, un papa, una suora e laici agiati. Parks, invece nella breve didascalia, spiega il significato intrinseco dell’opera. Questa voleva mettere in difficoltà il clero che aveva ampi depositi nelle banche fiorentine, da qui la rappresentazione nell’affresco, ed inoltre, mettere a disagio i ricchi fiorentini i quali quando dovevano commissionare un’opera preferivano soggetti più rassicuranti come le immagini della Vergine.

Consiglio a tutti i lettori di visitare questa esposizione per conoscere più da vicino il mondo della finanza rinascimentale che fece di Firenze la capitale economica mondiale.

Aron Demetz: Solid Fragility at Villa Bottini in Lucca

by Brigid Brennan (Lorenzo de’ Medici)

Coming across the gardens and the interior art exhibition at Villa Bottini in Lucca is like stepping into an undiscovered world. Passing through the gates into the garden, one discovers a sprawling space perfect for taking a brisk walk. Upon entering the stately structure through the wide and spacious threshold, visitors are greeted by a video and catalogues of Demetz’s work spread across a table within fresco-covered walls. Welcome to the previous home of the Buonvisi family from the the sixteenth century, now filled with the ethereal works of Italian sculptor Aron Demetz.

The core of Aron Demetz’s collection consists of human forms composed of various materials including plastic, metal and most impressively, wood. Beginning with metal and moving on to marble, the essence of the artist’s work is represented most effectively in the fluid forms emerging from the element of wood. One of the rooms is devoted entirely to this medium, filled with twisting and writhing figures in their most raw state. The circular progression of the rooms within Villa Bottini follows the varying stages of completion of these carvings, continually increasing in complexity.

The sculptures of Demetz rise up before the visitor like smoke; completely natural figures forged in the likeness of human bodies, though smaller and more sprightly. Slim delicate figures lightly perched on their stands are filled with an air of natural grace. There is a certain life-force embodied by these creatures that come from the Val Gardena forests of northern Italy, carrying with them a sense of gravity and purpose. It is as though they remain in a state of repose before springing into action. Captured in their corporeal state, the sculptures long to take a breath of air, tormented by the struggle for a real and true life. They appear trapped in this reality, as in the frozen momentum of Daphne caught by Apollo.

Roughly hewn from trees of linden and cedar, the scent of raw wood drifts through the air, inviting visitors to explore the artist’s material and method. The lingering smell transports visitors to the forest from which these strange beings arrived, and awakens in them a sense of wonder and awe. Some sculptures are immersed in a resin-like sap, covering their faces, or dripping down their bodies.

The artist carves with the direction of the grain of the wood, giving the impression that these bodies emerged directly from the trunk. The natural contour of the wood reveals the inner form, much like Michelangelo carving away marble to reveal its desired state of being. Perfection of form is achieved through subtle curves in the sculpture, imbuing each figure with airiness and grace.

High and lofty, the wooden bodies look down upon the viewer from their state of perpetual rooting. Staring into eternity with lost hopes of ever escaping this wooden encasement to become real, these trapped souls will never be so lucky as Pinocchio. Eternally rooted on the stumps on which they stand, these human figures have been immortalized by the intuitive touch of Aron Demetz.

 

Aron Demetz. Fragilità solido a Villa Bottini a Lucca

 di Brigid Brennan (Lorenzo de’ Medici)

Imbattendosi prima nel giardino e poi nella mostra situata all’interno di Villa Bottini a Lucca sembra di trovarsi in un mondo sconosciuto. Attraversato il cancello che limita la proprietà, si scopre uno spazio molto esteso, perfetto per una passeggiata in compagnia. Una volta entrati nel’imponente struttura attraverso l’ampia e spaziosa soglia, i visitatori sono accolti da un video e dai cataloghi delle opere di Demetz sparsi su un tavolo sovrastato da un soffitto affrescato.  Benvenuti in quella che fin dal quindicesimo secolo è stata la casa della famiglia Buonvisi, e che adesso ospita le eteree opere dello scultore italiano Aron Demetz.

Il cuore della collezione di Aron Demetz consiste di forme umane composte da materiali vari, inclusa la plastica, il metallo e, nel modo più impressionante, il legno. Cominciando con il metallo e proseguendo con il marmo, l’essenza dell’opera dell’artista è rappresentata in realtà dalle forme fluide che emergono dagli elementi di legno. Una stanza è dedicata interamente a questo materiale, le cui figure si girano e si contorcono del loro stato più grezzo. La progressione circolare delle stanze di Villa Bottini segue le diverse fasi di completamento di queste sculture che continuamente aumentano di complessità.

Le sculture di Demetz si sollevano davanti al visitatore come fumo; figure completamente naturali forgiate a somiglianza di corpi umani, anche se più piccole e più vivaci. Figure snelle, piene di grazia naturale e leggermente arroccate sui loro supporti. C’è una certa forza vitale incarnata da queste “creature” realizzate con il legno dei boschi della Val Gardena, nel Nord Italia, che portano con sé un senso di gravità e un determinato scopo.  Sembra quasi che si trovino in uno stato di riposo prima di entrare in azione. Catturate nel loro stato corporeo, le sculture sembra vogliano prendere un po’ d’aria,  tormentate dalla lotta per una vita reale ed autentica. Appaiono intrappolate nella loro realtà, come la forza dinamica dell’Apollo e Dafne del Bernini.

Le opere intagliate approssimativamente da alberi di tiglio e cedro, il profumo del legno pervade l’aria, invita il visitatore a esplorare i materiali usati dall’artista ed il suo metodo di lavoro. L’odore persistente trasporta l’osservatore nella foresta da cui arrivano questi strani esseri, e risveglia in loro un senso di meraviglia e di stupore. Alcune sculture sono immerse in una resina che copre i loro volti e gocciola sui loro corpi.

L’artista scolpisce seguendo la direzione delle venature del legno, dando l’impressione che i corpi emergano direttamente dai tronchi. Il profilo naturale del legno rivela la forma interna, molto similmente a Michelangelo che scolpiva eliminando il marmo per rivelare il desiderio di essere della scultura stessa. La perfezione delle forme è realizzata attraverso sottili curve,  che permeano ogni figura di grazia e leggerezza.

Alti e elevati, i corpi guardano il visitatore dall’alto del loro stato di perpetuo radicamento, fissano l’eternità con la speranza ormai persa di non poter mai scappare da quella prigione di legno, di non poter diventare reali; queste anime intrappolate non saranno mai così fortunate come Pinocchio. Eternamente radicate sui ceppi su cui si trovano, queste figure umane sono immortalate dal tocco intuitivo di Aron Demetz.

Cecco Bonanotte for Vinci

by Alessandra Sernissi (University of Florence)

The link that unites Cecco Bonanotte to the city of Vinci, the place where Leonardo was born, is very strong. This show, entitled “Cecco Bonanotte for Vinci”, is set up in the Leonardian Museum, or, more precisely, inside the Conti Guidi Castle. The exposition was organized in the occasion of the inauguration of the permanent sculpture series realized by Bonanotte for the church of Santa Croce in Vinci.

The master artist has represented the history of salvation in nine scenes, among which there are the Passion, the Death and the Resurrection of Jesus, placed around the baptismal font, where Leonardo da Vinci is believed to have been baptized. In two rooms of the castle, which are the Room of the Podestà and the Room of the Solids, the show presents some of the most significant works of Bonanotte created between 1970 and 2010, showing how the artistic thought of the master has evolved into a very original language. Some drawings are displayed, but there are mainly sculptures cast in bronze, copper and gold, all of which, with their warm tonality, provide an ambiance that has a touch of magic.

The most frequent characters are tight-rope walkers, represented as stylized human figures that are elongated with a great lightness and that, in most cases, are balanced on a thin line that projects into the open space. Looking attentively, we discover the true significance of these works that show a man who, walking in equilibrium along the line of his life, is projected along the uncertainty of his existence. In my opinion, the fact that the characters are sculpted or drawn in a very small size demonstrates how a human being feels powerless in the face of nature and its will, though is sometimes animated by a hope that causes him to rise higher.

Analyzing the exhibition from a more museological point of view, one notes how the spaces of  the Leonardian Museum are best utilized. The Room of the Podestà is typically Tuscan in architecture and rich in light; and the works, arranged along the four walls and in the center, shine in a particular way during the sunniest parts of the day, almost as if they have a light of their own.

The Room of the Solids is, instead, a little darker, and is very innovative in its arrangement, for is characterized by the coexistence of works by Bonanotte and some geometric figures reconstructed from Da Vinci’s drawings.

I advise readers to visit this show very attentively so as not to lose the opportunity to compare two masters like Leonardo and Cecco, artists of international fame and very important exponents of artistic thought in their time.

 

Cecco Bonanotte per Vinci

di Alessandra Sernissi (Università di Firenze)

Il legame che unisce Cecco Bonanotte alla città di Vinci, paese natale di Leonardo, è strettissimo. Questa mostra, intitolata appunto “Cecco Bonanotte per Vinci”, è allestita  nei locali del Museo Leonardiano, più precisamente all’interno del Castello dei Conti Guidi e si concluderà domenica 6 novembre 2011. L’esposizione è stata organizzata in occasione dell’inaugurazione del ciclo scultoreo permanente realizzato da Bonanotte per la chiesa di Santa Croce a Vinci.

Il maestro ha rappresentato la storia della salvazione con nove scene tra cui la Passione, la Morte e la Resurrezione di Gesù, collocate intorno al fonte battesimale in cui si pensa sia stato battezzato il Vinci. La mostra, nelle due sale del Castello, quella del Podestà e dei solidi, propone alcune tra le opere più significative del Bonanotte realizzate dal 1970 al 2010 che mostrano come il pensiero artistico del maestro si sia evoluto in un linguaggio molto originale. Sono esposti alcuni disegni ma soprattutto sculture fuse in bronzo, rame ed oro che, con le loro calde tonalità, conferiscono all’ambiente un tocco di magia.

I personaggi più frequenti sono i funamboli, rappresentati come figure umane stilizzate, allungate, di grande leggerezza che nella maggior parte dei casi si trovano in equilibrio su una linea sottilissima che si sporge nello spazio aperto. Osservando con attenzione scopriamo il vero significato di queste opere che ci mostrano l’uomo che, camminando in equilibrio lungo le linee della vita, è proiettato verso l’incertezza dell’esistenza.  A mio parere, il fatto stesso che i personaggi siano scolpiti o disegnati in misura molto piccola dimostra come l’essere umano si senta impotente nei confronti della natura e del suo volere, pur essendo talvolta animato da una speranza che lo porta ad innalzarsi verso l’alto.

Analizzando l’esposizione da un punto di vista più museologico si nota come gli spazi del Museo Leonardiano siano stati sfruttati al meglio. La sala del Podestà, di architettura tipicamente toscana, è ricchissima di luce e le opere, disposte lungo le quattro pareti e al centro, nelle ore più soleggiate della giornata, risplendono in modo particolare, quasi di luce propria.

La sala dei solidi, invece, un po’ più buia, è caratterizzata dalla compresenza delle opere di Bonanotte e di alcune figure geometriche ricostruite da disegni Vinciani, e ciò rappresenta per me un allestimento molto innovativo.

Consiglio ai lettori di visitare molto attentamente questa mostra per non perdere l’occasione di mettere a confronto due maestri come Leonardo e Cecco, artisti di fama internazionale e esponenti autorevoli del pensiero artistico del loro tempo.

Luigi Pecci Center for Contemporary Art: “Live! Art Meets Rock” Exhibit

by Brigid Brennan (Lorenzo de’ Medici)

The Luigi Pecci Center for Contemporary Art is marked by sharp contrasts. Hearing about the museum’s international acclaim and progressive shift towards incorporating contemporary art into the fabric of the everyday lives of people in Prato and Italy, one would expect a treasure of a museum to unfold before their eyes.

However, this is not the case. The external appearance of the museum is lacking in luster, to say the least. In fact, it would be easy to pass by this uninviting, dismal structure, which is about twenty minutes away from Florence by bus. Visitors to the Pecci Museum are greeted by a massive construction site. The drab and deteriorating exterior, however, does not prepare one for the artistic richness to be discovered inside. What appears to be an abandoned complex is actually the home of Italy’s first center devoted entirely to the promotion of contemporary art.

Founded in 1988 by industrialist Enrico Pecci as a tribute to his son Luigi’s premature death, the museum stands as an innovative cultural center within, and for, the community of Prato. Rooted in this city known for its flourishing textile industry, the center was designed by Italo Gamberini, a famous Florentine architect. At the present, this twenty-three-year-old museum is undergoing drastic changes to allow for an expanded wing under the direction of Maurice Nio. While one may see complete destruction on the front lawn of the museum, another may see the museum’s potential for growth. With the new changes, the Luigi Pecci Center for Contemporary Art is set to double its exhibition spaces and also be able to display its permanent collection by the year 2013.

Once one has navigated one’s way through traffic and found the entrance to the seemingly closed-down museum, one will find it is actually a fully-functioning institution with a multitude of facilities, exhibits, and events. These include an extensive library with a virtual reading room, permanent and temporary exhibition halls, and an auditorium space for live shows, such as concerts or films. The multidisciplinary features and lively atmosphere discovered inside are unexpected surprises compared with the exterior of the building.

Exploring the current exhibit Live! Art Meets Rock is a feast for the senses. The curators Luca Beatrice and Marco Bazzin have combined visual and audio material alongside an array of artistic pieces, expressing a different time period in every room. Beginning with the late 60’s, the end of an era, the show passes through each decade’s rock bands, TV recordings, installations and unconventional contemporary artists, finally arriving at the 21st century. This show is a fusion of movements and events happening simultaneously throughout the past 40 years of our cultural history.

The Beatles, Pink Floyd, David Bowie, the Sex Pistols, and Michael Jackson are just a few of the many legends of musical history in this saga through the past. These “performance artists” are linked, through spatial association, to concurrent artistic movements, such as the outdoor installations of Robert Smithson, Andy Warhol’s Pop Art, and the Graffiti Art of Keith Haring, to name a few. Also a part of the experience are a variety of music streams, the airing of MTV’s first song “Video Killed the Radio Star”, and televisions portraying concert series.

While the Luigi Pecci Center for Contemporary Art succeeds in creating an upbeat vibe and a navigable narrative, the exhibition falls short in a few respects. First, as previously stated, is the museum’s accessibility. In addition to having a lack of proper walkways towards the entrance of the museum from the street, the museum appears to be making very little effort to promote its current shows to surrounding areas.

Next, while venturing through Live! Art Meets Rock, there is an influx of music flowing through the air. These recordings are placed in separate rooms, yet are loud enough to intervene and even drown out any speaker trying to relay information about the artworks present.

Finally, there are plenty of brochures available for the taking near the entrance to the museum, and even a fantastic booklet created to specifically cover the different eras in the exhibit- for Italian visitors only. There are no English alternatives provided. What is striking is that, mounted on the walls of the exhibit, labels are written in both Italian and English. This is a major discrepancy which points to a lack of communication within the museum.

One key concept that is functioning very well at the Luigi Pecci Center for Contemporary Art is its goal to keep a finger on the artistic pulse of the world. This has been effectively expressed through the museum’s permanent collection, as well as its wide array of temporary exhibits. With the new expansion process in place and an antennae being installed to “sense the waves” (Maurice Nio) of contemporary movements happening around Prato and Italy, this museum stays true to its original purpose, which is to provide a space for a dynamic and changing contemporary art scene for its community, both local and international.

 

Information:
www.centropecci.it
[email protected]

Viale della Repubblica 277
59100 Prato, Italy
Tel. +39 0574 5317
Fax +39 0574 531901

Hours:
Wednesday – Monday 4pm – 11pm
Closed on Tuesdays

Entry: Free

 

Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci: la mostra “Live! L’arte incontra il rock”

di Brigid Brennan (Lorenzo de’ Medici)

Il Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci presenta forti contrasti. La fama internazionale del museo e il suo progressivo cambiamento, attraverso l’ inserimento di nuove opere contemporanee, che sono entrate a far parte del quotidiano dei cittadini pratesi e italiani, farebbero pensare a  museo eccezionale in tutte le sue parti.

Non è questo il caso. L’edifico, esternamente, non è in buone condizioni, a dir poco. Infatti, è facile scambiarlo con un edificio dismesso di Prato, città distante venti minuti da Firenze, raggiungibile con l’autobus. I visitatori del museo Pecci si trovano di fronte a un massiccio complesso. Comunque, le facciate deteriorate non rispecchiano la ricchezza artistica che si scoprirà all’interno. Quello che appare un edificio abbandonato è il primo centro italiano dedicato alla valorizzazione dell’arte contemporanea.

Fondato nel 1988, dall’ industriale Enrico Pecci, come tributo per la morte prematura del figlio, il museo è un centro culturale innovativo all’ interno della comunità pratese. Radicato nella città, conosciuta per la fervente industria tessile, il polo museale è stato progettato dall’architetto fiorentino Italo Gamberini. Al momento, il museo, che ha raggiunto ventitre anni di attività, sta attraversando un periodo di cambiamento che permetterà l’apertura di un’altra ala grazie al progetto di Maurice Nio. Guardando la facciata frontale del museo, c’è chi vede completa distruzione e chi vede un’opportunità di crescita. Per merito dei nuovi cambiamenti, il Pecci raddoppierà il suo spazio espositivo e potrà esporre  la nuova collezione permanente dal 2013.

Una volta riusciti a superare il traffico stradale si riesce a scoprire l’entrata del museo, che all’apparenza sembra chiuso. All’interno i visitatori scoprono un centro polifunzionale ben attrezzato per mostre ed eventi. È  presente una grande biblioteca dotata di stanze adibite a lettura virtuale, che affianca le aree espositive permanenti e temporanee. Inoltre è presente un auditorium dedicato a concerti, alla proiezione di film. La multidisciplinarità e l’atmosfera viva dell’interno sono inaspettate sorprese rispetto all’esteriorità dell’edificio.

Visitando la mostra “Vivi! L’arte incontra il rock” ho provato forti emozioni. I curatori Luca Beatrice e Marco Bazzin hanno posizionato supporti audio e video lungo il percorso espositivo per spiegare i diversi periodi analizzati in ogni stanza. Iniziando dalla fine degli anni sessanta, fine di un’era, la mostra attraversa ogni decade con l’aiuto di rock band, video, cassette, installazioni e artisti contemporanei non convenzionali fino ai giorni nostri. Questa esposizione è una fusione di movimenti e di eventi accaduti simultaneamente negli scorsi quarant’anni.

I Beatles, Pink Floyd, David Bowie, Sex Pistols, Michael Jackson, sono solo alcune delle tante leggende musicali della storia presenti nella rassegna. Questi musicisti sono collegati, attraverso associazioni spaziali, con i maggiori artisti dei rispettivi tempi, come Robert Smithson, la Pop Art di Andy Warhol, e l’arte dei graffiti di Keith Harring, per nominarne solo alcuni. Visitando la mostra si può ascoltare la prima canzone trasmessa in tv da Mtv: “Video Killed the Radio Star” e tutta una serie di concerti.

Nonostante il Pecci riesca a creare una forte carica emotiva e un percorso espositivo scorrevole, la mostra cade in secondo piano rispetto ad altro. Primo, come precedentemente detto, l’inaccessibilità del museo. Oltre alla mancanza di marciapiedi prossimi all’entrata, il museo sembra fare pochi sforzi nella promozione delle aree circostanti.

Secondo, mentre si visita la mostra il volume della musica pervade l’ambiente. Le casse pur essendo posizionate in aree separate, sono troppo potenti e non permettono al visitatore di ascoltare esaustivamente le spiegazioni della guida.

Infine, all’ingresso è possibile prendere molte brochure e un apposito catalogo creato appositamente per questo evento; ma solo per i visitatori italiani. Non sono previste alternative per turisti stranieri. Quello che risulta strano è che i cartellini delle opere posti sul muro sono riportati sia in Italiano sia in inglese. Questa è la maggiore discrepanza perché dimostra una mancanza di comunicazione all’interno del museo.

L’ obiettivo principale del museo Pecci è quello di essere un punto di riferimento per l’arte contemporanea nel mondo. Questo concetto è ben espresso dalla collezione permanente e dalle mostre temporanee. Con il nuovo progetto di espansione il Pecci vuole essere come un’antenna che capta le onde dell’arte contemporanea a Prato e in tutta Italia. Il museo tiene fede al suo progetto originale che è quello di fornire uno spazio dinamico per  l’arte  a servizio della comunità locale e internazionale.

Informazione:
www.centropecci.it
[email protected]

Viale della Repubblica 277
59100 Prato, Italy
Tel. +39 0574 5317
Fax +39 0574 531901

Orari:
mercoledì – lunedì 16.00 – 23.00
Chiuso tutti i martedì

Ingresso libero