By Maria Rosa Ventimiglia (University of Florence)

The Museo degli Argenti is found in the architectural complex of the Pitti Palace and getting to it is as easy as one simply turning the corner after having entered the Ammannati courtyard. Also home to the Medici Treasury, the museum contains the collection of the Medici family’s precious objects spanning three centuries, from the 15th to the 17th centuries, particularly including invaluable pieces of jewelry such as silver, jewels, cameos, and ivories. Florence is also rich in the so-called “minor arts,” though they are frequently given less attention. Even if the city boasts a vast and unique assortment, these are set aside in favor of more famous and wider publicized collections.

Although not giving importance to the “minor arts” is a rather widespread activity, Florence, and particularly the Pitti Palace, do not show much of an interest in advertising this grand artistic heritage. Interestingly, this is the case even in the presence of secular jewelry near the Ponte Vecchio, a popular destination for travelers from all over the world. Considering this, it is the opportune location to place signs that clearly indicate the bridge’s vicinity to the museum and to entice people to continue on this path of luxury.

Speaking of paths, one could say that there is no real path in the Museo degli Argenti. The visitor here finds him or herself disoriented in the presence of numerous rooms, often disjointed, following a thematic organization. In addition, the absence of a guidebook does not allow one to proceed in an informed way through the building and a distracted guest risks missing some areas or even the Mezzanine, to which one may enter by stairs so small as to be confusing. But, first things first.

This wing of the Palace, which was the summer residence of the Medici family, is completely decorated with splendid 17th century frescoes that clearly predominate the collection. It is not by chance that the greater part of the explanative labels are dedicated to the frescoes and the texts are, only in this case, clear, extensive, and even translated into English. When, on the other hand, one pays attention to the many objects in the cases, it is evident that none of these are particularly distinguished or highlighted by special labels—not even one of the most beautiful items in the collection, featured in the museum’s advertisements: the lapis lazuli vase with an enameled gold setting by Jacques Bylivert from 1583. Visiting the museum for the first time, one may expect to find this precious Medici object in its own case, perhaps placed in the center of a room dedicated specifically to it. Sadly, no. It is found, without emphasis, together with several other handmade works. The same problem occurs on the Mezzanine. Here too, the visitor is forced to admire the Ex-voto of Cosimo II de’ Medici, a priceless mosaic relief, without proper lighting, much less any labels indicating its importance. The only way to identify it is by referring to the general text panel vaguely describing the works as a whole, but only in Italian.

One may breathe a sigh of relief upon entering the jewelry room, the only room organized perfectly, with well-lit cases accentuating the beauty of these prized pieces, such as the Diadem of Maison Cartier from 1900, made of platinum, diamonds, and amethysts. Here, one finds quite precise and thorough labels: each panel has a “legend” with an illustration of each jewel’s exact position and a corresponding number with a description.

Finally, though the museum houses a substantial collection, it provides only two seating areas, one in the beginning and one on the Mezzanine, both of which offer a less than ideal view of the works. In contrast to the other spaces of the Pitti Palace, the Museo degli Argenti does not have a bookshop inside of it; instead, in another room outside of the museum, one may find a “mini guide” for purchase, as well as the catalogue of the collection. Furthermore, it is not possible to rent an audio guide.

In conclusion, one cannot ignore the beauty of the contents of this museum or overlook the historical importance of the building in which it is located. Therefore, more care should be taken in making the public aware of this type of collection that, as of today, remains somewhat unknown.

 

For more information, see the museum’s website:

www.polomuseale.firenze.it/en/musei/argenti

 

 

 Il Museo degli Argenti

di Maria Rosa Ventimiglia (Università di Firenze)

Il Museo degli Argenti viene ospitato nel complesso architettonico di Palazzo Pitti e accedervi è semplicissimo dato che basta “girare l’angolo” una volta entrati all’interno del cortile ammannatiano. Contenente anche il Tesoro dei Medici, il museo raccoglie la collezione di oggetti preziosi della famiglia Medici raggiunta in tre secoli di storia, dal Quattrocento al Settecento, includendo soprattutto pezzi di oreficeria di inestimabile valore storico-artistico come argenteria, gioielli, cammei e avori. Firenze è ricca anche dal punto di vista delle cosiddette “arti minori’’, ma ad esse viene data un’attenzione ancora ridotta. Nonostante la città vanti una raccolta vastissima e unica, questa viene messa da parte a favore di collezioni più famose e sicuramente più pubblicizzate.

Sebbene non dare importanza alle “arti minori” sia un atteggiamento piuttosto diffuso, Firenze, e ancor più palazzo Pitti, non mostrano alcun interesse nel pubblicizzare questo grande patrimonio artistico. E ciò accade nonostante la presenza di secolari gioiellerie sul vicino Ponte Vecchio, meta ambita dai viaggiatori di tutto il mondo. Considerando ciò, sarebbe pertanto opportuno collocare delle indicazioni che informino chiaramente della vicinanza al museo, e magari invoglino chiunque ad allungare questo lussuosissimo percorso.

A proposito di percorsi, non si può dire che ve ne sia uno al Museo degli Argenti. Il visitatore, qui, si trova disorientato dalla presenza di numerose sale spesso non comunicanti tra loro, che seguono un ordinamento tematico. Inoltre l’assenza di una brochure non permette di girare in maniera consapevole all’interno dell’edificio, e l’ospite distratto rischia di perdersi alcuni ambienti o addirittura anche il Mezzanino, al quale si può accedere tramite scale così piccole da destare un po’ di perplessità. Ma andiamo per ordine.

L’ala del palazzo, residenza estiva della famiglia Medici, è interamente decorata con splendidi affreschi del Seicento che però prevalgono nettamente sulla collezione. Non a caso è dedicata agli affreschi la maggior parte dei cartelli esplicativi, che solo nei loro confronti diventano chiari, esaustivi e soprattutto tradotti in inglese. Quando, invece, si fa attenzione ai numerosi oggetti all’interno delle teche notiamo che nessuno di questi viene chiaramente distinto ed evidenziato da didascalie, nemmeno uno degli oggetti più belli della collezione, presentato anche nel manifesto pubblicitario del museo: il vaso in lapislazzuli le cui montature in oro furono realizzate da Jaques Bylivert nel 1583.  Visitando il museo per la prima volta ci si aspetta di incontrare questo pregiato oggetto della produzione medicea in una singola vetrina, magari posta al centro di una sala interamente dedicata a lui. E invece no. Lo troviamo non specificato insieme ad altri numerosi manufatti. Lo stesso problema si verifica nel Mezzanino. Anche qui, il visitatore ha modo di ammirare il preziosissimo rilievo con l’ex voto di Cosimo II senza una minima illuminazione e tanto meno senza nessuna didascalia che ne indichi l’importanza. L’unico modo per identificarlo è ricorrere al  cartello esplicativo che presenta in maniera non del tutto chiara la totalità delle opere nella sala, ma solamente in italiano.

Un respiro di sollievo si tira comunque nella sala dei gioielli, l’unica ordinata in maniera perfetta, con teche ben illuminate che fanno risaltare tutta la bellezza di pezzi dal valore inestimabile come il Diadema di Cartier del 1900 in platino, brillanti e ametiste. Qui, troviamo delle didascalie molto precise e esaustive: in tutti i cartellini è possibile vedere un grafico che riproduce l’esatta posizione dei gioielli ai quali viene associato un numero. E ad ogni numero corrisponde la descrizione dell’oggetto di riferimento.

Infine, sebbene il museo ospiti una consistente collezione, esso presenta soltanto due panchine, una  all’inizio del percorso e una nel Mezzanino, sedute che però non sono in grado di offrire una veduta d’insieme delle opere ottimale. A differenza degli altri ambienti di Palazzo Pitti, poi, il Museo degli Argenti non prevede un bookshop al suo interno, bensì in un’altra stanza, separata, al di fuori di esso, dove si possono trovare una “mini guida’’ a pagamento ed il catalogo della raccolta. Inoltre non è inclusa la possibilità di noleggiare un’audio guida.

Concludendo, non si può negare la bellezza del contenuto del museo e nemmeno sorvolare sull’importanza storica dell’edificio in cui esso è collocato. Quindi bisognerebbe avere più cura nel sensibilizzare il pubblico verso questo genere di collezione che, ad oggi,  rimane ai più sconosciuta.

 

Per ulteriori informazioni è possibile visitare il sito internet:

www.polomuseale.firenze.it/musei/argenti

By Chiara Lupo (University of Florence)

The Gallery of Modern Art in Florence is located within the monumental building of the Pitti Palace. Here, one finds an interesting collection that houses artworks from the Neoclassical and Romantic periods, as well as paintings and sculptures from the second half of the 19th century to the beginning of the 20th century. Though the collection consists of many works by important artists, it is unfortunately under-frequented. This article seeks to identify the elements causing this phenomenon and to bring to light the display techniques.

Getting to the Gallery is not difficult – one simply enters the palace, continues to the right, and climbs the stairs to the top floor: it is impossible to miss, as the path is clearly indicated by signs. The steps may seem unending but, arriving at the top, one is pleasantly surprised and perhaps somewhat puzzled. In fact, in contrast with other Florentine museums and the rest of the Pitti Palace, the Gallery enjoys a certain peace and tranquility that an art historian would surely like to find in all museums. However, it is disheartening to see this abundant and relevant collection left lifeless by lack of guests. There are few visitors, likely due to sparse advertising or to the gallery being on the uppermost floor of a large complex boasting several other important artworks that, more often than not, win out. The Pitti Palace itself is situated in an area outside the main touristic center of the Piazza della Signoria, the Uffizi Gallery, and the Accademia Gallery.

As soon as one enters the first room, it is possible to perceive the intimate atmosphere, in which one can observe and study the works however one pleases. Names such as Giuseppe Bezzuoli and Francesco Hayez, as well as Giovanni Fattori, Silvestro Lega and many other Macchiaioli artists, hold a relevant position within the collection, which has grown significantly over the years, thanks to large donations, such as those by Elisabeth Chaplin and Diego Martelli, to whom some rooms are dedicated. The organization of the museum’s path is, in fact, both thematic and chronological. Each room contains brief, non-obtrusive explanative panels, in both Italian and English, with information that can be enriched by audio guides offered by the museum.

An engrossing and leisurely visit, perhaps enhanced by the silent rooms and lack of crowds, it also allows one to notice the shortcomings—things better left undetected. The collection is divided into thirty rooms, but these are not always accessible. The labels accompany each work, but are rarely legible, as they are placed too high and do not always give the date. Furthermore, there is no reading room, and the bookshop, located on the same floor, offers few texts, some of which are in very poor condition. In some rooms, one may be struck by the strange mode of displaying the paintings (perhaps placed thus for conservation reasons), which are inside plexiglass cases and lying horizontally as if they were manuscripts. With this, they lose the vertical view that allows the visitor to see the works as the artists would have intended. A possible solution would be to keep them inside these cases, but place them at an angle, providing a better view.

Despite these limitations, which should still be kept in mind, the museum’s path allows the visitors, especially those who lack an art historical background, to understand the big picture of figurative art in these periods.

 

Gallery of Modern Art at the Pitti Palace

Piazza Pitti 1, Florence

For more information, visit: http://www.uffizi.firenze.it/musei/?m=artemoderna

On the Polo Museale Fiorentino website, it is possible to take a virtual tour and research, by author or title, the works of the collection.

 

 

Galleria d’arte moderna

 di Chiara Lupo (Università di Firenze)

La Galleria d’arte moderna di Firenze si trova all’interno dell’edificio monumentale di Palazzo Pitti. Si tratta di un’interessante collezione che ospita opere d’arte del periodo neoclassico, romantico e, attraverso pitture ma anche sculture, dal secondo Ottocento arriva fino ai primi anni del Novecento. La collezione raccoglie opere di artisti importanti, ma purtroppo non è molto frequentata. Il presente articolo intende individuare gli elementi che portano a questo fenomeno e mettere in luce le caratteristiche espositive.

Raggiungere la Galleria non è difficile, è sufficiente entrare all’interno del palazzo, proseguire a destra e percorrere le scale fino all’ultimo piano: sbagliare è impossibile perché il percorso è accompagnato da attente indicazioni. I numerosi gradini sono quasi interminabili ma, arrivati in cima, ci attende una gradevole sorpresa che lascia anche un po’ perplessi. Infatti, a differenza degli altri musei fiorentini e di alcuni appartamenti dello stesso Palazzo Pitti, la Galleria gode di una certa tranquillità e pace che a uno storico dell’arte farebbe piacere incontrare in tutti i musei, ma che scoraggia difronte a una collezione così abbondante e rilevante, che non è animata da tanti fruitori. I visitatori sono pochissimi, ciò probabilmente è dovuto o alla poca pubblicità, o al fatto che si trova all’ultimo piano di un complesso molto grande che vanta la presenza di altrettante opere importanti che spesso e volentieri prevaricano su questa raccolta. Palazzo Pitti stesso, inoltre, è ubicato in una zona distante rispetto al centro turistico che gravita intorno a Piazza della Signoria, gli Uffizi e la Galleria dell’Accademia.

Non appena entrati nella prima sala si percepisce subito un’atmosfera intima grazie alla quale è possibile osservare e studiare le opere come meglio si crede. Nomi altisonanti come Giuseppe Bezzuoli, Francesco Hayez e ancora Giovanni Fattori, Silvestro Lega e molti altri esponenti della pittura macchiaiola, occupano un posto di rilievo all’interno della collezione che è riuscita a crescere nel corso degli anni anche grazie a ingenti donazioni, come per esempio quella di Elisabeth Chaplin e Diego Martelli, alle quali vengono dedicate intere sale. Il criterio di ordinamento del percorso è, infatti, sia tematico che cronologico. All’interno di ogni ambiente sono presenti pannelli esplicativi sintetici, tradotti anche in inglese, e non molto ingombranti, le cui informazioni possono essere ulteriormente arricchite dalla presenza di audio-guide che il museo mette a disposizione.

Una visita attenta e poco frettolosa, magari favorita dall’ambiente silenzioso e poco affollato, però, permette anche di notare alcune mancanze che sarebbe meglio non incontrare.

La collezione è suddivisa in trenta sale, ma non tutte sono sempre accessibili. Le didascalie accompagnano tutte le opere, ma raramente è possibile leggerle in maniera ottimale perché sono collocate troppo in alto, per non parlare delle relative date che molte volte sono inesistenti. Inoltre non è presente una sala di approfondimento o di lettura e il bookshop,  che si trova allo stesso piano, offre pochi testi, alcuni dei quali tenuti in pessime condizioni. In alcune sale, infine, colpisce lo strano modo di esporre le opere (probabilmente poste così per motivi conservativi) che le vede all’interno di alcune teche in plexiglass e poste orizzontalmente, come se si trattasse di  manoscritti, facendo perdere così la visione verticale che ancora di più può avvicinare lo sguardo del visitatore a quello del pittore. Al tal proposito, sarebbe più congeniale pensare di esibirle ugualmente all’interno di teche, ma disposte obliquamente, permettendo così una migliore visuale.

Nonostante i limiti elencati, di cui comunque si dovrebbe tener presente per una migliore valorizzazione, il percorso permette, anche a un visitatore povero di conoscenze storico-artistiche, di dare una sufficiente panoramica dell’arte figurativa dei periodi sopracitati.

 

Galleria di arte moderna di Palazzo Pitti

Piazza Pitti 1, 50125 Firenze.

Per maggiori informazioni: http://www.uffizi.firenze.it/musei/?m=artemoderna

Dal sito del polo museale fiorentino è possibile effettuare una visita virtuale dalla quale si possono ricercare, per autore o titolo, le opere della collezione.

By Stephanie Carwin (Lorenzo de’ Medici)

Climbing the stony pedestrian thoroughfare of this Tuscan hilltop town, under the shadows of the medieval towers which draw so many visitors here every day, it seems rather incongruous to imagine that a contemporary art exhibition featuring the work of China’s most outspoken politically dissident artist lies ahead.  Yet, here in San Gimignano – a UNESCO heritage site – Galleria Continua offers the people of Tuscany a chance to step inside the complex artistic universe of Ai Weiwei.  Navigating through a series of sculptures, installations, videos and photographs, the gallery’s unconventional space proves to be a fitting environment for the artist’s multifaceted work.

The journey begins in an entry area where two elegant wooden polyhedron sculptures greet the visitor.  Created using traditional Chinese materials and techniques, the title of this group of sculptures, De Divina Proportione, derives from a mathematical treatise for which Leonardo da Vinci created the first illustrations of polyhedra.  However, Ai states his cat’s toy was the actual inspiration, and so by placing these works at the entrance and immediately showing his ability to fuse ancient Chinese craft with Renaissance science while transfiguring a simple domestic toy into a gigantic Surrealist object, he gives us a hint as to the complex realm we are about to enter.

As one moves deeper into the artist-curated gallery, the unusual configuration of the repurposed theatre obviously makes it difficult to create a rigidly coherent exhibition path, but it also adds to a sense of discovery.  A series of small isolated spaces allow for optimal viewing of the documentary footage that forms an important component of Ai Weiwei’s oeuvre.  Descending to the lower floor, one encounters alluring compositions of Chinese porcelain. One of these porcelain works makes excellent use of Galleria Continua’s outdoor garden space.  Entitled Bubble of Twenty Five, these stunning blue porcelain spheres overlook the Tuscan countryside, reflecting the sky and the trees above them. But the natural light also emphasizes their fragility, a quality that Ai equally sought to highlight as a commentary on the spectacle of glamour that China wanted to project to the world during the 2008 Olympic Games in Beijing since these “bubbles” were made the same year.

Seeing these porcelain pieces placed in the garden, one may wonder how the artist was able to oversee the installation of his work in San Gimignano, given that his movement outside China has been limited since his detention for 81 days in 2011.  In fact, according to a gallery employee, he had to send his assistants instead, whom he directed how to install his work in the space.  Fortunately, he had already been to the gallery in 2007 when part of a group show, so he was familiar with the location’s particular layout. Thus, despite his absence, he was able to maximize this unusual gallery space to the benefit of his art.

But regardless of the political difficulties caused by his critical eye, optimism remains a fundamental component of the artist’s work, and his expansive vision finds room to express itself in Galleria Continua’s best asset: the enormous main theater space.   The former seating area – which can also be viewed from the balcony above – houses a gigantic “city” of pine models, ideal villas imagined by 100 different architects, and Ai Weiwei has placed the architectural drawings for each one along the side walls, because, for him, it is important “for the people of the world to see the possibilities.”

The most poignant work of the exhibition, Rebar 49, forms a horizontal memorial to the children who lost their lives in the 2008 Sichuan earthquake, victims of shoddy school construction. Ai Weiwei collected 150 pieces of rebar that were supposed to support the buildings, but instead twisted and gave way.  Using one of the original bars and creating two copies as echoes, the lifeless metal speaks as a reminder of the consequences of corruption.  Sadly, however, this work is in a separate part of the gallery, the “Tower,” which one must ask to see.  The polite assistant explained that they just don’t have the budget to keep the space open at all times.  This seemed particularly ironic.  Here where we have the freedom of speech for which Ai Weiwei has been fighting, we don’t always have the money to make it accessible.

All in all, however, Galleria Continua creates a welcoming environment for the artist’s complex and varied work.  With detailed wall labels for each of the pieces in both Italian and English, along with a reading area with additional books about the artist, they help foster a deeper level of comprehension that, for Ai Weiwei, is so crucial.  This is because his art remains a complicated universe, where contradictions abound, where the old and the new, the beautiful and the grotesque, the solemn and the whimsical coexist, where he doesn’t simply make a commentary on the state of the world but, in fact, asks for our active participation, by using our intellect to dig beneath the surface and to challenge what is being presented to us.  The multiform spaces of Galleria Continua have provided the perfect setting for such discoveries to be made.

 

 

Ai Weiwei alla Galleria Continua

di Stephanie Carwin (Lorenzo de’ Medici)

Salendo lungo il pietroso percorso pedonale di questa città collinare in Toscana, sotto le ombre delle torri medievali, che attirano così tanti visitatori ogni giorno, sembra piuttosto incongruo immaginare che qui abbia luogo una mostra d’arte contemporanea sull’opera dell’artista più schietto, nonché dissidente politico, della Cina. Eppure, a San Gimignano – che fa parte del patrimonio dell’UNESCO – la Galleria Continua offre ai toscani la possibilità di entrare nel complesso universo artistico di Ai Weiwei. Navigando attraverso una serie di sculture, installazioni, video e fotografie, lo spazio non convenzionale della galleria risulta essere, per chi lo visita, un ambiente giusto per il lavoro sfaccettato dell’artista.

Il viaggio inizia in una prima area d’ingresso dove accolgono il visitatore due eleganti sculture poliedriche in legno realizzate con materiali e tecniche tradizionali cinesi. Il titolo di questo gruppo di sculture, De Divina Proportione, deriva dagli studi matematici di Leonardo, che per essi creò le prime illustrazioni di poliedri. Ad ogni modo, Ai afferma che la sua reale ispirazione è stata un giocattolo del suo gatto, e così, ponendo queste opere all’ingresso, e mostrando immediatamente la sua capacità di fondere l’artigianato cinese con la scienza rinascimentale, trasfigurando un semplice balocco domestico in un gigantesco oggetto surrealista, egli ci offre degli indizi sul complesso regno in cui ci si appresta ad entrare.

Addentrandosi nella galleria curata dall’artista, l’inusuale configurazione del preesistente teatro rende ovviamente difficile creare un percorso espositivo rigidamente coerente, ma aggiunge anche un senso di scoperta. Una serie di piccoli spazi isolati permette una visione ottimale del filmato documentario che costituisce una componente importante dell’opera di Ai Weiwei. Scendendo al piano inferiore, si incontrano seducenti composizioni di porcellana cinese, una delle quali sfrutta in modo eccellente il giardino esterno della Galleria Continua. Intitolate Bubble of Twenty Five, queste appariscenti sfere di porcellana blu si affacciano sulla campagna toscana, riflettendo il cielo e gli alberi sopra di esse. Ma la luce naturale enfatizza anche la loro fragilità, una qualità che Ai ha cercato di evidenziare anche come commento allo spettacolo di glamour che la Cina ha voluto mostrare al mondo durante i Giochi Olimpici di Pechino del 2008, poiché le “bolle” risalgono allo stesso anno.

Osservando questi pezzi di porcellana collocati nel giardino, ci si potrebbe chiedere come l’artista sia stato capace di supervisionare l’installazione di tale opera a San Gimignano, visto che i suoi spostamenti fuori dalla Cina sono stati limitati dalla sua detenzione di 81 giorni nel 2011. Infatti, secondo uno degli impiegati della galleria, egli ha dovuto mandare al suo posto degli assistenti, ai quali ha spiegato come installare le opere nello spazio. Fortunatamente Ai era già stato alla galleria nel 2007, partecipando ad una mostra insieme ad altri artisti, così, avendo familiarità con la planimetria particolare dell’ambiente, ha potuto nonostante la sua assenza usare al meglio questo spazio insolito a beneficio della sua arte.

Ma nonostante le difficoltà politiche causate dal suo occhio critico, l’ottimismo rimane una componente fondamentale delle opere, e la sua visione ampia trova spazio per esprimersi nel migliore ambiente della Galleria Continua – l’enorme teatro. La vecchia platea – che può anche essere vista dal balcone superiore – ospita una gigante “città” di modellini di pino, ville ideali immaginate da cento diversi architetti, e Ai Weiwei ha posto i progetti di ciascuno lungo le pareti laterali, proprio perché per lui è importante che le persone di tutto il mondo vedano ogni possibilità.

L’opera più intensa e toccante dell’esposizione, Rebar 49, è un monumento orizzontale alla memoria dei bambini che persero le loro vite nel terremoto del Sichuan nel 2008, vittime della costruzione scadente delle scuole. Ai Weiwei ha raccolto 150 pezzi di barre di ferro che avrebbero dovuto sostenere l’edificio, ma che invece si sono ritorte e hanno ceduto: usandone una di quelle originali e creandone due copie, a farne eco, il metallo senza vita parla come un monito sulle conseguenze della corruzione. Purtroppo questo memoriale si trova in una zona separata della galleria, la “Torre”, che uno deve esplicitamente chiedere di vedere, dato che – così ha spiegato il cortese accompagnatore – non ci sono fondi necessari a mantenere lo spazio aperto per tutto il tempo. Questo sembra particolarmente ironico. Qui, dove si incontra la libertà di parola per cui Ai Weiwei ha da sempre lottato, non c’è abbastanza denaro per renderla accessibile. 

Tutto sommato, comunque, la Galleria Continua crea un ambiente accogliente per le opere complesse e varie dell’artista. Dettagliate didascalie alle pareti per ogni pezzo, in italiano ed inglese, insieme ad un’area per la lettura con ulteriori libri sull’artista, aiutano a incoraggiare un più profondo livello di comprensione così cruciale per Ai Weiwei. Ciò accade perché la sua arte rimane un universo complicato, dove le contraddizioni abbondano, dove il vecchio e il nuovo, il bello ed il grottesco, il solenne e l’estroso coesistono, dove egli non si limita a presentare lo stato attuale del mondo, ma invece chiede la nostra partecipazione attiva, usando il nostro intelletto per scavare oltre la superficie e interrogarci su cosa ci viene mostrato. Gli spazi multiformi della Galleria Continua offrono l’ambiente perfetto per fare questo genere di scoperte.

By Diana Murphy (Lorenzo de’ Medici)

Inside the fortified walls, an International Gothic vernacular makes visible the very identity of the medieval city, an urban realism that still speaks to the casual visitor.

The Palio is a biannual horserace centered in Siena’s Piazza del Campo, a civic space where weapons, nursing babies and the eating of figs were banned. Celebrations of pride, power, and pageantry parade through the streets, commencing months before the 90-second race. The seventeen contrade, or districts, use their traditional “team” colors and anthropomorphic symbols on flags called bandiere to manifest this pride.

Their special role as a vehicle of Sienese citizenship is the subject of “The Medieval Dream: The Flags of the Contrada of the Stibbert Museum” at the complex of Santa Maria della Scala (SMS). This textile exhibition, curated by Enrico Toti, exemplifies a three-year conservation endeavor and gives a glimpse into the psyche of the famous Florentine collector, Frederick Stibbert, from whom these seventeen flags were collected.

The conservation and restoration of these flags, acquired by Stibbert on April 20, 1884, is the result of extensive funding by the Monte dei Paschi di Siena Foundation and world-renowned textile conservators. Immediately after their acquisition, the flags were ceremoniously displayed in Stibbert’s villa on the outskirts of Florence in his designated “hall of flags.” While there, they suffered extreme exposure to environmental changes resulting in the formation of dust and dirt that in turn caused visible deterioration.

Interestingly, the flags’ current display is described by museum staff as “a recovery of undoubted relevance of Sienese communal memories.” Yet, its display mechanism reflects the delicacy and temporality of the transient textiles, as dimmed lighting and glass encasements signify a space meant for reverence and wonder—a static display for such objects of revelry and ostentation.

This exhibition occupies a rather large space of the piano nobile, or first floor, and its display in such an important Sienese institution denotes local identity and shared cultural heritage. To visit the site now is tantamount to being transported to a time of uncertainty and precariousness: and this is not just because the Comune of Siena was planning on closing this great space just three months ago. Luckily, this didn’t happen. Instead, the museum’s governing board is attempting to create a private foundation so that it will eventually become an institute of research and thoughtful exhibitions, just like it should have already been.

Though the institution has no budget to boast, and two out of three floors are closed for renovation, the curatorial staff was still able to utilize some multimedia in the exhibition. Despite the flat, two-dimensional and, one could argue, cliché display of the flags in static glass encasements, the most striking feature of the space is the use of sound clips from past Palio performances—sounds that seem to emanate through the very walls of the museum itself, breaking them down, and displacing the visitor into the Piazza del Campo where one is surrounded by yelling, cheering, crying and fighting.

The general feeling of the space is one of pride and exhilaration, resulting from sounds of elation. The question of whether this sensation is shared by day-tourists who have never witnessed a Palio remains unanswered. Beyond one didactic panel at the entrance of the exhibition explaining the provenance of the bandiere (contrade flags) and an even shorter didactic text immediately inside the exhibit briefly describing the Palio, there are no additional labels. Though each text does give some insight, additional information inside the space would have certainly improved visitors’ understanding of both the symbolic cultural significance of the bandiere and the civic pride that they make visible.

Aesthetics aside, the exhibition is worth seeing, if not for the historical background of the Palio and its importance to Siena, then to witness both a conservation triumph of a very small portion of Stibbert’s neglected collection and what a museum can do with no budget when cultural heritage and local identity are on display.

 

Orgoglio civico in uno spazio statico: Santa Maria della Scala di Siena

di Diana Murphy (Lorenzo de’ Medici)

All’interno delle mura fortificate, una locale declinazione del Gotico Internazionale rende visibile la vera identità della città medievale, un realismo urbano che ancora parla al visitatore occasionale.

Il Palio è una corsa di cavalli che si svolge a Siena due volte l’anno proprio in Piazza del Campo – uno spazio civico dove il portare armi, l’allattare bambini e il mangiare fichi erano azioni proibite. Celebrazioni di orgoglio, potere, e spettacoli sfarzosi lungo le strade cominciano a sfilare già da mesi prima della corsa da 90 secondi, e le diciassette Contrade coinvolte usano i loro colori tradizionali insieme ai simboli antropomorfi sulle bandiere per manifestare la loro forte identità.

Questo speciale ruolo di veicolare la cittadinanza senese è il soggetto di “Il Sogno del Medioevo. Le Bandiere delle Contrade del Museo Stibbert” nel complesso di Santa Maria della Scala (SMS). Questa mostra di tessuti, curata da Enrico Toti, testimonia un’operazione di restauro durata tre anni e permette uno sguardo nella mente del famoso collezionista fiorentino Frederick Stibbert, dal quale queste diciassette bandiere furono raccolte.

La conservazione ed il restauro di queste bandiere, acquistate da Stibbert il 20 aprile 1884, sono il risultato del grosso finanziamento da parte della fondazione Monte dei Paschi di Siena e del lavoro di restauratori di tessuti noti in tutto il mondo. Immediatamente dopo la loro acquisizione, le bandiere furono cerimoniosamente esposte nella villa di Stibbert nelle vicinanze di Firenze nella sua  “Sala delle bandiere”. Là, durante la loro permanenza, hanno sofferto per l’estrema esposizione agli agenti ambientali – la formazione di polvere e sporco, che insieme hanno causato visibile deterioramento.

Interessante è che l’attuale collocazione delle bandiere è descritta dallo staff museale come un ricovero di memorie comuni senesi di indubbia rilevanza, e questo tipo di presentazione riflette la delicatezza e la temporalità dei tessuti effimeri, poiché una luce soffusa e un rivestimento vitreo significano uno spazio riservato alla riverenza e alla meraviglia – un allestimento statico per questi oggetti di celebrazione e ostentazione.

Questa mostra occupa uno spazio abbastanza ampio del piano nobile, e la sua presenza in una istituzione senese così importante denota identità locale e patrimonio culturale condiviso. Visitare il luogo oggigiorno è equivalente a essere trasportati a un tempo di incertezza e precarietà: e questo non accade soltanto perché il Comune di Siena prevedeva di chiudere questo grande spazio giusto tre mesi fa – fortunatamente non è successo. Invece, il consiglio d’amministrazione del museo sta cercando di creare una fondazione privata, così da, eventualmente, diventare un istituto di ricerca e di mostre attente e riflessive, come avrebbe già dovuto essere.

Sebbene l’istituzione non abbia un budget di cui vantarsi, e due dei tre piani siano chiusi per ristrutturazione, i curatori sono comunque capaci di usare alcuni mezzi multimediali nell’esposizione. Nonostante il piatto, bidimensionale e, uno potrebbe dire, allestimento “da cliché” delle bandiere nelle statiche vetrine, la caratteristica più suggestiva dello spazio è l’uso di brani audio tratte da passate corse del Palio – suoni che sembrano emanare proprio dalle pareti del museo stesso, rompendole, per proiettare il visitatore su Piazza del Campo, dove si è circondati da urla, applausi, pianti e risse.

La sensazione generale dell’ambiente è di orgoglio ed esaltazione, che risultano dai suoni di euforia; ma se questo stesso sentimento sia provato da un turista occasionale, che non abbia mai partecipato ad una corsa del Palio, è un interrogativo senza risposta. Tranne un singolo pannello didattico all’ingresso della mostra che informa sulla provenienza delle bandiere, ed un altro ancora più breve che descrive il Palio, non ci sono didascalie ulteriori. Sebbene ogni testo offra delle idee, alcune informazioni in aggiunta all’interno dell’ambiente avrebbero certamente aiutato il visitatore a capire sia il significato culturale e simbolico delle bandiere, sia l’orgoglio civico che esse rendono visibile.

A prescindere dalle ragioni estetiche la mostra merita di essere vista – se non per lo sfondo storico del Palio e per la sua importanza per Siena, allora almeno per assistere ad un trionfo della conservazione di una piccola porzione della negletta collezione di Stibbert, e a ciò che un museo può fare senza denaro quando il patrimonio culturale e l’identità locale sono esposti al pubblico.