By Giulia Bagni (University of Florence)

The exhibition is housed in the prestigious site of the Palazzo Strozzi and is developed through seven sections that, as the curators (Antonello Negri with Silvia Bignami, Paolo Rusconi, Giorgio Zanchetti, and Susanna Ragionieri) clearly declare, invite the visitor to “explore the decade without prejudice, and base its reconstruction on a set of historical facts and figures that are as objective possible.” The creators have certainly succeeded, in that they have not been influenced by political ideologies or preconceived thoughts that could have compromised the interpretation of the works themselves, especially those specifically created to celebrate Fascism and its values. The strong point of the exhibit, however, is that it allows one to see more than simply painted artworks. More so than the (excessive) paintings of the exhibit, the observer may find greater interest in the windows opened along its path, mainly the one dealing with design, and in the complementary programs and events, as will be discussed.

The main theme of the display is represented by the red color on the lower portions of the wall panels, which signals, on the one hand, the path to follow and, on the other hand, a timeline of the ticking time bomb that would end the decade with the inevitable explosion of the Second World War. Despite the strong shade, the color does not distract the visitor and does not overwhelm the exhibit, as the works are placed on the white portion of the walls. A very interesting tactic is the elimination of traditional explanatory labels, which often force the visitor to bend forward and lean too close to the objects. The texts are placed next to each work, written in red directly on the display panels, allowing the words to stand out against the white background. Their only fault: often they refer to little known artistic movements, simply mentioning their names and assuming that the visitors already know about them. For this reason, from the very first room, the exhibition feels heavy, particularly for those are not familiar with modern art. Therefore, the visitor must orient him or herself with both too many works that are difficult to read and with several artistic movements named in the texts. Regarding the knowledge of the latter, one may obtain preliminary information in the exhibition booklet, with its small glossary, downloadable from the Palazzo Strozzi website:  a shame to not know beforehand!

The only two moments that break the monotony of the exhibit are the small room of design and the so-called “Sala Radio.” With the first one, a window is opened on the world of design, which is very interesting to the observer who has, up until this point, seen exclusively paintings. However, it does not fully satisfy the expectations one has from reading the exhibit’s description, which actually makes the room seem much larger and more exhaustive. This section shows how, in the Thirties, the phenomenon of design was still balancing the creation of objects of mass production, such as the lamps and chairs on display, with the invention of unique objects, like the ceramics designed by Gio Ponti for Richard Ginori. On the far wall, film clips are projected along with photographs of the time, illustrating an array of high society homes from the Thirties.

In the “Sala Radio,” one can listen, with special headphones and while seated comfortably, to jingles, radio programs, and Mussolini’s speeches from specific occasions (the proclamation of the empire and the declaration of the Second World War). To hear his voice as our grandparents did, gives one chills, both in a metaphorical sense, as we are able to relive a real moment of our past, and in a literal sense, thanks to air conditioning that is on too high!

Though it is impossible to bring architectural works into the exhibit, in this case, they cannot be forgotten, as some of the more significant buildings in Florence were born during the Thirties. It is important to highlight the effective way in which the curators have solved this problem. They have installed a touch screen display in the courtyard of Palazzo Strozzi (which means it may also be used by those who have not entered the exhibit) that presents an interactive map of Florence, which points out the creation of architectonic complexes of the decade (such as the Santa Maria Novella train station) and historical descriptions and photos from the time.

Likely, the category of visitors who do not have a deep knowledge of the art of the Thirties will be more interested in the programs surrounding the exhibit, which develop themes that are only mentioned in it, through the organization of complementary shows and lecture series titled “Places and Themes.”

Finally, one must keep in mind how the Palazzo Strozzi is always attentive to the needs of children and foreign tourists: for the former, there are drawing kits, playing cards, and special audio guides available for a fun yet instructive visit; while, for the latter, there are audio guides in many different languages and all the exhibit’s texts are translated into English.

For more information, visit the website: http://www.palazzostrozzi.org

 

Anni ’30. Arti in Italia oltre il fascismo

di Giulia Bagni (Università di Firenze)

La mostra è ospitata nella prestigiosa sede di Palazzo Strozzi e si sviluppa in sette sezioni che, come dichiarano esplicitamente i curatori (Antonello Negri con Silvia Bignami, Paolo Rusconi, Giorgio Zanchetti e Susanna Ragionieri), invitano a “esplorare il decennio senza pregiudizi precostituiti” ma “basandosi su dati ed elementi storici il più possibile oggettivi”.

Il merito principale degli ideatori, infatti, è proprio quello di non essersi lasciati influenzare da ideologie politiche e da visioni preconcette di alcun genere che avrebbero potuto compromettere la lettura del valore delle opere stesse, in special modo di quelle che furono appositamente realizzate per celebrare il fascismo e i suoi valori. Il punto di forza della mostra risiede comunque nel non essere limitata all’esposizione di sola pittura: più che i (troppi) quadri esibiti risultano interessanti le finestre che essa apre all’interno del percorso espositivo, una su tutte quella sul design, e le iniziative che attorno a questa si sviluppano, come vedremo più avanti.

Il leitmotiv dell’allestimento è rappresentato dal colore rosso che riveste la parte inferiore delle strutture espositive e che sembra segnalare, oltre il percorso da seguire, una linea del tempo, che inesorabile corre veloce verso la fine del decennio e l’inevitabile scoppio della Seconda Guerra Mondiale. Nonostante si tratti di una tonalità molto forte, questo colore non disturba e non appesantisce il percorso espositivo in quanto le opere sono appoggiate su pareti dal fondo bianco. Un accorgimento molto interessante è quello di aver eliminato i tradizionali cartellini esplicativi, che costringono spesso il visitatore a piegarsi in avanti e avvicinarsi troppo agli oggetti esposti: le spiegazioni sono poste a lato di ogni opera, scritte in rosso direttamente sulle strutture espositive e chiaramente leggibili perché risaltano sul fondo bianco. Unica pecca: spesso si fa riferimento a movimenti artistici poco conosciuti solo nominandoli, dando per scontato che tutti i visitatori sappiano di cosa si stia parlando. Proprio per questo motivo l’esposizione risulta  fin dalle prime sale faticosa, soprattutto per chi non ha troppa dimestichezza con l’arte contemporanea. Il visitatore infatti deve orientarsi sia tra un numero troppo grande di opere di difficile lettura, sia tra i tanti movimenti artistici, solo citati nelle spiegazioni. Per quanto riguarda la conoscenza di questi ultimi, si possono ricavare delle prime informazioni attraverso il booklet della mostra, che contiene un piccolo glossario, scaricabile dal sito di Palazzo Strozzi: peccato non averlo saputo prima!

Gli unici due momenti che “spezzano” la monotonia della mostra sono la saletta del design e la cosiddetta “Sala Radio”. Con la prima si è voluto aprire una finestra sul mondo del design, che risulta molto interessante per il visitatore, che fino a questo punto ha visto quasi esclusivamente quadri. Essa però non soddisfa a pieno le aspettative che vengono suscitate leggendo la presentazione della mostra: qui infatti la sala sembrerebbe molto più ampia e esaustiva. In questa sezione viene mostrato come negli anni Trenta il fenomeno del design ancora si dibattesse tra la creazione di oggetti destinati alla produzione seriale, come le lampade o le sedie esposte, e l’invenzione dell’oggetto unico, come le ceramiche realizzate su disegno di Giò Ponti per la Richard Ginori. Su una parete di fondo vengono proiettati degli spezzoni di film dell’epoca che, insieme a delle fotografie, servono a mostrare gli arredi delle case signorili degli anni Trenta.

Nella cosiddetta “Sala Radio” invece, è possibile ascoltare, con delle cuffie apposite e comodamente seduti, spezzoni di canzonette, programmi radiofonici e discorsi del Duce pronunciati in occasioni particolari (la proclamazione dell’impero e la dichiarazione della Seconda Guerra Mondiale). Ascoltare attraverso la radio i discorsi di Mussolini, così come potevano udirli i nostri nonni, mette i brividi, sia in senso metaforico, perché possiamo rivivere momenti reali della nostra storia, sia in senso letterale, a causa dell’aria condizionata particolarmente alta!

Siamo consapevoli del fatto che all’interno di una mostra è impossibile esporre opere architettoniche ma, soprattutto in questo caso, esse non potevano essere dimenticate, poiché alcune delle più significative presenti a Firenze sono nate proprio negli anni Trenta. Ci sembra quindi importante sottolineare il modo efficace in cui i curatori hanno risolto tale problema. Essi hanno installato uno schermo touch screen nel cortile di Palazzo Strozzi (il che significa che può essere utilizzato anche da coloro che non hanno visitato la mostra) che propone una mappa interattiva di Firenze in cui sono segnalati quei complessi architettonici realizzati nel decennio (come la stazione di Santa Maria Novella) e dei quali vengono fornite notizie storiche e fotografie d’epoca.

Probabilmente la categoria di visitatori che non ha una conoscenza approfondita dell’arte degli anni Trenta troverà molto più interessanti una serie di iniziative che ruotano attorno alla mostra e sviluppano temi in essa solo accennati, attraverso l’organizzazione di alcune mostre collaterali e di un ciclo di conferenze dal titolo “Luoghi e temi”.

Infine vogliamo ricordare come a Palazzo Strozzi siano sempre attenti anche alle esigenze dei più piccoli e dei turisti stranieri: per i primi sono disponibili kit da disegno, carte-gioco e audio guide “speciali”, per una visita divertente e al tempo stesso istruttiva; mentre per i secondi sono presenti audio guide in diverse lingue e tutti i testi della mostra sono tradotti anche in inglese.

Per maggiori informazioni visitate il sito http://www.palazzostrozzi.org

By Elizabeth Vogler (Lorenzo de Medici)

The Medici Chapels are hidden away in the Basilica of San Lorenzo, an inconspicuous church found in the center of the San Lorenzo Market, with a plain brown stone façade and nothing as to indicate the beauty held within. The visitor will definitely recognize the sharp contrast of the loud bustling bazaar outside and the silent tranquility upon entering the museum. Be sure to check the opening times online before you go because they have strange hours and tend to be closed on irregular days of the month. While the chapels are spectacularly beautiful and definitely worth the trip, they fail as a museum and they offer little to the visitor in terms of information regarding the history and cultural context.

The visitor enters through what seems to be a museum lobby, but which is actually a repurposed crypt. Relics housed in large glass cases can be found scattered all over the crypt in a haphazard fashion. The relics are minimally labeled and only in Italian. The tombs themselves have only the original stone engraved markers and one must be familiar with the history of the Medici in order to decipher exactly who the tombs belong to. There is also a small gift shop located here, which is a very interesting juxtaposition, considering the space is the final resting place of many important members of the Medici family.

From here, the visitor takes the staircase up to see the Chapel of the Princes; this chapel is absolutely breathtaking. The walls and floors are made entirely of marble and other precious stones with dark greens, blues, and reds, conveying a very somber tone. Rightfully so, as the sarcophagi of six Medici grand dukes are found here. If one looks up, the large dome is in itself a sight to see. There is an oculus, or circular skylight, in the center which lets in light and enables the visitor to see the colorful and illustrious frescoes on the walls of the dome. However, in this chapel, there is little to no explanation or history given about the construction of the dome, the Tuscan grand dukes for whom it was built, or its significance to the city.

Next, the visitor proceeds into the New Sacristy, a space designed by Michelangelo. Here are housed three magnificent tombs of four other Medici family members. The sculptures on top of these tombs were also designed by Michelangelo and present a metaphorical interpretation of passing from life to death. The pairs of statues atop two of these tombs are Day and Night as well as Dawn and Dusk. In this chapel, more labels are found, which are in both English and Italian, but which are again lacking in terms of relating the full story. Behind the altar, one can see what seems to be pencil or charcoal sketches on the walls, which have now been covered over with glass, so as to say “these are important and should be saved;” however, they are not mentioned at all in any of the labels in the museum.

Unfortunately, it seems as if this museum, while preserving the beauty of the chapels and presenting them to the public, has neglected to share the interesting history behind these amazing structures and the artifacts inside. This museum can offer a very pleasing, yet superficial experience to the visitor. For those visitors seeking a more informative and meaningful visit, be sure to read up on the history beforehand, or bring a guide book along, which might have some additional information.

  

Le Cappelle Medicee: da non perdere, ma leggete prima di andare!

di Elizabeth Vogler (Lorenzo de’ Medici)

Le Cappelle Medicee si trovano in posizione un po’ nascosta all’interno della Chiesa di San Lorenzo, edificio poco evidente al centro del Mercato di San Lorenzo, dalle pareti di pietra marrone e nient’altro ad indicare la bellezza che lì è contenuta. I visitatori si accorgeranno sicuramente del netto contrasto tra il forte brusio che c’era all’esterno e la silenziosa tranquillità da cui saranno assorbiti non appena entreranno nel museo; certo, prima di farlo, avranno dovuto controllare bene gli orari di apertura, perché tendono a chiudere la struttura in giorni irregolari durante il mese. Mentre le cappelle sono di una bellezza straordinaria e meritano decisamente la visita, esse come “museo” non offrono molto al visitatore in termini di informazioni riguardo la storia ed il contesto culturale.

L’ingresso avviene attraverso quello che sembra un atrio da museo, ma che in realtà è una cripta tutta riallestita con grosse teche di vetro sparse qua e là in maniera casuale e contenenti reliquie illustrate poco chiaramente da cartellini sin troppo minimali, per di più soltanto in italiano. Le tombe stesse hanno soltanto l’originale epigrafe incisa e bisogna essere informati sulla storia dei Medici per essere in grado di decifrare esattamente a chi esse appartengono. Qui si trova anche un piccolo bookshop, cosa che contrasta decisamente con l’identità dello spazio, considerando che è il luogo di riposo delle spoglie mortali di molti importanti membri della famiglia dei Medici.

Da qui il visitatore può prendere le scale per raggiungere la Cappella dei Principi, un ambiente assolutamente mozzafiato, con le pareti e i pavimenti fatti interamente di marmo o di pietre preziose con verdi scuri, blu e rossi che conferiscono un tono davvero malinconico: appropriato, visto che qui sono collocati i sei sarcofagi dei Granduchi. Alzando lo sguardo, la grande cupola si rivela in tutta la sua maestà, con un oculo centrale che permette alla luce di entrare e rende possibile al visitatore apprezzare i suoi affreschi illustri e pieni di colore. Nonostante ciò, in questa cappella manca ogni tipo di informazione riguardo la costruzione della cupola, i Granduchi toscani per i quali fu realizzata, il suo significato rispetto alla città.

Successivamente il visitatore procede verso la Sacrestia Nuova, ambiente progettato da Michelangelo, dove sono ospitate due magnifiche tombe di altri due membri della famiglia Medici. Le sculture poste sopra questi sarcofagi sono ancora opera di Michelangelo e rappresentano un’interpretazione metaforica del passaggio dalla vita alla morte, evidenziato nello specifico anche dall’identità delle due coppie di statue, rispettivamente il Giorno e la Notte e l’Aurora ed il Crepuscolo. In questa cappella si trovano più didascalie, sia in italiano che in inglese, ma ancora non abbastanza approfondite da renderne nota la storia o il contesto. Dietro l’altare si può vedere quello che sembra essere un insieme di schizzi a matita o carboncino sulle pareti che oggigiorno sono protette da un vetro come a dire “Questi sono importanti e devono essere salvati”; comunque, essi non sono affatto menzionati tra il materiale informativo del museo.

Sfortunatamente, sembra che questo museo, sebbene preservi la bellezza delle cappelle e le presenti al pubblico, non riesca a condividere con esso la storia interessante che sta dietro a tali strutture straordinarie e a manufatti così interessanti. Questo ambiente può offrire un’esperienza molto piacevole ma forse troppo superficiale ai visitatori: coloro che si aspettano, però, una visita più didattica ed edificante dovranno documentarsi in anticipo, o dovranno portare con sé una guida contenente informazioni aggiuntive.

By Lauren Benetua (Lorenzo de’ Medici)

Squelching. Grunting. Guttural moaning. Struggle. Upon entering the current exhibition at the Centre for Contemporary Culture Strozzina, these noises immediately impregnate each visitor’s ears. Confrontational and transcendental, this exhibition leaves visitors duly affected — and possibly ridden with angst and alienation — by way of its cohesive progression of display and use of space. By the time one completes a visit to this exhibition, it is tough to tell who has bested whom: the visitor over the exhibition or the exhibition over the visitor.

Although one’s initial encounter with this exhibition may be auditory, the first visual engagement is Francis Bacon’s paintings of human bodily distortion within contemporary bourgeois settings. Without any prior knowledge of existentialism, this exhibition may prove quite difficult to comprehend. Luckily, the panels help guide the visitors through the experience. The exhibition description appears both in Italian and English, allowing for widespread comprehension among viewers with a minor, albeit noticeable, translation error. Although the paintings are displayed simply and straightforwardly for full contemplation, one cannot help but scrutinize the very inquisitive treatment of labels.

Not to be dismissive of Bacon’s visual discussion of life’s purpose within our bodies and society with every waking moment, it is rather amusing to find viewers chasing each label, due to the miniscule print and substantial distance from each work of art. While the placement makes sense for times when the space is overly-crowded, such as the exhibition opening, the overall impression of the labels becomes rather irksome. Indeed, their placement may help conduct crowd flow so as not to congest areas directly in front of each artwork; however, this strategy backfires when the visitor finally arrives in front of the work and suddenly forgets what the label said in the first place.

Once the viewer moves on from questions such as, “why are the labels so small?”, “why are they so far from the works?”, or even “where is the label?”, and establishes that, for the remainder of this exhibition, all labels will be below eye-level and difficult to focus on, he or she can then fully leap off any preexisting foundations of sense of self and plunge into the Existential abyss. After having the most basic Existential principle in mind—“existence precedes essence”—viewers visually digest Bacon’s deformed figures as masses of human flesh. Curators Franziska Nori and Barbara Dawson chose Bacon to set the baseline of the Existential condition by defining that the human body, as an entity (that the body exists), is separate from essence (what or whom is existing).

One highlight, and also the source of disturbing noises, is Nathalie Djurberg’s stop-motion animation film. Once Removed on My Mother’s Side launches viewers into the transcendental nature of self-perspective. Be forewarned: this installation is not for the weak of stomach; lovers of the grotesque, however, will likely buzz with fascination. Involuntarily captivated by a nitty-gritty portrayal of human relationships that are socially accepted and normally unchallenged, viewers cannot help but experience Djurberg’s “cruel and violent world.” By capturing visitors in a dense space that immediately assaults the senses through mixed media, this installation initiates a confrontational metaphor of the Existential human condition. Without any text or dialogue, this film relies on elements of lighting and sound to encourage visitors to fully contemplate the exhibition’s conceptual theme. Carpet that muffles visitors’ movements, and dim yellow lighting that sets the mood, create an environment that brings visitors away from physical self-awareness into mindful observation.

As one moves through the exhibition, he or she is often found in hallways leading to several rooms at once, having to choose which to walk through next. These corridors serve as spatial vehicles for conceptual juxtaposition between differing representations of contemporary Existential commentaries. One example is the cross-section between Chiharu Shiota’s three-dimensional installation In Silence, to the room of Francis Bacon’s last Self Portrait, and Arcangelo Sassolino’s mechanical installation. In Silence transforms an entire space into a cocoon-like labyrinth with black wool string and unreachable doors, which plays with Existential states of memory and dream. Bacon’s Self Portrait—conveying notions of fleeting physical existence, death and decay—is visibly highlighted on a red backdrop, as the exhibition abandons the “white-wall” model of display. Sassolino’s installation stuns the viewer with the sound of hydraulic tension being built and released, as a metaphor for risk and failure. By playing with convergence and divergence, all three concepts are put into conversation with one another. In confronting freedom of pathways and doorways, visitors are subliminally, yet physically, brought to their own Existential contemplation.

By completely inhabiting and owning spatial displays visually and audibly, this exhibition attacks the senses and forces the viewer into a momentary role reversal between subject and object. The curatorial progression of display took absolutely no time in initiating the visitors’ bodies and minds into the contemporary power struggle between the body, memory and identity. By creating a fluid dialogue that digs deeply into Existential philosophy and the contemporary Human Condition, Nori and Dawson certainly provide reflective and thought-provoking tools for questioning and contemplating one’s own true existence. By the time the visit comes to an end, the viewer is left reeling from the impact of such a heavy Existential synthesis. If experiencing an out-of-body, mind-warping exhibition is of interest, this absolutely cannot be missed.

 

Francis Bacon e la condizione esistenziale nell’arte contemporanea

di Lauren Benetua (Lorenzo de’ Medici)

Il soffocare. Il grugnire. Il lottare. Il gemito gutturale. Entrando nella mostra in corso presso il Centro di Cultura Contemporanea Strozzina, questi rumori immediatamente riempiono le orecchie di ogni visitatore. Conflittuale e trascendentale, questa esperienza lascia le persone debitamente oppresse – e forse tormentate dall’angoscia e dall’alienazione – attraverso l’uso dello spazio espositivo e il senso di climax con cui le opere vengono presentate. Nel momento in cui si termina la visita è difficile capire chi ha prevalso su chi: il visitatore sull’esposizione o l’esposizione sul visitatore.

Sebbene il primo approccio con questa mostra sia di tipo uditivo, il primo riscontro visivo è costituito dai dipinti di Francis Bacon che rappresentano la distorsione del corpo umano entro le cornici borghesi a lui contemporanee.Senza alcuna conoscenza preliminare di esistenzialismo, questa esposizione può risultare abbastanza difficile da capire: fortunatamente, il visitatore è aiutato e guidato attraverso l’esperienza da pannelli con descrizioni in italiano e inglese, permettendo una più diffusa comprensione con minori, sebbene visibili, errori di traduzione. Sebbene i dipinti siano disposti in modo chiaro e immediato per la piena contemplazione da parte dell’osservatore, non si può dire lo stesso dei cartellini.

Non per accantonare la discussione visiva baconiana sul senso della vita entro i nostri corpi e nella società ad ogni momento di risveglio, ma risulta più divertente osservare i visitatori a caccia di ogni cartellino a causa dei loro minuscoli caratteri e della grande distanza che hanno dalle opere d’arte: mentre questa disposizione ha senso per le volte in cui lo spazio è sovraffollato, come in occasione dell’inaugurazione, l’impressione generale delle didascalie diventa piuttosto seccante. La loro posizione può certamente aiutare a condurre flussi di persone così da non congestionare le aree direttamente davanti alle opere d’arte, ma la strategia fallisce quando l’osservatore finalmente giunge lì per contemplare e all’improvviso, in un momento, ha già dimenticato cosa aveva letto poco prima.

Quando il visitatore smette di porsi domande come “Perché questi cartellini sono così piccoli?”, “Perché sono così lontani dalle opere?”, o addirittura “Dove si trova il cartellino?”, e stabilisce che per il resto della mostra tutte le didascalie saranno sotto l’altezza degli occhi e difficili da mettere a fuoco, egli può allora abbandonare il sentimento di sé ed immergersi nell’abisso dell’Esistenzialismo. Dopo aver appreso le basi di questo principio -”l’esistenza precede l’essenza”- i fruitori saranno in grado di digerire le figure deformate di Bacon come ammassi di carne umana. Le curatrici Franziska Nori e Barbara Dawson scelgono Bacon come linea d’imposta per esprimere la condizione esistenziale definendo che il corpo umano come entità (il fatto che il corpo esista) è separato dall’essenza (ciò che esiste in quel momento).

Un’attrazione, ed anche una fonte di suoni inquietanti, è il film d’animazione in stop-motion di Nathalie Djurberg dal titolo Once Removed on My Mother’s Side, che lancia l’osservatore nella natura trascendentale della prospettiva di sé. Un avvertimento: questa installazione non è per i deboli di stomaco; gli appassionati del grottesco, invece, ne resteranno del tutto affascinati. Inconsciamente attratti dalla rappresentazione profonda e grezza delle relazioni umane, sempre socialmente accettate e mai messe in discussione, i visitatori non possono far altro che vivere il mondo crudele e violento della Djurberg: condotti in uno spazio denso che immediatamente assale i sensi attraverso diversi tipi di media, essi vengono iniziati dall’installazione a confrontarsi con le metafore della condizione umana esistenziale. Senza alcun testo o dialogo, il filmato fa uso di elementi di luci e suoni per incoraggiare il pubblico a contemplare pienamente il tema concettuale della mostra. Una moquette che attutisce i movimenti dei visitatori ed una luce gialla soffusa creano l’atmosfera giusta per portarli dall’autocoscienza fisica all’osservazione consapevole.

Spostandosi attraverso la mostra, ci si trova spesso in corridoi, i quali introducono al contempo in diverse stanze, dovendo così scegliere quale visitare per prima, ma servono anche da ambiente per il confronto mentale delle differenti rappresentazioni dell’Esistenzialismo proposte da opere contemporanee. Un esempio ne è la sezione cruciforme tra l’installazione tridimensionale In Silence di Chiharu Shiota, la stanza di Francis Bacon col suo ultimo Autoritratto, e l’installazione meccanica di Arcangelo Sassolino. In Silence trasforma un intero spazio in un labirinto opprimente, come fosse un bozzolo, fatto di fili di lana neri e porte irraggiungibili, a rimandare agli stati di memoria e sogno dell’Esistenzialismo. L’Autoritratto di Bacon – che comunica sensazioni di effimera esistenza fisica, morte e decadimento – è visibilmente evidenziato da uno sfondo rosso non appena la mostra abbandona la costante della “parete bianca”. L’installazione di Sassolino colpisce l’osservatore col suono di tensioni idrauliche che crescono e crescono per poi irrompere nel silenzio, come una metafora del rischio e del fallimento. Convergenti e divergenti, tutti e tre i concetti si relazionano l’uno con l’altro e questo, con la libertà di poter scegliere percorso ed entrate, permette al visitatore di essere subliminalmente e fisicamente portato alla contemplazione esistenziale di sé.

Vivendo e partecipando completamente a ciò che si trova esposto nelle diverse sale – materiale visivo e uditivo – il visitatore è costretto da questa mostra, che ne attacca  i sensi, a considerare momentaneamente i ruoli invertiti tra soggetto ed oggetto. La progressione delle opere esposte come è stata scelta dai curatori rende rapida l’iniziazione del corpo e della mente del pubblico verso la contemporanea lotta di potere tra corpo, memoria e identità. Creando un dialogo fluido che scava nel profondo della filosofia esistenzialista e della condizione umana contemporanea, Nori e Dawson presentano certamente degli strumenti di riflessione e interesse per coloro che si pongono domande o contemplano la propria esistenza reale. Quando la visita giunge al termine l’osservatore può riavvolgere la bobina costituita dall’impatto delle pesanti suggestioni dell’Esistenzialismo: se vivere una mostra così fuori dall’ordinario e stimolante può risultare interessante, allora non deve assolutamente essere ignorata.

By Marta Gelli (University of Florence)

The Villa Bellosguardo, surrounded by its grand terraced park, dominates the part of the valley in Lastra a Signa where the Arno River passes through with a view that spans from Florence to Prato and Pistoia. The beauty of this panorama is implicit in the name of the location, as Bellosguardo literally translates to “beautiful sight.” It is no surprise then that, in 1906, the world famous singer, Enrico Caruso, chose this strategically placed late 15th century villa as a residence for himself and his family until 1921, when the great voice passed away. His memory has been (and still is) honored by this museum, situated on the second floor of the right-hand building, a place not only reserved for the lovers of lyrics, as anyone who decides to visit will leave satisfied and with a greater understanding. This is thanks to the use of video devices, but especially audio, along with various exhibited materials presented with interesting concepts.

The visit does not take too much time: this is clear from the beginning, when one receives the audio guide – with various languages and included in the ticket – and a map of the museum indicating the path and points of interest with corresponding audio recordings. Already from the grand staircase, one begins to know (or recognize) the artist, as his tenor voice sets the essential background for this space, brought to life by his opera pieces. Upon arriving at the top, into the initial exhibition area, one finds oneself in front of a large bust of the singer and the sense of sight, with the auditory sense, is especially stimulated by black and white film clips from the time projected on the wall.

After this prologue, the visitor moves rather intuitively from the corridor to the various rooms of the home, each of which illustrate a specific theme, from the history of Caruso and his loved ones, told by postcards and photos, to relationships with his colleagues… Surely interesting, but not as much so as his bedroom. It has been refurnished as it was until 1921, with all the original pieces of furniture and ornaments that were possible to reacquire after all his possessions were sold at auction in the years following his death. The other room that is “out of the ordinary” is the one on international theaters, which displays photographs, advertisement posters, and news articles in cases along the walls; however, this space is more intimate, with dim lighting, backlit labels, and an interactive geographical map in the center of the room. This tool highlights the cities in which Caruso performed and the visitor is invited to touch the name of these, so as to turn on a spotlight focusing on the corresponding display, from Buenos Aires to Warsaw to Paris. A wonderful idea, but what a pity that the device does not work. Moreover, the absence of an attendant who could provide further explanation makes it so that the evidence of his tours remains in the dark, in every sense.

All the while, the voice of Caruso continues to resonate softly through the rooms and accompany the visitor passing by the instruments – the first vinyl discs, phonographs, and gramophones – thanks to which we can still hear his songs. At a certain point, one may begin to ask where this music is coming from, from which direction, from which speaker: the answer to this is clear upon entering the final room, decidedly the most successful. The relatively large “Room of Music” is still dimly lit, but each of its cases is clearly illuminated, whether found in the center of the room or along the walls. The former shows two beautiful costumes that Enrico Caruso wore while he was on stage in addition to his first phonograph; the latter presents playbills, news articles, posters, and the inevitable photographs from his main performances, arranged opera by opera. Here, invisible at first sight, but actually hidden behind some panels, one finds (finally!) the speakers that, one after the other, play refrains of these pieces also described by visual materials. First, from the right, “Ora e per Sempre Addio” from Othello by Verdi, then, from the other corner of the room, “Apri la Tua Finestra” from Iris by Mascagni, and so on, until the visitor is completely surrounded by music. For those who are not familiar with these operas, an efficient solution has been found. Directly in front of the entrance is a screen indicating both the title of the song currently playing, and the location of the speaker with its corresponding display case. In this way, it is easier to navigate through such an evocative space.

In conclusion, music is everywhere. One hears it pleasantly in the background, one sees it through the instruments and, cleverly, it is reminiscent also in the stands that hold the text panels (in English and Italian) correctly placed at the entrance to each room – in fact, they are actual music stands. Is it a coincidence that one leaves the Museum of Enrico Caruso smiling and humming the tune “Celeste Aida”?

Museum of Enrico Caruso – Villa Bellosguardo

Via di Bellosguardo, 54 in Lastra a Signa (Florence)

Hours:

Wednesday and Thursday, from 10am to 1pm

Friday, Saturday, and Sunday, from 10am to 1pm and 3pm to 6pm

Tickets: 5 euros with a reduced rate of 4 euros

For more information, visit http://www.museoenricocaruso.it

 

Museo Enrico Caruso

di Marta Gelli (Università di Firenze)

Villa Bellosguardo, circondata dal suo grande parco a terrazzamenti, domina la valle del corso dell’Arno a Lastra a Signa, con una vista che spazia da Firenze fino a Prato e Pistoia: un panorama la cui bellezza è implicita nel nome di questo luogo. Niente di cui stupirsi, quindi, se nel 1906 il tenore di fama mondiale Enrico Caruso decise di scegliere questa villa tardo-cinquecentesca dalla posizione strategica come residenza per sé e per la sua famiglia fino al 1921, quando la grande voce si spense. La sua memoria negli ultimi anni è stata (ed è ancora) tributata dal museo che gli è dedicato, situato proprio al primo piano della palazzina di destra, un luogo solo all’apparenza riservato agli appassionati di lirica, giacché chiunque decida di visitarlo ne potrà uscire soddisfatto e istruito. Tutto questo grazie all’uso di dispositivi video, ma soprattutto audio, accanto ai materiali di vario genere lì esposti con spunti allestitivi piuttosto interessanti.

La visita non prende troppo tempo: lo si capisce sin da quando, alla biglietteria a piano terra, assieme all’audioguida – in varie lingue e inclusa nel prezzo – viene consegnata al visitatore una piantina del museo con l’indicazione del percorso e con i punti di interesse associati alle registrazioni. Già dalla doppia rampa di scale si comincia a conoscere (o ri-conoscere) l’artista: la sua voce da tenore costituisce il sottofondo imprescindibile per questo ambiente, costantemente animato da brani di opere che lo videro in scena. Ma basta giungere in cima e, quindi, al primo spazio espositivo, per trovarsi davanti a un grande busto che lo ritrae, e il senso della vista, insieme a quello dell’udito, è sollecitato ancora di più da spezzoni di filmati dell’epoca in bianco e nero proiettati su una parete.

Dopo questo prologo il percorso si sviluppa piuttosto intuitivamente dal corridoio alle varie stanze dell’abitazione, ognuna delle quali vuole illustrare una tematica precisa: dalla storia di Caruso ed i suoi cari raccontata attraverso cartoline e foto d’epoca, ai rapporti con i colleghi… Interessanti, certo, ma più di queste lo è la camera da letto che è stata riallestita e arredata così com’era fino al 1921, con gli stessi mobili e ornamenti che è stato possibile riacquistare dopo che tutto ciò che arredava l’abitazione era stato venduto all’asta anni dopo la morte del tenore. Un’altra sala “diversa dal solito” è quella sui teatri internazionali, che espone in vetrine lungo le pareti ancora fotografie, locandine o articoli di giornale, ma stavolta l’ambiente è intimo, la luce è soffusa, i cartellini sono retroilluminati, e al centro è posta una carta geografica che evidenzia le città in cui Caruso andò in scena: il visitatore è invitato a sfiorare con un dito il nome di una di esse per far accendere ulteriori faretti puntati sulla teca apposita per meglio illuminarla, da Buenos Aires, a Varsavia, a Parigi. Un’idea davvero buona, peccato che questo dispositivo non funzioni. Per di più, l’assenza di personale di sala a cui poter chiedere spiegazioni fa sì che le testimonianze delle sue tournées restino un po’ all’oscuro, in tutti i sensi.

Nel frattempo la voce di Caruso continua a risuonare dolcemente per le sale e ad accompagnare il visitatore che passa in rassegna gli strumenti grazie ai quali essa oggi ci è restituita: i primi dischi in vinile, i fonografi e i grammofoni. Ma a un certo punto ci si potrebbe domandare da dove provengano questi suoni, da quale dispositivo, da quale altoparlante: e la risposta al quesito è chiara entrando nell’ultima stanza, decisamente la più riuscita. La grande “Sala della musica” resta in penombra, ma ogni sua vetrina è chiaramente illuminata, che si tratti delle teche al centro o di quelle disposte sulle pareti. Le prime mostrano due bei costumi che Enrico Caruso indossò mentre calcava il palcoscenico, oltre al suo primo fonografo; le altre espongono libretti, articoli, locandine, e le immancabili fotografie, accostate opera per opera, tra le principali a cui prese parte. Proprio qui, invisibili a prima vista ma in realtà nascosti dietro ad alcuni pannelli, si trovano (finalmente!) gli altoparlanti che uno dopo l’altro si attivano per proporre un brano di quelle pièces solo apparentemente descritte da materiali visivi: prima, da destra, “Ora e per sempre addio” dall’Otello di Verdi, poi, dall’altro lato della stanza, “Apri la tua finestra” da Iris di Mascagni, e così via finché il visitatore non si sentirà completamente avvolto dalla musica. Per chi è del tutto digiuno di lirica è stata adottata comunque una soluzione efficace, che consiste nell’aver posto proprio davanti alla porta d’ingresso uno schermo che indica, oltre al titolo del brano che si ascolta in quel momento, anche la collocazione dell’altoparlante e, quindi, della vetrina corrispondente. In questo modo sarà più facile destreggiarsi all’interno di questo ambiente così suggestivo.

In conclusione, la musica è dappertutto. La si ascolta piacevolmente in sottofondo, la si vede attraverso gli strumenti con cui è restituita, e all’ambito musicale rimandano, scelta azzeccata, i supporti che reggono i pannelli esplicativi (in italiano e inglese) correttamente posti all’ingresso di ogni stanza: si tratta infatti di leggii. Sarà un caso uscire dal Museo Enrico Caruso sorridendo e canticchiando “Celeste Aida”?

Museo Enrico Caruso – Villa Bellosguardo

Via di Bellosguardo 54, Lastra a Signa (Firenze)

Orari:

mercoledì e giovedì, 10.00-13.00;

venerdì, sabato e domenica: 10.00-13.00 e 15.00-18.00.

Ingresso:

intero 5 euro; ridotto 4 euro.

Maggiori informazioni sul sito: http://www.museoenricocaruso.it