By Rosanna Sumera & Sarah Klein

 

A pleasant break from Florence’s Renaissance canon, Van Gogh Alive: The Experience is a multimedia exhibition created by Grande Exhibitions that highlights the artist’s prolific, yet rather short, ten-year career as a painter (1880-1890). Currently on view at Santo Stefano al Ponte until April 12, Van Gogh Alive is an example of an exhibition demonstrating artwork in a non-traditional, new way that encourages an active learning environment.

Upon arrival, the visitor is ushered through the entryway of Santo Stefano and led downstairs to purchase tickets (€12 for adults, €10 for students). To the right of the ticket booth a drawing and quotation of Van Gogh greets the visitor, beginning his or her journey through the exhibition that follows the artist’s life emotionally and artistically. In an attempt to recreate Van Gogh’s most well known works, the first part of the exhibition is filled with brightly colored panels that provide the visitor with a history of the artist. This handful of Van Gogh masterpieces includesStarry Night Over the Rhone and Vincent’s Chair and His Pipe and each is accompanied with a plaque providing traditional biographical and curatorial information.

It is within the main exhibition space that the museum experience becomes anything but traditional. Several Van Gogh paintings are projected in high definition and huge scale to fill giant screens, walls, columns, ceilings, and even the floor. The exhibition also displays Van Gogh drawings, sketches, letters, watercolors, quotations, and family photographs to display a multimedia biography. Projections of modern images such as a wheat field and train tracks are also shown in an attempt to combine contemporary images with the artist’s past.

The challenge for curators today is to develop innovative ways their museums can display artwork that speak to a contemporary audience without displaying the objects in a traditional curatorial fashion. Museums are constantly searching for new public and forms of display, and in order to achieve a broader audience, it is important to develop diversified ways of conveying new messages and knowledge. This diversified means of communication is achieved in Van Gogh Alive because it changes how the visitor interacts with art. The presentation of this exhibition allows for the total immersion within Van Gogh’s work rather than seeing it from a far, or behind glass in a typical fine arts museum. Van Gogh Alive creates mini-films on loop; each ‘scene’ focuses on a different style of Van Gogh’s work or major periods of transition in his life. The projections are accompanied by classical music strategically chosen to match the time period that each work was executed. Every piece of the wall, and even the floor, becomes saturated with light and color that moves along with musical accompaniment.

Van Gogh Alive is an example of an exhibition that proves art can be displayed in a non-traditional manner to promote a dialogue between itself and its viewers. By developing new exhibition perspectives and ways of presenting chronologically based presentation platforms, museums are able to communicate to a broader audience. Van Gogh Alive: The Experience, successfully communicates Van Gogh’s story to the audience, as visitors most certainly come away from the exhibition feeling more connected to the artist, and demonstrates that the museum community can still develop new and innovative ways of displaying art and communicating information to a contemporary audience.

For more information visit: http://www.vangoghalive.it/ and http://vangogh-alive.com/

 

Van Gogh Alive: The Experience

Di Carolina Caverni (Università di Firenze)

Una pausa piacevole dal canone rinascimentale fiorentino, Van Gogh Alive: The experience è un esperienza multimediale creata dalla Grande Exhibitions che mette in evidenza la prolifica, seppur breve, carriera di dieci anni come pittore (1880-1890) di Van Gogh . Attualmente l’esposizione è nella ex-chiesa di Santo Stefano al Ponte fino al 12 aprile; Van Gogh Alive è un esempio di mostra che espone le opere in un modo non tradizionale, un nuovo modo che incoraggia un contesto di apprendimento attivo.

All’arrivo, il visitatore accede attraverso l’ingresso di Santo Stefano e viene condotto al piano di sotto per l’acquisto dei biglietti (€ 12 per gli adulti, € 10 per gli studenti). A destra della biglietteria un disegno e una citazione di Van Gogh accolgono il visitatore, che inizia il suo percorso lungo  l’esposizione dove la vita dell’artista è rappresentata dal punto di vista emotivo e artistico.

Nel tentativo di ricreare le opere più note di Van Gogh, la prima parte della mostra è ricoperta di pannelli dai colori vivaci che informano il visitatore sulla storia dell’artista.

Questa manciata di capolavori comprende Notte stellata sul Rodano e La sedia di Vincent e la sua pipa ognuna è inoltre accompagnata da una didascalia che fornisce le consuete informazioni biografiche e curatoriali.

E ‘all’interno dello spazio espositivo principale che l’esperienza della mostra diventa tutt’altro che tradizionale. Diversi dipinti di Van Gogh sono proiettati in alta definizione e su scala enorme per riempire schermi giganti, muri, colonne, soffitti, e persino il pavimento.

La mostra propone anche disegni, bozzetti, lettere, acquerelli, citazioni di Van Gogh e fotografie di famiglia con l’intenzione di creare una biografia multimediale. Proiezioni di immagini moderne, come un campo di grano e binari della ferrovia sono mostrate nel tentativo di combinare immagini contemporanee con il passato dell’artista.

La sfida per i curatori di oggi è quella di sviluppare soluzioni innovative con cui  i musei possano esporre opere d’arte che parlano ad un pubblico contemporaneo senza disporre gli oggetti con un criterio curatoriale tradizionale. I musei sono costantemente alla ricerca di nuovi pubblici e metodi espositivi, e al fine di raggiungere un pubblico più ampio, è importante sviluppare modi diversificati per trasmettere nuovi messaggi e conoscenze. Questi significati diversificati di  comunicazione sono realizzati in Van Gogh Alive grazie al cambiamento nel modo con cui il visitatore interagisce con l’arte.

La presentazione di questa mostra consente la totale immersione nel lavoro di Van Gogh piuttosto che vederlo da lontano, o dietro il vetro, come in un tipico museo di belle arti. Van Gogh Alive crea mini-film in loop; ogni ‘scena’ si concentra su un diverso stile di lavoro di Van Gogh o su grandi periodi di transizione nella sua vita. Le proiezioni sono accompagnate da musica classica scelta strategicamente per accordarsi con il periodo di tempo in cui ogni opera è stata eseguita. Ogni pezzo del muro, e anche il pavimento, si satura di luce e di colore che si muovono insieme all’accompagnamento musicale.

Van Gogh Alive è un esempio di mostra che rivela che l’arte può essere presentata in modo non tradizionale per promuovere un dialogo con lo spettatore.

Con lo sviluppo di nuove prospettive espositive e di metodi per presentare piattaforme basate sulla cronologia, i musei sono in grado di comunicare ad un pubblico più ampio. Van Gogh Alive: The Experience, comunica con successo la storia di Van Gogh al pubblico -i visitatori sicuramente dopo aver visitato la mostra si sentiranno più legati all’artista- e dimostra che la comunità museo può ancora sviluppare modi nuovi e innovativi di presentazione l’arte e comunicare informazioni ad un pubblico contemporaneo.

Per maggiori informazioni visitare il sito: http://www.vangoghalive.it/ e http://vangogh-alive.com/

Translation by Cole Fiala

 

Sala Bianca, Galleria Palatina, Palazzo Pitti

10 March- 14 June 2015

Maria de ‘Medici was 27 years old when she married Henry IV, King of France, by proxy in the Duomo of Florence. A series of celebrations followed the ceremony, including a sumptuous banquet in the Salone dei Cinquecento in Palazzo Vecchio. The exhibition in Palazzo Pitti retraces these events through a careful historic reconstruction made possible by direct sources of the time, among them in particular the testimony of Michelangelo the Younger, and archival documents.

Blue panels with golden lilies cover the first room of the exhibition, symbolizing the union between the crowns of France and Florence. Portraits of the couple, both made by Santi di Tito, decorate the room, as well as the official marriage certificate from the wedding in Lyon, and a large table painted by Alessandro Allori featuring the Wedding Feast at Cana in which the bride is a portrait of Maria de’ Medici.

After this first space, the visitor enters a true reconstruction of the scenic banquet, including folded napkins inspired by Bernardo Buontalenti (reconstructed by the artist Joan Sallas) as well as sugar sculptures (made by the metal-working foundry Del Giudice) modeled from the works of Giambologna and Pietro Tacca.

Sculptural groups, individual figures, and an equestrian statue of Henry IV are displayed on the table at the center of the room along with napkins created as animal figures and hunting scenes, in front of which are two portraits of the couple commissioned for Maria by Frans Pourbs the Younger in 1611.

Behind the richly reproduced banquet, perhaps in a somewhat imaginative manner, a banquette in the form of a lily that Jacopo Ligozzi had specially built for this event and that housed the precious furnishings of the Medici collections. A glass case in the same room contains one such object, a lapis lazuli goblet designed by Buontalenti.

Each portion of the exhibition is introduced by explanatory panels, both in English and in Italian, that recount the events that took place for the wedding celebration. Each object with an individual caption facilitates an understanding of the works on view.

Display cases in the next room feature documents, receipts, and requests of payments related to the organization of the banquet. Most notably, however, is the manuscript of Michelangelo the Younger entitled ‘Description of the Happiest Wedding’, which serves a major source of knowledge for the nuptials in florence.

The last rooms are devoted to a discussion on the technique of folding napkins. Within this room it is also possible for visitors to view and digitally browse the Treaty of Mattia Giegher from 1639, regarding the art within the exhibition. Also on display are a series of drawings and a painting in which the visitor may see dining tables with decorative inlay.

Finally, in the last room, a video documentary explains the techniques involved in the creation of the folded napkins and the sugar sculptures.

The exhibition offers a glimpse of the events that played a crucial role in history and that, with care for every detail, introduce the lavish ceremony. This serves as evidence that the most important artists of the time also had a crucial role in the creation of ephemeral equipment that had a high artistic value despite not being designed to last for centuries.

 

“Dolci trionfi e finissime piegature. Sculture in zucchero e tovaglioli per le nozze fiorentine di Maria de’ Medici ”.

Di Carolina Caverni (Università di Firenze)

Sala Bianca, Galleria Palatina, Palazzo Pitti

10 Marzo- 14 Giugno 2015

Maria de’ Medici aveva 27 anni quando sposò per procura nel Duomo di Firenze Enrico IV, re di Francia, alle nozze seguirono una serie di festeggiamenti tra i quali uno sfarzoso banchetto nel Salone dei Cinquecento in Palazzo Vecchio. La mostra in palazzo Pitti ripercorre quegli eventi attraverso un’ attenta ricostruzione storica resa possibile soprattutto dalle fonti dirette dell’epoca, tra queste in particolare il racconto di Michelangelo il Giovane, e dai documenti d’archivio.

La Prima sala del percorso espositivo è ricoperta da pannelli blu con gigli dorati, che simboleggiano l’unione tra la corona di Franca e Firenze, sui quali sono esposti i ritratti dei due sposi, entrambi realizzati da Santi di Tito, il certificato del matrimonio svoltosi a Lione dopo la partenza di Maria per la Francia e una grande tavola dipinta da Alessandro Allori con le Nozze di Cana dove la sposa è il ritratto di Maria de’ Medici.

Dopo questo primo spazio si accede alla ricostruzione vera e propria dello scenografico banchetto  che grazie alla regia di Bernardo Buontalenti fu arricchito da spettacolari piegature di tovaglioli ( riprodotte dall’artista Joan Sallas) e da sculture in zucchero (realizzate dalla fonderia Del Giudice) i cui modelli furono alcune delle opere coeve di Giambologna e Pietro Tacca.

Gruppi scultorei, singole figure, la statua equestre di Enrico IV, sono esposte sulla tavola al centro della sala insieme ai tovaglioli che creano figure di animali e scene di caccia, di fronte ai due ritratti degli sposi commissionati da Maria a Frans Pourbs il Giovane nel 1611.

Dietro il ricco banchetto è stata riprodotta, forse in maniera un po’ fantasiosa, la credenza a forma di giglio che Jacopo Ligozzi aveva appositamente costruito per questo evento e che metteva in mostra le preziose suppellettili delle collezioni medicee, tra queste la coppa in lapislazzuli disegnata dal Buontalenti ed esposta in una teca nella stessa stanza.

Ogni spazio della mostra viene introdotto da pannelli esplicativi, sia in inglese che in italiano, che raccontano gli eventi che si svolsero in quei giorni e spiegano il senso delle opere esposte ognuna delle quali ha la propria didascalia.

Nella sala successiva sono raccolti in teche i documenti, le ricevute e le richieste dei pagamenti relativi all’organizzazione del banchetto ed il manoscritto di Michelangelo il Giovane “Descrizione delle felicissime nozze…”  che è una delle principali fonti su questi eventi.

Le ultime sale sono dedicate ad un approfondimento sulle tecniche della piegatura dei tovaglioli, è possibile quindi vedere il trattato di Mattia Giegher del 1639 su quest’arte e sfogliarlo digitalmente, sono inoltre esposti una serie di disegni e un dipinto in cui si vedono tavole imbandite con queste decorazioni.

Infine, nell’ultima sala, un video documentario spiega le tecniche di realizzazione sia delle piegature dei tovaglioli che delle statue in zucchero.

La mostra propone uno sguardo su eventi che ebbero un peso fondamentale nella storia e che, curati in ogni dettaglio, proposero allestimenti spettacolari ed evidenzia come i più importanti artisti dell’epoca avessero un ruolo cruciale anche nella realizzazione di apparati effimeri che avevano un alto valore artistico nonostante non fossero pensati per durare nei secoli.

 

By Mackenzie Constantinou (Lorenzo de’ Medici)

 

Museo di Storia Naturale-Antropologia e Etnologia

13 February-24 May 2015

The University of Florence’s Museum of Natural History was founded in 1778 by the Grand Duke Leopold of Habsburg-Lorraine and was divided into six sections in 1878.  The institution of Anthropology and Ethnography, currently houses a temporary exhibition of photographs by John Thomson (1837-1921) a pioneer of photojournalism.  This exhibition, curated by Beatrice Hsieh Pei-ni, was organized by the Kaohsiung Museum of Fine Arts in Taiwan in collaboration with the Natural History Museum in Florence and the Center of Culture of Taiwan in Paris.  There are sixty-three images by the Scottish artist, which depict the photographer’s journeys to Taiwan, China, and South East Asia from 1865 to 1871.  Although the temporary exhibition allows for a new experience for visitors, the contextual display of the works juxtaposed against cultural context of the permanent collection potentially clouds the visitor’s comprehension of the images.

Thomson’s photographs are displayed throughout the museum on temporary wooden structures in the middle of each room. The permanent collection at the museum is divided geographically and the visitor clearly understands the curatorial choice due to clear labels at the entryway to each hall.  However, the works by Thomson are curated without regard to the permanent collection, meaning that these photographs do not illustrate the same culture, geographic area, or traditions that are displayed via the permanent collection in the rooms.  This decision creates a clear division between the permanent collection and the temporary exhibition.  Perhaps, if a room were dedicated only to the temporary exhibition or if Thomson’s works illustrated a similar subject matter to the permanent collection there would be more cohesion, such as in a room designated for Asian material culture.  For instance, the works displayed by John Thomson illustrate his travels to Formosa, present day Taiwan, by documenting dress, ways of life, and technologies.  Thomson aimed to create a view into the mysterious East for Europeans, and in doing so the artist incorporated numerous anthropological perspectives throughout his work.

Within each room the photographs are accompanied by a wall text explaining the importance and significance of John Thomson’s works, however they are only in Italian.  Also, each individual photograph is accompanied by a brief label also only in Italian.  Though these are extremely necessary educational tools they would be more helpful to a varied audience if printed in both Italian and English.

This exhibition helps to illustrate the life of the people whose cultural material is on display to the public.  Through viewing these images, visitors are able to place life within a static museum space.   John Thomson’s photographs offer the public an opportunity to see never before viewed images in Italy, and appreciate the works of the photojournalism pioneer.  This documentary technique was critical in the evolution of anthropological fieldwork and recording different cultures, and by incorporating these photographs into the museum space it emphasizes the change of the study of anthropology as well as different cultures.  Through analyzing these images it allows visitors to not only reflect on past people and places, but it asks the viewers to appreciate these works as art and not only for their anthropological importance.  Overall these pieces ask viewer not only to wonder about the culture and society, but also question the people behind the material cultures exhibited throughout the museum.

 

John Thomson. Primi sguardi verso oriente.

Di Carolina Caverni (Università di Firenze)

Museo di Storia Naturale-Antropologia e Etnologia

13 Febbraio-24 Marzo 2015

Il Museo di Storia Naturale dell’Università di Firenze venne fondato nel 1778 dal Granduca Leopoldo di Asburgo-Lorena e venne diviso in sei sezioni nel 1878. La sessione di Antropologia ed Etnografia attualmente ospita una mostra temporanea di fotografie di John Thomson (1837-1921), pioniere del foto-giornalismo. La mostra, curata da Beatrice Hsieh Pei-ni, è stata organizzata dal Museo di Belle Arti di Kaohsiung a Taiwan in collaborazione con il Museo di Storia Naturale di Firenze ed il Centro di Cultura di Taiwan a Parigi. Ci sono sessantatré immagini del fotografo scozzese, che raffigurano i suoi viaggi a Taiwan, in Cina e nel Sud-Est asiatico tra il 1865 ed il1871.

Anche se la mostra temporanea permette ai visitatori una nuova esperienza, la disposizione  contestuale delle opere contrasta con il contesto culturale della collezione permanente e  potenzialmente offusca la comprensione delle immagini da parte del visitatore.

Le fotografie di Thomson sono presentate lungo tutto il percorso espositivo su strutture in legno temporanee al centro di ogni stanza.

La collezione permanente è suddivisa geograficamente ed il visitatore capisce  facilmente la scelta curatoriale grazie a chiari pannelli esplicativi che si trovano all’ingresso di ogni sala. Tuttavia, le opere di Thomson sono esposte senza riguardo per la collezione permanente, il che significa che queste fotografie non mostrano la stessa cultura, non fanno parte delle medesime aree geografiche o tradizioni che sono rappresentate dalla collezione permanente nelle varie sale.

Questa decisione crea una netta divisione tra la collezione permanente e la mostra temporanea.

probabilmente se solo una stanza fosse stata dedicata alla mostra temporanea o se le opere di Thomson avessero illustrato un tema simile alla collezione permanente ci sarebbe stata più coesione, come accade ad esempio in una sala dedicata alla cultura materiale asiatica.

Ad esempio, le opere esposte di John Thomson mostrano i suoi viaggi a Formosa, oggi Taiwan, e ne documentano i costumi, i modi di vita, e le tecnologie. L’obiettivo di Thomson era quello di proporre uno sguardo sul misterioso Oriente per gli europei e in tal modo il fotografo ha incorporato numerose prospettive antropologiche in tutta la sua opera.

All’interno di ogni sala le fotografie sono accompagnate da un testo appeso al muro, che è però sono solo in italiano, che spiega l’importanza e il significato delle opere di John Thomson. Inoltre, ogni singola fotografia è accompagnata da una breve didascalia anche questa solo in italiano. Poiché questi sono strumenti educativi molto importanti, sarebbero più utili ad un pubblico variegato se fossero sia in italiano che in inglese.

Questa mostra aiuta a comprende la vita delle persone di cui è esposta al pubblico la cultura materiale. Attraverso la disposizione i visitatori sono in grado di dare  vita a queste immagini in uno spazio museale statico. Le fotografie di John Thomson offrono la possibilità di vedere immagini mai viste prima in Italia ed apprezzare le opere del pioniere fotogiornalismo.

Questa tecnica documentaria è stata fondamentale per l’evoluzione dell’antropologia e per lo studio di diverse culture e, incorporando queste fotografie nello spazio museale, si sottolinea il cambiamento dello studio di questa disciplina e di culture diverse. Attraverso l’analisi di queste immagini si permette ai visitatori di riflettere non solo sulle persone del passato e sui luoghi, ma si chiede a gli spettatori. di apprezzare queste opere dal punto di vista artistico e non solo per la loro importanza antropologica. Nel complesso questi pezzi portano il visitatore ad interrogarsi non solo sulla cultura e la società, ma anche a mettere in discussione le persone che stanno dietro alle culture materiali esposte in tutto il museo.

By Mackenzie Constantinou (Lorenzo de’ Medici)

 

Jacques Lipchiz was born in Lithuania in 1891.  He worked in France, Italy and the United States mostly during the XX century

Above all sculpture, his stylistic research was similar to Braque, Picasso, Gris, and Modigliani.  He can be considered as one of the greatest interpreters of cubist sculpture.  During the Nazi regime Lipchiz left France for the United States, where he remained up till the 1960s until he moved to Italy.

The exhibition is in line with two other exhibits about the Lithuanian artists that were made possible thanks to a triple donation from the Jacque and Yulla Lipchitz Foundation at the Staaliche Grapische Sammlung of Munich, which hosted some of the works of the sculptor last fall.  In Florence and Prato simultaneously held two exhibitions at the Drawings and Prints of the Uffizi and the Palazzo Pretorio in Prato.

In particular, the Cabinet of the Uffizi exposed graphic works of the artist.  It is possible to view more that sixty drawings, etchings, and sketching.  Many of these works depict the starting point of the creation of Lipchitz’s sculptures.

The chronology coves practically the entire body of work by the artist with drawings from 1910 to 1970s.

The exhibition is free.  The informational materials are reduced to an explanatory panel, which is at the entrance of the exhibition and a brochure, in English, Italian, or German, that provides a biography of the artists, information of the exhibition of each drawing.  These images are accompanied by a caption, which include the title, year, and technique of the works and are provided in English and Italian.

The exhibition is designed chronologically.  The first room contains one part of the sketches that show the creative freedom of the artist and especially communicate the sense of immediacy and spontaneity of the creative process, which is then reworked in the sculptures.

It is also possible to directly confront the sculptures.  Within the center of the room there are two casts on display, from the collection of the Palazzo Pretorio di Prato, “Pegaso” of 1944 and “Hagar II” of 1949.  They show the contrast between the lightness and intangibility of the idea that the design and implementation of plastic.

Lipchitz used different techniques, which assist the visitor in better understanding the various stages of the complex creative process. These are represented through different levels and modes of expression.

Within the glass case it is possible for the visitors to see the notebooks that belonged to the sculptor, which over the years he wrote down he thoughts and drafted quick sketches.

The second series of works are gathered studies for sculptures, including the three studies for the “Mother and Child”.  This was a bronze sculpture, which is now housed at the MOMA (Museum of Modern Art) in New York, which was made during World War II expresses the abomination.  The other works are three drafts for “The Suppliant”.

In the second room, placed upon blue panels, there drawings that date from the 1950s.  These are more figurative in respect to the previous display, which also utilizes color, for instance “The Rape of Europa” which one of the artist’s most famous sculptures.

The only flaw of the exhibit is perhaps the lack of other information concerning the artistic development of Lipchitz when compared to more of the artist’s sketches and sculptures.

 

“Jacques Lipchitz a Monaco, Firenze e Prato. Disegni per sculture 1910 -1972.”

By Carolina Caverni (University of Florence)

Firenze, Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi

3 marzo – 3 maggio 2015

Jacques Lipchitz, nato in Lituania nel 1891,  opera tra Francia, Italia e Stati Uniti e la sua attività si colloca lungo quasi tutto il XX secolo.

Soprattutto scultore, la sua ricerca stilistica è vicina a quella di Braque, Picasso, Gris e Modigliani e si può considerare come uno dei maggiori interpreti della scultura cubista.

Durante il nazismo dovette lasciare la Francia per trasferirsi negli Stati Uniti dove restò fino agli anni ’60 quando si spostò in Italia.

La mostra si pone in linea con altre due esposizioni sull’artista lituano che sono state possibili grazie alla triplice donazione della Fondazione Jacques e Yulla Lipchitz alla Staatliche Graphische Sammlung di Monaco, che ha ospitato alcune delle opere dello scultore lo scorso autunno, e a Firenze e Prato dove in contemporanea si svolgono due mostre al Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi e al Palazzo Pretorio di Prato.

Presso il Gabinetto degli Uffizi, in particolare, sono esposte le opere grafiche dell’artista, è possibile vedere più di 60 lavori tra disegni, acqueforti e schizzi molti dei quali furono il punto di partenza per la realizzazione delle sue sculture.

La cronologia copre praticamente l’intera attività dell’artista con disegni realizzati dal 1910 fino agli anni settanta.

La mostra è gratuita, i materiali informativi sono ridotti ad un pannello esplicativo all’inizio del percorso espositivo e un dépliant -in inglese, italiano o tedesco- con la biografia dell’artista e alcune informazioni sulla mostra, ogni disegno e poi accompagnato da una didascalia che indica, sia in italiano che in inglese, titolo, anno e tecnica di realizzazione.

L’allestimento segue il criterio cronologico, nella prima sala sono esposti da una parte gli schizzi che mostrano la grande libertà creativa dell’artista e comunicano soprattutto il senso di immediatezza e spontaneità del processo creativo che viene poi rielaborato nelle sculture.

È possibile avere anche un confronto diretto con la scultura; al centro della sala gli unici due  gessi in mostra, provenienti dalla collezione del Palazzo Pretorio di Prato, “Pegaso” del 1944 e “Hagar II” del 1949,  mostrano il contrasto tra la leggerezza e impalpabilità dell’idea che il disegno contiene e la realizzazione plastica.

Le diverse tecniche utilizzate da Lipchitz aiutano il visitatore a meglio comprendere la complessità e le varie fasi del processo creativo che si esprime attraverso diversi livelli e modalità espressive.

In una teca è possibile vedere i taccuini appartenuti allo scultore sui quali nel corso degli anni ha appuntato sia pensieri che realizzato veloci schizzi.

Nella seconda sessione di opere sono radunati gli studi per le sculture, tra questi i tre studi per “Mother and Child”, bronzo realizzato durante gli anni della guerra di cui esprime tutto l’abominio oggi conservato al MoMA di New York e tre bozze per “The suppliant” .

Nella seconda sala, su pannelli azzurri, sono esposti i disegni dagli anni ’50; più figurativi rispetto ai precedenti mostrano anche l’utilizzo del colore  come nel caso di alcuni studi per “The rape of Europa”, una delle sculture più famose dell’artista.

L’unica pecca della mostra è forse la mancanza di ulteriori approfondimenti sul percorso artistico di  Lipchitz e qualche confronto in più tra gli schizzi e le sculture.