By Giulia Bagni (University of Florence)

Open until the 31^st of December 2013 to visitors, the exhibition at the Villa Bardini “The Renaissance from Florence to Paris and Back. Treasures of the Jacquemart André Museum return home”. Clearly from the title, the exposition intends to illustrate a small part of the masterpieces, which among the end of the eighteenth century and the start of the nineteenth century through the sales of the famous antiquities dealer in Florence Stefano Bardini, were purchased by the couple Nélie and Édouard Jacquemart-André in order to enrich their private collection; the decision to hold the exhibition at the Villa Bardini is not by chance.

The exposition is situated on the third floor of the villa and is articulated into six small sections. The pathway of the visit is not clear, but the presence of the diligent staff and a brochure that you can take at the entrance, allows you to orient yourself.

There are two dominant colors of the arrangement: the green of the fabric which covers the walls, which allows the gold of the frames to stand out and the blue of the panels with the text in both Italian and English introduces the difference sections. The explanations on the panels are detailed and effective, without being long-winded: it starts with a description of the married French collectors, and their relationship with the antiquities dealer Bardini; it continues with an outline of the profile of Nélie Jacquemart, who was the matron of the collection. Finally, the last sections illustrates the birth of the Museum Jacquemart André of Paris and Bardini of Florence, and it is also accompanied with the help of photographs of the period which describes the disposition of the Paris collection. It is possible to recognize some works that are now exposed in the Villa, within the photographs.

During the exhibition it constantly shows the visitor the close relationship between the personality of the antiques dealer and the two collectors. This relationship is witnessed by many purchases, and also by the influence that Bardini exercised with his gallery on the arrangement of the rooms in the Parisian household: these rooms advocate the ambiance of the Renaissance and the objects are disposed following principle aesthetic values.

To give the visitor the idea of the disposition of the Galleria Bardini, the curators recreated a room of the gallery using a photographic reproduction that covers the entire wall  and put close to the wall some works that come from the Museo Bardini (located in Palazzo Mozzi). Except the curators are not trying to recreate the arrangement of the Parisian museum, which is similar to the Galleria Bardini. It has been expressed through the presentation of the photographs of the period, in order for the public viewers to appreciate the entirety of the beauty of the exposed work. However, they are not illuminated very well.

Another positive aspect of the exhibition is that the curators have not expressed the negativity of the figure Bardini, who is often described as a vile art dealer, but diverts the attention to the common interests and the love of art between the three personalities.

The ultimate point regarding the choice of the exposed objects: the curators have selected for a large part of paintings, and they left out the rich section of sculpture from the Jacquemart André museum.

With one ticket, you can visit all of the parts of the museum, including all of the temporary exhibitions, the Annigoni e Capucci museums, and the splendid Villa gardens that offers a breath-taking panorama of the city of Florence.

For more information visit the website http://www.renaissanceflorenceparis.com/

 

Il Rinascimento da Firenze a Parigi. Andata e ritorno. I tesori del museo Jacquemart André tornano a casa.

Giulia Bagni (Università di Firenze)

Fino al 31 Dicembre si può visitare presso Villa Bardini la mostra “Il Rinascimento da Firenze a Parigi. Andata e ritorno. I tesori del museo Jacquemart André tornano a casa”.

Come si intuisce dal titolo, l’esposizione intende illustrare una piccolissima parte di quei capolavori che, tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento, attraverso le vendite del noto antiquario Stefano Bardini a Firenze, furono acquistate dai coniugi Nélie e Édouard Jacquemart-André al fine di arricchire la loro collezione privata; la scelta di ospitare la mostra presso Villa Bardini non è quindi casuale.

L’esposizione si trova al terzo piano della villa e si articola in sei piccole sezioni. Il percorso di visita non è molto chiaro ma, grazie alla presenza di solerti custodi e a una brochure che si può prendere all’ingresso, si riesce ad orientarsi.

I colori dominanti dell’allestimento sono due: il verde della stoffa che ricopre le pareti delle sale, su cui ben risaltano le cornici dorate delle opere, e il blu dei pannelli, con testi in italiano e in inglese, che introducono le diverse sezioni.  Le spiegazioni fornite al visitatore sono molto dettagliate, senza essere prolisse, ed efficaci: si comincia con una presentazione della coppia di collezionisti francesi, a cui è affiancata quella dell’antiquario Bardini; si prosegue col tratteggiare il profilo di Nélie Jacquemart, colei a cui si deve maggiormente la nascita della collezione; infine, l’ultima sezione illustra la nascita dei Musei Jacquemart André di Parigi e Bardini di Firenze, anche con l’aiuto di fotografie d’epoca che chiariscono la disposizione della collezione parigina e in cui è possibile rintracciare alcune delle opere in mostra.

Questo continuo raffronto tra l’attività e la personalità dell’antiquario e dei due collezionisti trasmette al visitatore lo stretto rapporto che si venne a creare tra loro; rapporto testimoniato, oltre che dai numerosi acquisti, anche dall’influenza che Bardini esercitò, con la sua galleria, nell’allestimento della sale dell’abitazione parigina dei collezionisti: stanze evocative di ambienti rinascimentali in cui gli oggetti erano disposti, come oggi, seguendo principi estetici.  

Per fornire al visitatore un’idea di quello che era l’allestimento della Galleria Bardini si è provveduto a ricrearne una stanza grazie all’uso di una riproduzione fotografica che è stata “stampata” direttamente sulle pareti, a cui sono state accostate alcune opere provenienti dal museo Bardini (situato in Palazzo Mozzi). A parte questo tentativo, i curatori non hanno voluto in alcun modo riproporre l’allestimento del museo parigino, molto simile a quello della Galleria Bardini e già evocato attraverso la presentazione di fotografie d’epoca, così che il pubblico possa godersi appieno tutte le opere esposte che, va detto, non sempre sono illuminate in maniera ottimale.

Un altro pregio della mostra risiede nel fatto di non aver insistito troppo sugli aspetti negativi della figura di Bardini, descritto spesso come un vile commerciante, ma di aver puntato l’attenzione sugli interessi comuni e l’amore per l’arte che univano queste tre personalità.

L’ultimo appunto riguarda la scelta delle opere da esporre: i curatori hanno selezionato per la maggior parte opere pittoriche, trascurando tutta la sezione di scultura di cui il museo Jacquemart André è ricco.

Da non tralasciare il fatto che nel prezzo del biglietto sono comprese anche la visita alle eventuali altre mostre temporanee, ai musei Annigoni e Capucci e infine allo splendido Giardino della Villa che offre un panorama mozzafiato sulla città di Firenze.

Per ulteriori informazioni consultare il sito http://www.rinascimentofirenzeparigi.it/

By Silvia Zanella (University of Florence)

Ending on the 3^rd of November there is an exhibit in the Galleria degli Uffizi titled  “The Gran Prince Ferdinando de’ Medici (1663-1713) Collector and Patron of the Arts”. On the 300^th anniversary of his death there have been four exhibitions organized, including this one, located in various Florentine museums, to highlight his personality. The exhibit at the Uffizi represents a general view of the artistic interests of the prince.

The exhibit begins on the first level of the Uffizi and the dominant color of the mounting is a relaxing lilac and it works as the motif of all fifteen rooms.

The first section is dedicated to the first portraits of the protagonist (Ferdinando) and is testament to his growth.

Here we are presented with a small problem: the room is connected to two other rooms, and the visitor does not know which room to enter first because the number is indicated on the inside of the room. After this we are presented with the representation of the musical education that Ferdinando received in Pratolino and the visitor is accompanied by soft music of the period.

Furthermore, the exhibit continues on to show the activities of Ferdinando’s collecting through the display of works by his preferred artists. One notices the finesse of the sensors that protects the exposed works from the visitors that come to close, for they mimic a work of design.  The lighting is positioned on a track from the ceiling above the works, and the tracks are elegantly hidden behind composite wood painted in the lilac theme. This system is very well executed because the reflection is minimal on the painting and allows for a more beneficial viewing of the work.

Surprisingly on the ceiling of the small room that illustrates the reconstruction of the Mezzanine of Palazzo Pitti, it is possible to admire the fresco’s by Anton Domenico Gabbiani that represents “The Time Exhalts the Sciences and tramples Ignorance” (Il Tempo esalta la Scienza e calpesta l’Ignoranza). One defect is that a small label that is nearly invisible to visitors, leaving them to pass through the room and not notice the ceiling, is the only indication for this fresco.

Another interesting room dealing with the relationship between Ferdinando and the Tuscan sculptor. The disposition of the pieces is various: in the center are two cases that preserve small sculptures that are illuminated entirely by LED lights. Then on a wall there is a niche built in, and inside there are other works that intensify the sculptures in the cases.

Another room, that is very wide due to the dimensions and the fact that it houses very large paintings: the paintings are altarpieces of the sixteenth and seventeenth centuries that were removed from various churches to satisfy the aesthetic taste of the Prince. To properly admire and appreciate them, there are some pillows on the floor where visitors can sit and admire the altarpieces for a while.

Finally, the exhibit that focuses on the preferred painters of the prince and on some other persons as his collecting advisors.

The exhibit ends with the final years of the Prince’s life, and is indicated by a large vase that is black and gold created by Massimo Soldani Benzi. Positioned in the center of the room, it is there to implement the understanding of death because it is black, however, it was originally created for the marriage of Ferdinando.

“The Grand Prince Ferdinando de’ Medici” it is a didactic exhibition, that thanks to the careful preparation of the mounting, lights, colors and details, allows for the exhibits interesting qualities to come to fruition. They found a balance between the traditional rooms and the rooms with large photographic enlargements. This is an exhibit that deserves to be visited because it is capable to present various aspects without overwhelming the visitors.

The exhibit is in Italian and English. For more information please consult the website:

http://www.polomuseale.firenze.it/mostre/mostra.php?t=51c04t74f1c3bcfcc000104
“Il Gran Principe Ferdinando de’ Medici (1663 – 1713). Collezionista e Mecenate”

Silvia Zanella (Università di Firenze)

Fino al 3 novembre si tiene presso la Galleria degli Uffizi la mostra “Il Gran Principe Ferdinando de’ Medici (1663 – 1713). Collezionista e Mecenate”. Nel terzo centenario della sua morte sono state pensate quattro esposizioni, compresa questa, dislocate in vari musei fiorentini, per gettare luce sulla sua figura. Nel caso degli Uffizi si tratta di una panoramica generale sugli interessi del principe a livello artistico.

La mostra si sviluppa a pian terreno e il colore dominante dell’allestimento è un riposante lilla che funge da leit motif per tutte le quindici sale.

Si comincia con la sezione dedicata ai primi ritratti del protagonista che ne testimoniano la crescita. Qui si presenta un piccolo problema: la sala è collegata ad altre due, ma manca un’indicazione chiara su dove dirigersi poiché le numerazioni progressive sono  affisse all’interno delle stanze.

Si passa poi alla presentazione dell’educazione musicale ricevuta da Ferdinando a Pratolino accompagnata da un esempio sonoro in sottofondo.

Successivamente ci vengono mostrati gli inizi della sua attività di collezionista, attraverso alcuni dipinti dei suoi pittori preferiti. Da sottolineare la finezza sia dei sensori che proteggono le opere esposte dai visitatori che si avvicinano troppo e che sembrano opere di design; sia dei faretti posti in alto su guide aggettanti mascherate con compensato dipinto dello stesso lilla delle pareti. Inoltre il riflesso delle luci sui quadri è minimo consentendo una buona fruizione.

Sorprendente la piccola sala che racconta il rinnovamento dei mezzanini di Palazzo Pitti dove sul soffitto è possibile ammirare la riproduzione dell’affresco Anton Domenico Gabbiani,  raffigurante “Il Tempo esalta la Scienza e calpesta l’Ignoranza”. Unico difetto da segnalare è la sua indicazione mediante una minuscola didascalia, poco visibile ai visitatori che quindi passano senza alzare la testa, perdendosi la sorpresa.

Un’altra interessante sala è quella dove viene affrontato il rapporto di Ferdinando con la scultura toscana. Questa stanza è particolarmente varia nella disposizione dei pezzi: al centro ci sono due teche che preservano delle piccole sculture illuminate da LEDS posti in basso attorno ad esse, mentre su una parete sono aperte delle nicchie che accolgono, mettendole in risalto, altre sculture.

Segue una sala d’ampio respiro sia per le dimensioni sia per l’imponenza dei dipinti esposti: sono pale d’altare del ‘500-‘600 rimosse da varie chiese per soddisfare il gusto collezionistico del principe. Proprio per poterle apprezzare meglio, dei cuscini sono messi a disposizione dei visitatori che vogliono concedersi una sosta più lunga.

Infine l’esposizione si concentra sui pittori prediletti dal principe e su alcune personalità a lui legate, come i consiglieri per gli acquisti in ambito artistico.

Il percorso si chiude con gli ultimi anni del Gran Principe coronati visivamente dal grande vaso nero e oro di Massimo Soldani Benzi posto nel centro della sala che, nonostante fosse stato realizzato per le nozze di Ferdinando, risulta funereo.

“Il Gran Principe Ferdinando de’ Medici” è una mostra sicuramente didattica, ma che, grazie ad un allestimento attento ai colori, alle luci e ai dettagli, permette una fruizione agile ed interessante. Giusto è l’equilibrio trovato tra sale “tradizionali” e sale con gigantografie alle pareti o sul pavimento. Questa mostra merita assolutamente di essere vista in quanto capace di presentare molti contenuti senza appesantire il visitatore.

Tutti i testi sono sia in lingua italiana che inglese. Per maggiori informazioni consultare il sito http://www.polomuseale.firenze.it/mostre/mostra.php?t=51c03f74f1c3bcfc1c000104

Silvia Zanella (University of Florence)

From the 15^th of July to the 3^rd of November 2013 there is an exhibition dedicated to the photography by Steve McCurry in the Complesso Monumetale di Santa Maria della Scala in Siena.

The Title – “A Journey About Man” – Is a perfect summery of the work by this artist. The journey has three aspects: one part is the experience of the photographer around the world, another aspect is the audience experience, and the final aspect is what is illustrated in the photographs themselves. To explain the experience that is behind the photographs, the viewers are given headphones where the photographer himself speaks about the emotions that he felt while taking the images and attempts explain what the contents of the image. The viewer can choose which story they want to hear; this way the viewer creates their own personal path through the exhibition.  There are 230 images represented by the contemporary photographer who initially became famous with the photograph of the Afghani woman with green eyes who is the symbol of the upsetting conflict in the 1980’s and was published on the cover of National Geographic.

The location of the exhibition is interesting because it is beneath the Complesso Monumentale, among Etruscan and Roman findings. The pathway winds among the museum rooms and the temporary exhibition intertwines with the permanent collections without interruption.  The light is soft and warm, and the space is narrow and long, together they stimulate the curiosity towards the portraits and the landscapes. With this photographic selection, the curator, Peter Bottazzi, wanted to communicate his personal interpretation of the work of the artist, and organized the rooms thematically. The rooms illustrate different aspects of humanity and are communicated through different arrangements according to the expressed feelings: Discovery, Dizziness, Poetry, Astonishment, and Memory. The rooms are not meant to be overwhelming, but want to raise, to move, to provoke thoughts, sensations, and fears. The viewer has the impression that all of these feelings are proposed and not imposed.

The first room, Discovery, presents photographs of the fore ground in sharp focus and the back ground out of focus which leads the viewers to lose themselves in the eyes of the person who is portrayed. After being immersed in their eyes, you gradually begin to realize the rest of the world within the image.  The works are hung on the front and back of black translucent curtains that are hung from the ceiling, creating a zig zag pattern because they are alternately on the left and right side of the corridor. The only problem is that the exhibit labels are hung from the ceiling side by side and are placed above the two images that are back to back. It causes confusion for the viewer, because it is unclear which image corresponds to the labels. The second room, Dizziness, is presented in an oval construction in wood, and the floor is covered in mirrors. The images are hung on the ceiling and overlook the viewers who are surrounded with images of death, suicide, war, and burning oil wells. You immediately perceive discomfort. To alleviate the discomfort, you move into the next room, Poetry, conceived like a cloud in the shape of a polygon, and on the polygon faces images are attached that represent happiness within everyday life throughout different parts of the world. The pathway continues into two alternate corridors with the photographs hung at eye level on a wooden beam that juts from the wall and is next to the Etruscan funerary urns. Next is the room called Astonishment, within the room is a pyramid and inside the pyramid the photographs are hung, and they represent the innocence of children and joy of a smile. Finally, you climb stairs to enter the courtyard of the Complesso di Santa Maria della Scala, and the pavement has been covered with a khaki colored tapestry. The impression is of being in a canvas tent and it corresponds with a video about the story of finding, after 17 years, Sharbat Gula, the afghani woman who made Steve McCurry famous. This is the room of Memory.

The exhibition is able to make the images speak through the various designs and the careful choice of images selected by the curator Peter Bottazzi. He gives one possible interpretation of the work of the photographer. The choice of lighting and location for the exhibition is very striking. Perhaps though, the price of the ticket is a bit excessive.

For more information visit the site http://www.stevemccurrysiena.it

 

Steve McCurry. Viaggio intorno all’uomo

Di Silvia Zanella (Università di Firenze)

Dal 15 Giugno al 3 Novembre 2013 si tiene presso il Complesso Monumentale di Santa Maria della Scala a Siena, la mostra dedicata al fotografo Steve McCurry.

Il titolo – “Viaggio intorno all’uomo” – è una perfetta sintesi dell’attività di questo artista. Il viaggio è triplice:  quello del fotografo che si sposta per il mondo, quello che noi spettatori viviamo virtualmente grazie ai suoi scatti, ma anche quello che ogni fotografia ci illustra. Proprio  per dar voce alle esperienze, alle storie e ai sentimenti celati dietro ogni immagine, al visitatore viene consegnata un’audioguida che permette di ascoltare, direttamente dalla voce dell’autore, ciò che egli  ha provato nel momento dello scatto e quello che ha voluto esprimere con esso. Ovviamente ciascuno sceglie quali storie ascoltare, ed in questo modo si crea un percorso personale.

Duecentotrenta scatti riassumono la carriera di questo fotografo contemporaneo divenuto famoso per l’immagine della ragazza afgana dagli occhi verdi che divenne il simbolo del conflitto che sconvolse il paese negli anni ’80, e venne pubblicata sulla copertina del National Geographic.

Interessante la location della mostra allestita nei locali ipogei del complesso monumentale, tra reperti etruschi e romani. Il percorso si snoda tra le stanze del museo e si affianca ad esse senza la pretesa di imporsi. La luce soffusa e calda, insieme a spazi stretti e lunghi, stimolano la curiosità verso i volti ed i luoghi ritratti. Il curatore, Peter Bottazzi, propone una lettura personale del lavoro dell’artista attraverso una selezione di fotografie, concependo il percorso per camere tematiche. Esse illustrano alcune sfaccettature dell’ “universo uomo” che vengono comunicate mediante allestimenti diversi a seconda del tipo di sentimento espresso: la Scoperta, la Vertigine, la Poesia, lo Stupore, la Memoria. Come gli stati d’animo, queste camere non pretendono di essere esaustive, ma di suscitare, muovere, innescare pensieri, sensazioni, paure. L’impressione è sempre quella della proposta e non dell’imposizione.

La prima camera, la “Scoperta”, presenta fotografie di primi piani con sfondi sfuocati che portano a perdersi negli occhi delle persone ritratte, poi man mano si percepiscono figure ed animali come se dopo un’immersione tornassimo gradualmente a ricomprendere anche il resto del mondo.

Le opere sono appese sul fronte e sul retro di teli neri semitrasparenti che pendono dal soffitto creando uno slalom poiché si trovano alternativamente sul lato destro e sinistro di un corridoio. Unico difetto sono i cartellini che presentano le didascalie affiancate delle due fotografie appese a ogni telo. Quando quest’ultimi si muovono, a causa dello spostamento d’aria, non permettono al visitatore di capire se l’informazione sia riferita alla foto del recto o del verso, creando confusione.

La seconda, la “Vertigine”, presenta una costruzione ellittica in legno con alla base degli specchi. Le fotografie appese in alto ci sovrastano e ci circondano con immagini di morte, suicidio, guerra, pozzi petroliferi incendiati. Subito si percepisce malessere. Esso viene mitigato dalla camera successiva, la “Poesia”, concepita come una nuvola costituita da tanti poligoni sulle cui facce sono incastonate fotografie di serena vita quotidiana nelle più svariate parti del mondo. Il percorso continua in altri due corridoi con fotografie esposte ad altezza degli occhi su delle travi di legno sporgenti dai muri accanto ad urne funerarie etrusche. Si giunge così nella camera dello “Stupore” che, in una piramide internamente rivestita di fotografie, vuole farci ricordare l’innocenza dei bambini, la gioia ed il sorriso. Infine, salendo delle scale si accede al cortile del complesso di Santa Maria della Scala, il cui pavimento è stato rivestito con un tappeto color kaki. L’impressione è quella di stare in una tenda e ciò calza a pennello col video sulla storia del ritrovamento, dopo diciassette anni dallo scatto, di Sharbat Gula, la ragazza afgana che ha reso famoso Steve McCurry. Questa è la camera della “Memoria”.

La mostra è capace di far parlare le immagini tramite un allestimento vario e una scelta accurata delle fotografie da parte del curatore Peter Bottazzi. Egli ha dato una delle possibili interpretazioni del lavoro del fotografo. Suggestive sono sia la scelta del luogo della mostra che le luci. Forse, un po’ eccessivo il prezzo del biglietto.

Per maggiori informazioni visitate il sito http://www.stevemccurrysiena.it/. 

By Chelisse Perry (LdM University)

The Museo Galileo presents a new and interesting concept to Italian museums. Undergoing intensive restoration, conservation and remodeling that began in 2007; the museum is a new institution all in itself. It includes not only the renovations of the museum structure, but also that of the library, and the institution has become a preliminary experiment for the Italian museum department.  Interestingly enough, the Museo Galileo began its renovations with the introduction of an analytical questionnaire that was offered to its visitors and users. The analysis by the public identified aspects from levels of satisfaction to user quality, layout, and informational material. This is an interesting and highly effective investigative tool, especially when considering that the Museo Galileo incorporated its public responses into the restoration process. This allows the museum staff to update, change, add, and remove aspects from the museum in order to create a better experience for the visitors; which the experience of the visitor is primarily the most important to the institution aside from the objects care.

Not only did the Museo Galileo increase the level of user-ability, it also increased the conservation of the objects; they created controlled microclimates that protect the longevity of the artifacts on display. The Museo has effectively created a learning institution for all ages that even includes activities for the blind and visually impaired. It includes a ‘touch tour’, for those who cannot participate in the viewing of the objects, but can still take away from the Museum an interactive learning experience. Also offered at the front desk upon arrival is a guided tour device, which allows you to program your own tour. The Museo Galileo has created a learning institution as well as created a high tech and advanced museum in Italy. These renovations have been created in the mind set that the visitor is the most important as well as working to create a more conducive environment for both the object and the viewer to participate within comfortably. In the past, the displays were poorly kept and damaged the objects. Now, the objects are kept in cases of the latest technology, and keep the object well lit for the observer.

The museum’s lay out is designed to introduce the visitor to two important family collections. Housed on the first floor of the museum are the family collections of the Medici. After the viewer passes through many rooms, they will encounter the Lorraine collection. For example, viewers will pass through rooms lined with astrolabes and compasses, and will encounter the reliquaries of Galileo. As the viewer progresses through the museum, traversing from the first to the second floor, the exhibition colors become brighter and more stimulating. This was implemented to keep the viewer engaged, awake, and interested. Not only do the colors become more stimulating, more benches are placed around the museum for viewers to rest. At the end of the museum there are a few rooms lined with replicas of some of the scientific instruments for the visitors to experiment with. The museum also includes didactics for interactive educational activities that engage the audience in the historical and scientific theme of the museum.

The Museum offers many tours and pamphlets in English, Italian, French, Spanish, German, and more. For more information visit the site:

www.museogalileo.it

For didactic groups email: [email protected]

 

Il Museo Galileo. Istituto e museo di storia della scienza

Chelisse Perry (LdM University)

Il museo Galileo presenta una nuova idea di museo rispetto al panorama italiano, grazie ad un intervento di restauro e conservazione iniziato nel 2007 che lo ha totalmente rinnovato; intervento che ha riguardato non solo la struttura del museo ma anche la biblioteca, diventando  un esempio per tutti i musei italiani.

Da notare come tale rinnovamento sia cominciato sottoponendo i visitatori ad un questionario. L’analisi effettuata sul pubblico riguardava i livelli di soddisfazione, gli allestimenti, e il materiale informativo.  Questo metodo si è rivelato uno strumento investigativo interessante ed efficace, specialmente se si considera il fatto che le risposte date sono state considerate nel processo di restauro del museo stesso. Questo ha permesso allo staff di aggiornare e cambiare tutti quegli aspetti che permettono oggi una migliore fruizione da parte del pubblico; quest’ultimo è infatti, insieme alla conservazione delle collezioni, una priorità del museo.

Il museo Galileo ha apportato miglioramenti non solo  nell’allestimento, ma anche nei metodi di conservazione degli oggetti creando, all’interno delle sale, dei microclimi controllati in grado di proteggere i manufatti esposti. Inoltre si è provveduto alla creazione di un efficace sistema educativo capace di coinvolgere persone di tutte le età, che prevede anche attività per non vedenti tra cui dei percorsi tattili.

Appena arrivati al museo, ai visitatori è offerta la possibilità di creare il proprio percorso all’interno delle sale tramite l’uso di una guida interattiva. Infatti il museo Galileo si pone come un’istituzione educativa e allo stesso tempo all’avanguardia nell’uso  delle nuove tecnologie.

Il rinnovamento del museo ha avuto lo scopo di creare un ambiente confortevole per i visitatori e allo stesso tempo adatto alla conservazione degli oggetti, a differenza di quanto accadeva in passato, quando le sale erano mal tenute,  arrecando danni anche alle opere. Oggi invece gli oggetti sono tenuti in vetrine che adottano le più recenti tecnologie di conservazione, consentendo anche una buona illuminazione degli oggetti.

Il percorso è pensato per presentare al pubblico due importanti collezioni famigliari. Al primo piano sono ospitati gli oggetti che facevano parte della collezione della famiglia Medici; alla fine di questa sezione si trovano le collezioni della famiglia Lorena. Nel museo è possibile ammirare oggetti come astrolabi, compassi e perfino le reliquie di Galileo.

Salendo dal primo al secondo piano i colori dell’allestimento diventano più brillanti e stimolanti. Questo cambiamento serve a tenere il visitatore coinvolto, attivo e interessato. A cambiare non sono solo i colori: nelle sale cominciano ad apparire dei divani, posizionati per dare la possibilità ai visitatori di riposare. Alla fine del percorso ci sono alcune stanze dove le persone possono condurre esperimenti usando delle copie degli strumenti visti precedentemente in mostra.

Infine il museo offre anche attività didattiche che coinvolgono i partecipanti nell’approfondimento di temi scientifici e storici riguardanti il museo

É possibile effettuare la visita al museo Galileo in varie lingue (italiano, inglese, francese, spagnolo, tedesco etc…). Per maggiori informazioni visitare il sito www.museogalileo.it

Per partecipare alle attività didattiche è possibile prenotare mandando una mail a: [email protected]