Galleria dell’Accademia

5 dicembre 2017 – 18 marzo 2018

Di Simona Anna Vespari (Università degli Studi di Firenze)

 

Tessuto e ricchezza a Firenze nel Trecento. Lana, seta, pittura. E’ questo il titolo della mostra che si è aperta il 5 dicembre scorso e avrà luogo fino al 18 marzo 2018 nelle sale della Galleria dell’Accademia, a cura della direttrice del museo Cecilia Hollberg. Si tratta di un evento molto interessante, non comune, che si concentra principalmente sull’importanza dell’arte tessile a Firenze, analizzata sia da un punto di vista economico che nel campo della produzione artistica. Può essere considerata un viaggio attraverso la storia dei tessuti tra la fine del Duecento e per tutto il Trecento, in particolare a Firenze, periodo in cui la città divenne un luogo fondamentale negli scambi commerciali.

Il visitatore entrando dalla Galleria dell’Accademia si ritrova in un ambiente governato dalla semioscurità, effetto che da maggiore intimità al luogo e soluzione che fa risaltare come assoluti protagonisti i tessuti, ben illuminati, e quindi al centro dell’attenzione.

La mostra si apre con uno sguardo al contesto storico nel quale quest’arte comincia a svilupparsi: all’interno di teche, si trovano nella prima sala testimonianze dell’Arte della Lana, corporazione importantissima a Firenze, presente attraverso l’esposizione di sigilli, statuti, pagamenti che rendono chiara la sua attività.  A dare il benvenuto al visitatore è il piccolo vestitino in lana, prestato dal National Museum di Copenhagen, confezionato alla metà del XIV secolo per una bimba e recuperato in Groenlandia dagli archeologi: l’opera, posta in una teca di vetro, direttamente in corrispondenza dell’entrata principale documenta come il concetto di moda comincia a svilupparsi già da quest’epoca.

Giusta la scelta in questa prima sala di posizionare, vicino all’ingresso e prima dell’inizio della visita, un punto in cui sono stati collocati quattro tipi di stoffe offrendo al visitatore anche un’esperienza tattile, importante visto l’argomento su cui verte l’esposizione.

La mostra segue un percorso cronologico e si compone di varie sezioni, in ognuna delle quali ci si concentra su un tipo diverso di decorazione; si parte così con la prima sezione dedicata alle Geometrie mediterranee: insieme a pezzi di tessuto dalla fantasia che richiamano il mondo islamico, ci troviamo di fronte alle due opere più antiche di tutta la mostra che appartengono ancora alla fine del ‘200. Si tratta della Madonna di San Remigio, proveniente appunto dalla chiesa da cui prende il nome e la grande Croce di fine Duecento, appartenente alla Galleria dell’Accademia e restaurata per questa occasione, dominante in posizione centrale: in quest’ultima opera colpisce particolarmente il tessuto decorato a motivi geometrici del tabellone centrale, testimonianza dello splendore – in gran parte perduto – delle opere che ornavano le chiese in questo periodo.

In ogni sezione è esposta quindi almeno un’opera pittorica in cui si ripropone la decorazione del tessuto in esame: questa scelta è interessante e porta il visitatore a guardare l’opera con occhi nuovi, probabilmente in un modo diverso da quello abituale, ricercando il dettaglio decorativo della stoffa in un continuo confronto tra tessuti reali e dipinti.

Il blu è il colore che fa da filo conduttore per l’intera esposizione: si è scelto infatti di utilizzare questa tinta per le pareti, in stretto richiamo ai tessuti esposti con tanto di decorazioni con animali e simboli, così come blu è tutto il materiale didattico presente. Le didascalie sono molto chiare, poste vicino all’opera e ben visibili mentre i pannelli esplicativi scritti in doppia lingua, uno per ogni sala, forse risultano troppo brevi per il visitatore che si approccia per la prima volta con questo argomento, facendo comprendere maggiormente il contesto che ruota attorno alle opere esposte ma non riuscendo a creare un vero e proprio percorso lineare.

Al termine del percorso troviamo la sezione dedicata ai velluti ed anche, in posizione d’onore a salutare il visitatore in questo suo viaggio nel mondo dei tessuti due e trecenteschi,  il bellissimo piviale conservato al Museo del Bargello che documenta la sfarzosità e la ricchezza e l’importanza raggiunta dalla città di Firenze in questo campo nel corso del Quattrocento.

 

Weave and wealth in Florence in the Fourteenth Century
Wool, silk, painting

Accademia Gallery
5 December 2017 – 18 March 2018

 

By Simona Anna Vespari (University of Florence)

 

Weave and wealth in Florence in the fourteenth century. Wool, silk, painting. This is the title of the exhibition that opened on December 5, 2017, and will take place until March 18, 2018, in the halls of the Galleria dell’Accademia, by the director of the museum, Cecilia Hollberg. It is a very interesting, uncommon event that focuses mainly on the importance of textile art in Florence, analyzed both from an economic point of view and in the field of artistic production. It can be considered a journey through the history of fabrics between the end of the thirteenth century and throughout the fourteenth century, especially in Florence, a period when the city became a fundamental place in trade.

The visitor entering the Accademia Gallery finds themselves in an environment controlled by semi-darkness, an effect that gives greater intimacy to the place and solution that brings out the absolute protagonists of the well-lit fabrics, and therefore the center of attention.

The exhibition opens with a look at the historical context in which this type of art begins to develop. Inside the showcases, in the first room there are testimonies of the Wool Guild, a very important guild in Florence, present through the display of seals, statutes, payments that make the activity clear. To welcome the visitor is a small wool dress, lent by the National Museum of Copenhagen, made in the mid-fourteenth century for a child and recovered in Greenland by archaeologists. The work, placed in a glass case, directly in the main entrance documents how the concept of fashion begins to develop already from this era.

In the first room near the entrance right before the start of the exhibition there is a information point where four types of fabrics are placed offering the visitor a tactile experience, which is important considering the nature of the objects on display.

The exhibition follows a chronological path and consists of various sections, each of which focuses on a different type of decoration.  It starts with the first section dedicated to Mediterranean Geometries: together with pieces of fabric with a fantasy that recall the Islamic world, the visitor is faced with the two oldest works of the entire exhibition belonging to the end of the 13th century. The Madonna of San Remigio, coming from the church from which it takes its name and the great cross from the late thirteenth century, belonging to the Accademia Gallery and restored for this occasion, which is places in a dominant in central position: in this last work particularly striking fabric decorated with geometric motifs on the central board, testimony to the splendor, largely lost, of the works that once adorned the churches in this period.

In each section, at least one pictorial work is exhibited in which the decoration of the fabric under examination is proposed, this choice is interesting and leads the visitor to look at the work with new eyes and in a different way from the usual one, looking for the decorative detail of the fabric in a continuous comparison between real fabrics and paintings.

Blue is the color that acts as a guiding thread for the entire exhibition. In fact, they chose to use this color for the walls, in strict reference to the fabrics displayed with lots of decorations with animals and symbols, just as blue is all the material didactic present. The captions are placed close to the work and clearly visible while the explanatory panels written in two languages, one for each room, are perhaps too short for the visitor who approaches for the first time with this topic, making it easier to understand the context that revolves around the exhibited works but failing to create a real linear path.

At the end of the path we find the section dedicated to velvets and also, in a position of honor to greet the visitor on his journey through the world of twentieth and fourteenth century fabrics, the beautiful piviale preserved in the Bargello Museum which documents the lavish and the richness and the importance reached by the city of Florence in this field during the fifteenth century.

 

19 Maggio 2017 – 2 Maggio 2018
Museo Salvatore Ferragamo, Palazzo Spini Feroni  
 

Di Costanza Peruzzi (Università degli Studi di Firenze)

 

La mostra in corso al Museo Salvatore Ferragamo, ideata dalla direttrice Stefania Ricci e curata da Carlo Sisi, è stata inaugurata lo scorso maggio 2017, in occasione del novantesimo anniversario del rientro dello stilista in Italia, dopo un viaggio di formazione in America durato più di un decennio.

Il Museo Ferragamo nacque nel 1995 per volere della moglie e dei figli dello stilista per far conoscere al pubblico la storia del fondatore del marchio e le sue creazioni, esempi di alto artigianato, considerate vere e proprie opere d’arte. Ma fin dal suo nascere, il Museo e le mostre temporanee organizzate al suo interno, hanno avuto anche un altro obiettivo, ovvero raccontare al pubblico lo stretto rapporto tra l’arte dello stilista e la cultura artistica del suo tempo.

A conferma di questo impegno culturale, nel 1999 il Museo Ferragamo ha ottenuto l’ambito “Premio Guggenheim Impresa e Cultura” (dal 2002 “Premio Impresa-Cultura”), che la collezione veneziana conferiva ogni anno alle aziende che meglio avevano investito in campo culturale.

Il crescente successo del Museo fece si che, a undici anni dalla sua inaugurazione, lo spazio espositivo venisse spostato dal secondo piano del Palazzo Spini-Feroni, al suo basamento, ornato da pilastri e volte a crocera che ne testimoniano l’origine medievale.

Lo spazio ampio del basamento, quasi ad aula unica, in passato ha reso talvolta difficile seguire il percorso espositivo pensato dai curatori, ma per quanto rigurda la mostra in questione il problema è stato eccellentemente risolto da Maurizio Balò, l’architetto che ha curato curato la scenografia dell’allestimento, ispirata agli interni di un ideale transatlantico, a ricordo dei viaggi per mare che portarono Ferragamo prima in America e poi in Italia.

E la metafora del viaggio diventa per il curatore Carlo Sisi, il fil rouge di tutta l’esposizione. Un viaggio mentale che Ferragamo compie nella cultura visiva dell’Italia degli anni Venti, che di fatto è la vera protagonista di questa mostra.

Suddivisa in otto sale, titolate e accuratamente descritte in pannelli introduttivi in italiano e in inglese, la mostra-viaggio parte proprio da video, oggetti e fotografie testimonianze dirette di quei viaggi in transatlantico di inizio secolo. Nella seconda sala si approda a Firenze e la si vede attraverso gli occhi di Ferragamo stesso, grazie ad un raro filmato che il “calzolaio delle stelle” (come era chiamato ad Hollywood) girò appena giunto in città, e attraverso gli occhi e il pennello dei pittori che in quegli anni vivevano in città, da Colacicchi, a Ferroni, a Baldwin, a Piombati Ammannati, a Rosai.

Si passa poi alle sale, forse le più empblematiche della mostra, dedicate alle arti decorative, dalla loro rinascita a partire dal rilancio del folklore e del regionalismo (Zecchin, Cambellotti), fino ad arrivare a quelle opere che hanno fatto la storia del concetto stesso di “Made in Italy”: Gio Ponti, Guido Balsamo Stella, Carlo Scarpa, Cantagalli, Lisio, Innocenti e Prosperi, Thayaht.

Interessante la sala dedicata alla figura della donna emancipata degli anni Venti, allestita nel corridoio di passaggio tra le due sale appena descritte. Una piccola parentesi che però rende bene l’idea della clientela che Ferragamo doveva soddisfare. La fisicità e il culto del corpo sono i protagonisti anche delle ultime due sale, visti da due diversi punti di vista: dal punto di vista più tecnico-scientifico nella penultima, in cui è possibile vedere attraverso testimonianze dirette, indumenti, fotografia, articoli di giornale e pubblicità, il crescente rigore scientifico che iniziava a invadere il mondo della moda, dalla disciplina tecnica, alla standardizzazione, all’imminente sviluppo delle taglie. Nell’ultima sala il culto del corpo, inteso come strumento estetico del dinamismo, è affidato alle testimonianze artistiche, pittoriche e scultoree.

Un percorso chiaro e completo che lascia al visitatore un’idea precisa della cultura che tanto affascinò e condizionò l’opera di questo intraprendente imprenditore e artista italiano, famoso già all’epoca anche dall’altra parte del mondo.

Piacevole, e più che altro importante per quanto rigurda l’impegno ammirabile della direzione nel coinvolgere anche giovani studiosi, la video installazione dedicata alla “Casa italiana” realizzata da studenti dell’Università di Firenze.

 

1927. The return to Italy. Salvatore Ferragamo
and the visual culture of the Twentieth Century

    

Salvatore Ferragamo Museum, Palazzo Spini Feroni
19 May 2017 – 2 May 2018
 

By Costanza Peruzzi (University of Florence)

 

La mostra “Made in New York. Keith Haring, (Subway drawings) Paolo Buggiani and co. La vera origine della Street Art” è stata inaugurata il 26 Ottobre 2017 e sarà ancora visitabile fino al 4 Febbraio 2018, presso le sale di Palazzo Medici Riccardi.

The exhibition at the Salvatore Ferragamo Museum, conceived by the director Stefania Ricci and curated by Carlo Sisi, was inaugurated last May 2017, on the occasion of the ninetieth anniversary of the return of the designer Salvatore Ferragamo, in Italy, after a training trip to America that lasted longer than a decade.

The Ferragamo Museum was founded in 1995 at the behest of the designer’s wife and children to let the public know the story of the founder of the brand and its creation as well as to show examples of high craftsmanship, considered to be true works of art. However, since its inception, the museum and the temporary exhibitions organized within it, have also had another goal, namely to tell the public the close relationship between the art of the designer and the artistic culture of his time.
In confirmation of this cultural commitment, in 1999 the Ferragamo Museum obtained the “Guggenheim Enterprise and Culture Award” (from 2002 “Impresa-Cultura Award”), which the Venetian group gives each year to the companies that have invested best in the field cultural.

The increasing success of the museum meant that, eleven years after its opening, the exhibition space was moved from the second floor of Palazzo Spini-Feroni, to its basement, adorned with pillars and cross-vaults which bare witness to its medieval origins.
The ample space of the basement, almost like a single hall, has made it difficult in the past to follow the exhibition path designed by the curators, but in regards the exhibition in question the problem was excellently solved by Maurizio Balò, the architect who designed the set of this exhibition. Balò was inspired by the interiors of a transatlantic ideal, in memory of the sea voyages that first brought Ferragamo to America and then to Italy.

The metaphor of the journey becomes for the curator Carlo Sisi, common thread of the entire exhibition. A mental journey that Ferragamo makes in the visual culture of Italy in the Twenties, which in fact is the true protagonist of this exhibition.
Divided into eight rooms, titled and accurately described in introductory panels in Italian and English, the exhibition-journey starts from videos, objects and photographs, direct evidence of those journeys in transatlantic of the beginning of the century. In the second room you arrive in Florence and you see it through the eyes of Ferragamo himself, thanks to a rare film that the “shoemaker of the stars” as he was called in Hollywood, as soon as he arrived in the city. In addition the visitor see it through the eyes and the brush of the painters who around the same time lived in the city, from Colacicchi, to Ferroni, to Baldwin, to Piombati Ammannati, to Rosai.

Then the visitor moves on to the halls, perhaps the most symbolic of the exhibition, dedicated to the decorative arts, from their rebirth starting from the revival of folklore and regionalism (Zecchin, Cambellotti), up to those works that have made the history of the concept of “Made in Italy” by the likes of Gio Ponti, Guido Balsamo Stella, Carlo Scarpa, Cantagalli, Lisio, Innocenti and Prosperi, Thayaht.

Interesting the room dedicated to the figure of the liberated woman of the twenties, set up in the passage corridor between the two rooms just described. A small interlude, which nonetheless gives a good idea of the clientele that, Ferragamo had to satisfy. The physicality and the cult of the body are also the protagonists of the last two rooms, examined from two different points of view: from the technical-scientific point of view in the second to last, where, through direct testimonies, clothing, photographs, newspaper articles and advertising, you can see the growing scientific rigor that began to invade the world of fashion, from technical discipline, to standardization, to the imminent development of sizes. In the last room the cult of the body, intended as an aesthetic instrument of dynamism, is entrusted to artistic, pictorial and sculptural testimonies.

A clear and complete path that gives the visitor a precise idea of the culture that so fascinated and influenced the work of this enterprising entrepreneur and Italian artist, already famous at the time also on the other side of the world.
Pleasant, and above all important as regards the admirable commitment of the management in involving young scholars, the video installation dedicated to the “Italian House” made by students of the University of Florence.